arpoma dimanche 24 novembre 2024 - 18h46

repertoires:

Henri-Georges ADAM - buste de femme

Henri-Georges Adam (1904-1967) est un graveur et sculpteur non figuratif français de la nouvelle École de Paris qui a également réalisé de nombreuses tapisseries monumentales.
“La densité de l'apport de Adam à l'art de notre temps ne réside pas dans la diversité des techniques mises en œuvre : gravure, sculpture, tapisserie et bien entendu dessin, mais dans l'unité, l'homogénéité qu'il établit entre ces disciplines diverses, dans sa volonté de synthèse monumentale, dans son désir de façonner des œuvres qui soient placées et qui vivent au milieu du public, dans sa nostalgie d'un art social.”
Georges Boudaille, Henri-Georges Adam, dans Cimaise no 56, Paris, novembre-décembre 1961, p. 36.

Henri-Georges ADAM - buste de femme (E)
Henri-Georges Adam (1904-1967) est un graveur et sculpteur non figuratif français de la nouvelle École de Paris qui a également réalisé de nombreuses tapisseries monumentales.
“La densité ...

Benedetto ANTELAMI - descente de croix (marbre)

D'après son style provençal, on pense qu'il a pu servir d'apprenti à l'Église Saint-Trophime d'Arles. En 1178 il a travaillé dans le Duomo de Parme, sur un bas-relief représentant la Déposition.
Benedetto Antelami (1150 – 1230) est un architecte et sculpteur italien de la fin du xiie et du début du xiiie siècle de style roman-provençal

Benedetto ANTELAMI - descente de croix (marbre) (E)
D'après son style provençal, on pense qu'il a pu servir d'apprenti à l'Église Saint-Trophime d'Arles. En 1178 il a travaillé dans le Duomo de Parme, sur un bas-relief représentant la Dépositi ...

Antonio CANOVA - trois graces

Il sut allier l'imitation de la nature avec les beautés idéales de l'antique. Il étudia l'art antique et sculpta, tout au long de sa vie, diverses statues inspirées des mythologies grecque et romaine, ainsi que des cénotaphes, des bustes et des statues en pied de divers personnages célèbres de l'époque. Il est renommé pour la délicatesse de ses sculptures sur marbre. Son œuvre est considérée comme l'archétype de la sculpture néoclassique et a fait l'objet de plusieurs études
Antonio Canova (né le 1er novembre 1757 à Possagno (province de Trévise) dans l'État vénitien, mort le 13 octobre 1822 à Venise) est un sculpteur italien

Antonio CANOVA - trois graces (E)
Il sut allier l'imitation de la nature avec les beautés idéales de l'antique. Il étudia l'art antique et sculpta, tout au long de sa vie, diverses statues inspirées des mythologies grecque et romaine, ainsi que d ...

Aristide MAILLOL - la riviere

Aristide Maillol, né Aristide Joseph Bonaventure Maillol1 le 8 décembre 1861 à Banyuls-sur-Mer et mort le 27 septembre 1944) à Banyuls-sur-Mer, est un sculpteur et peintre français d'origine catalane. Considéré comme l'un des plus grands scultpeurs du xxe siècle, il fut le créateur de la sculpture moderne en établissant la rupture avec le signifié, ce qui ouvrit la porte de l'abstraction.

Aristide MAILLOL - la riviere (E)
Aristide Maillol, né Aristide Joseph Bonaventure Maillol1 le 8 décembre 1861 à Banyuls-sur-Mer et mort le 27 septembre 1944) à Banyuls-sur-Mer, est un sculpteur et peintre français d'origine catalane. Cons ...

cristalleries de Baccarat - verres collection Harcourt

Harcourt est une collection de verres de table en cristal de la maison Baccarat. Créée en 1841, elle se distingue par une ligne simple et la mise en valeur de la forme et porte le nom de « forme gondole à triple bouton ». C'est à l'occasion de l'exposition internationale de 1925 que la collection change, comme beaucoup d'autres chez Baccarat, de nom, celui d'Harcourt, faisant référence à l'une des plus vieilles famille noble française. Ces verres sont présents sur la table de Napoléon III puis des dîners présidentiels, d'ambassades et même du pape. À partir de 2002, des designers revisitent les verres Harcourt, comme Philippe Starck qui les noircit. Pour les 170 ans de la ligne, Baccarat les décline avec des médaillons représentant Louis XV et son épouse Marie Leszczynska (le roi ayant autorisé la création de la manufacture Baccarat).

cristalleries de Baccarat - verres collection Harcourt (E)
Harcourt est une collection de verres de table en cristal de la maison Baccarat. Créée en 1841, elle se distingue par une ligne simple et la mise en valeur de la forme et porte le nom de « forme gondole à triple b ...

Auguste BARTHOLDI - la Statue de la Liberté

La Liberté éclairant le monde (Liberty Enlightening the World), plus connue sous le nom de statue de la Liberté (Statue of Liberty), est l'un des monuments les plus célèbres des États-Unis. Elle est située à New York, sur l'île de Liberty Island au sud de Manhattan, à l'embouchure de l'Hudson et à proximité d'Ellis Island.
Elle fut construite en France et offerte par le peuple français, en signe d'amitié entre les deux nations, pour célébrer le centenaire de la déclaration d'indépendance américaine. La statue fut découverte au grand jour le 28 octobre 1886 en présence du président des États-Unis, Grover Cleveland. L'idée venait du juriste et professeur au Collège de France, Édouard de Laboulaye, en 1865. Le projet fut confié, en 1871, au célèbre sculpteur français Auguste Bartholdi. Pour le choix des cuivres devant être employés à la construction, l'architecte Eugène Viollet-le-Duc eut l'idée de la technique du repoussé. En 1879, à la mort de Viollet-le-Duc, Bartholdi fit appel à l'ingénieur Gustave Eiffel pour décider de la structure interne de la statue. Ce dernier imagina un pylône métallique supportant les plaques de cuivre martelées et fixées.
La statue fait partie des National Historic Landmarks depuis le 15 octobre 1924 et de la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO depuis 19842.
La statue de la Liberté, en plus d'être un monument très important de la ville de New York, est devenue l'un des symboles des États-Unis et représente de manière plus générale la liberté et l'émancipation vis-à-vis de l'oppression. De son inauguration en 1886 jusqu'au Jet Age3, la statue a ainsi été la première vision des États-Unis pour des millions d'immigrants, après une longue traversée de l'océan Atlantique. Au plan de l'architecture, la statue rappelle le Colosse de Rhodes qui était l'une des sept merveilles du monde antique. Elle constitue l'élément principal du Statue of Liberty National Monument qui est géré par le National Park Service.

Auguste BARTHOLDI - la Statue de la Liberté (E)
La Liberté éclairant le monde (Liberty Enlightening the World), plus connue sous le nom de statue de la Liberté (Statue of Liberty), est l'un des monuments les plus célèbres des États-Unis. Elle est ...

Leopold BLASCHKA -meduses en verre

Léopold Blaschka (né le 27 mai 1822 et décédé en juillet 1895) et son fils Rudolf Blaschka (né le 17 juin 1857 et décédé le 1er mai 1939) étaient des artisans verriers allemands connus pour leurs réalisations de représentations en verre du monde floral et animal.
Léopold commença à fabriquer des œuvres en verre représentant des fleurs exotiques qu'il avait vues dépeintes dans des livres. Le prince Camille de Rohan entendit parler de son travail et lui commanda 100 modèles d'orchidées pour sa collection privée. En 18631, le Muséum Senckenberg de Dresde (le Museum für Tierkunde) commanda à Léopold la réalisation de douze exemplaires d'anémones de mer. Bien que ces projets étaient basés sur des dessins dans des livres, Léopold utilisa rapidement ses propres dessins pour reproduire des exemplaires très détaillés d'autres espèces animales et sa renommée prit rapidement de l'ampleur.
Léopold Blaschka commença à vendre des représentations d'invertébrés marins aux musées, aux aquariums, aux universités et à d'autres corps enseignants qui souhaitaient une aide visuelle mais qui ne savaient pas conserver ces animaux de façon satisfaisante. Cette méthode présentait une grande amélioration dans la représentation des animaux qui jusqu'à ce moment étaient présentés sous forme de dessins, calandrages, photographies et réalisations en papier mâché ou en cire. Progressivement il étendit son champ de travail à l'étude des animaux marins de la Mer du Nord, de la Mer baltique et de la Mer Méditerranée et plus tard il fit construire un aquarium à son domicile afin de maintenir en vie des spécimens qui lui servaient de modèle

Leopold BLASCHKA -meduses en verre (E)
Léopold Blaschka (né le 27 mai 1822 et décédé en juillet 1895) et son fils Rudolf Blaschka (né le 17 juin 1857 et décédé le 1er mai 1939) étaient des artisans verriers al ...

Antoine BOURDELLE - archer

Réalisée en 1909, Héraklès archer est la sculpture la plus connue du sculpteur Antoine Bourdelle. Elle représente l'un des douze travaux d'Héraclès, celui où il doit abattre les oiseaux du lac Stymphale.
Il s'agit d'une commande du financier et mécène Gabriel Thomas. La sculpture devait être initialement réalisée en un seul exemplaire selon le vœu de Gabriel Thomas. Présentée au salon de la Société nationale des beaux-arts de 1910, la sculpture en bronze doré fit sensation.

Antoine BOURDELLE - archer (E)
Réalisée en 1909, Héraklès archer est la sculpture la plus connue du sculpteur Antoine Bourdelle. Elle représente l'un des douze travaux d'Héraclès, celui où il doit abattre les oiseau ...

Arno BREKER (1900-1991) - lutte contre les serpents

Arno BREKER (1900-1991) - lutte contre les serpents (E)
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Daniel BUREN - Monumenta

Buren a coupé l’espace par une immense mosaïque transparente où s’agencent des cercles tangeants bleus, jaunes, rouge orangés et verts. Ce motif accomplit ce que l’artiste appelle le « mouvement virtuel ». Tout le monde en a fait l’expérience, il y a certains dispositifs visuels qui suggèrent des mouvements ; ici, c’est comme si la verrière descendait. Ensuite cette mosaïque, située à trois mètres de haut, s'interrompt à l’aplomb de la coupole ; à cet endroit, des miroirs au sol, à hauteur d’une marche, continuent le motif. Enfin, elle est soutenue par une véritable forêt de colonnes – mille poteaux noir et blanc qui rappellent la mosquée de Cordoue. Et pour finir, des haut-parleurs directionnels diffusent les noms des quatre couleurs murmurés en trente-cinq langues.

Daniel BUREN - Monumenta (E)
Buren a coupé l’espace par une immense mosaïque transparente où s’agencent des cercles tangeants bleus, jaunes, rouge orangés et verts. Ce motif accomplit ce que l’artiste appelle le « mouve ...

Alexander CALDER - vache en fil de fer

Après avoir connu Mondrian et Miro et après avoir créé, en 1927, un cirque en miniature, avec des animaux et des acrobates en action, Calder trouva son propre langage avec une série de sculptures en fil métallique.
L’une des meilleurs définitions qui aient jamais été données de ces œuvres est sans doute celle de Jean-Paul Sartre :
«Un mobile est, si l’on peut dire, comme une petite célébration privée, personnelle, un objet qui trouve son unique définition dans le mouvement et n’a pas d’autres raison d’exister. C’est une fleur qui se fane quand elle cesse de se mouvoir, un pur jeu de mouvement, dans le sens où l’on parle de pur jeu de lumières… ».

L’œuvre de Calder offre quelques-uns des résultats les plus convaincants et humanisants dans l’utilisation créatrice de la technologie moderne. Il réussit à opérer une synthèse du constructivisme, du dadaïsme et de la mécanique, en conférant à cette combinaison d’éléments un nouveau caractère organique dans le contenu. Ses œuvres sont comme des comtes construits par un ingénieur sachant opérer avec le métal, avec le fil de fer, avec les lois de l’équilibre et du mouvement.

Le jeu, l’ingéniosité, la jubilation de créer sont une marque essentielle de l’œuvre de Calder. Les prototypes de jouets, réalisés en 1927 pour un fabricant de jouets de Oshkosh, Wisconsin, sont un exemple de cette alliance, caractéristique chez lui, d’un esprit ludique et d’une grande précision technologique. Ces petits objets, dont beaucoup représentent des animaux, ont été conçus, comme les personnages du Cirque ou les mobiles motorisés, pour être mis en action à l’aide de mécanismes très ingénieux.
peinture, usa, ,

Alexander CALDER - vache en fil de fer (E)
Après avoir connu Mondrian et Miro et après avoir créé, en 1927, un cirque en miniature, avec des animaux et des acrobates en action, Calder trouva son propre langage avec une série de sculptures en fil m& ...

Camille CLAUDEL - Danae

Dans la mythologie grecque, Danaé (en grec ancien ΔανÎ¬η / Danáê), fille d'Acrisios (roi d'Argos) et d'Eurydice (fille de Lacédémon), est la mère de Persée.
Son père, Acrisios, l'emprisonne dans une tour d'airain quand un oracle lui prédit qu'il sera tué par son petit-fils. Zeus parvient toutefois à se présenter à elle pour la séduire sous la forme d'une pluie d'or. De cette union naît un fils, Persée. Courroucé, Acrisios met sa fille et son petit-fils dans un coffre qu'il jette à la dérive. Ceux-ci parviennent à Sérifos, où le roi Polydecte, épris de Danaé, tente de la forcer à l'épouser. Persée, revenant avec la tête de Méduse, change le roi en pierre et réussit à ramener sa mère à Argos.
Virgile raconte qu'elle se rend plus tard en Italie où elle fonde la ville d'Ardée. Son petit-fils Turnus se dispute la main de Lavinia avec Énée. Danaé est également mentionnée dans les tragédies d'Eschyle, d'Euripide et de Sophocle. Elle symbolise la terre souffrant de sécheresse et sur laquelle une pluie fertilisante descend du ciel.

Camille CLAUDEL - Danae (E)
Dans la mythologie grecque, Danaé (en grec ancien ΔανÎ¬η / Danáê), fille d'Acrisios (roi d'Argos) et d'Eurydice (fille de Lacédémon), est la mère de Persée.
So ...

Alexandre CHARPENTIER - femme jouant de l'alto

Alexandre_Charpentier_1856_1909_
Alexandre Charpentier entre très jeune comme apprenti chez un graveur de bijoux puis dans un atelier de gravure en médailles. Alexandre Charpentier se familiarise avec la sculpture et le bas-relief et consacre son activité à d’autres recherches : ce qu’il avait conçu grand, il le réalise petit, sur des plaquettes ou des objets divers. Il modèle notamment de nombreux médaillons inspirés par diverses personnalités.
Séduit depuis toujours par le décoratif, il oriente ses réalisations vers des objets usuels et mobiliers, exécutés en céramique, en étain ou en bois, qu’il veut de forme agréable tout en étant fonctionnels.
En 1896 il expose rue Caumartin des ” objets destinés à servir, des objets usuels, d’utilité courante qui soient des œuvres d’art “.
Il ouvre plusieurs ateliers d’ébénisterie, conçoit de nombreux ensembles de mobilier, obtient le grand prix à l’Exposition Universelle de 1900.

Alexandre CHARPENTIER - femme jouant de l'alto (E)
Alexandre_Charpentier_1856_1909_
Alexandre Charpentier entre très jeune comme apprenti chez un graveur de bijoux puis dans un atelier de gravure en médailles. Alexandre Charpentier se familiarise avec la sculpture et le ba ...

CLODION (1738-1814)

Claude Michel dit Clodion, né le 20 décembre 1738 à Nancy et mort le 29 mars 1814 à Paris, est un sculpteur lorrain, puis à partir de 1766 français.
Il a sans doute passé le début de sa vie à Nancy et à Lille.
En 1755, il entra à Paris dans l'atelier de son oncle maternel Lambert Sigisbert Adam, sculpteur. Il y resta quatre ans, puis devint à la mort de son oncle un élève de Jean-Baptiste Pigalle.
Il est connu pour ses groupes mythologiques de danseuses, de nymphes ou de baigneuses en terre cuite.
Il a aussi exécuté des œuvres de grande proportion, notamment "Hercule en repos", "le Fleuve Scamandre", "le Déluge", un buste de Tronchet, etc.
Il est l'auteur du décor "aquatique" du château de Digoine.

CLODION (1738-1814) (E)
Claude Michel dit Clodion, né le 20 décembre 1738 à Nancy et mort le 29 mars 1814 à Paris, est un sculpteur lorrain, puis à partir de 1766 français.
Il a sans doute passé le début ...

DONATELLO (1386-1466) - tabernacle

Donato di Niccolò di Betto Bardi, dit Donatello (Florence, v. 1386 - Florence, 13 décembre 1466), est un sculpteur italien, un des cinq rénovateurs de l'art italien avec Masaccio, Brunelleschi, Ghiberti, Luca Della Robbia.
Il est, certainement, le plus grand des sculpteurs toscans qui précèdent Michel-Ange, et s'il est loin d'égaler la vigueur et la puissance de conception de ce dernier, il lui est de beaucoup supérieur au point de vue de la délicatesse du travail, de la vérité des détails, de l'expression du caractère et de l'habileté d'exécution, soit dans le maniement du bronze, soit dans celui du marbre.

DONATELLO (1386-1466) - tabernacle (E)
Donato di Niccolò di Betto Bardi, dit Donatello (Florence, v. 1386 - Florence, 13 décembre 1466), est un sculpteur italien, un des cinq rénovateurs de l'art italien avec Masaccio, Brunelleschi, Ghiberti, Luca Della Robb ...

FALCONET - Seated Cupid (detail)

Influencé par l’école baroque dont il peut être considéré comme un maître, Falconet reste, sous certains aspects, un sculpteur néoclassique. Son œuvre la plus célèbre est la statue équestre de Pierre le Grand, dite le Cavalier de bronze à Saint-Pétersbourg, en Russie.
Étienne Maurice Falconet, né le 1er décembre 1716 à Paris où il est mort le 24 janvier 1791, est un sculpteur académicien français.

FALCONET - Seated Cupid (detail) (E)
Influencé par l’école baroque dont il peut être considéré comme un maître, Falconet reste, sous certains aspects, un sculpteur néoclassique. Son œuvre la plus célèbre ...

alberto giacometti - homme qui marche

Giacometti modèle un personnage fragile pour symboliser l'homme : une peau fine qui couvre les os. La démarche est assurée, car cette marche est celle vers un monde meilleur. Le buste légèrement incliné, les bras ballants dans la position du balancier, les jambes très longues, tous ces éléments contribuent au dynamisme de l'œuvre et accentuent l'effet de marche. Mais les pieds surdimensionnés comme englués dans la glaise, collés au socle entravent cette marche en avant. Giacometti nous montre ainsi, combien notre démarche pour avancer dans la connaissance, est difficile et entravée par des contingences matérielles. Il dit aussi qu'il faut"s'arracher"à la glaise de la matérialité du corps pour que l'esprit progresse. Cette homme qui marche ne peut être qu'une métaphore de l'homme et de ses aspirations spirituelles L'homme meilleur serait-il à advenir, un devenir en marche en quelque sorte?

alberto giacometti - homme qui marche (E)
Giacometti modèle un personnage fragile pour symboliser l'homme : une peau fine qui couvre les os. La démarche est assurée, car cette marche est celle vers un monde meilleur. Le buste légèrement inclin&eac ...

GISLEBERTUS - le sommeil des mages (Cathedrale d'Autun)

Le chapiteau le plus célèbre d’Autun est probablement la Fuite en Egypte, qui provient du chœur, où l'on admire la Vierge Marie et Jésus sur l’âne et Joseph. On retrouve ce sujet à Saulieu. Les autres merveilles sont la Mort de Caïn (nef) qu'on retrouve même deux fois à Vézelay, la Pendaison de Judas (nef) qui est une scène très dramatique qu'on peut voir encore à Saulieu, Dieu et Adam (nef), l'Arrivée des Mages chez Hérode (mutilé, provenant du choeur), l’Adoration des Mages (choeur) et le Sommeil des Mages (chœur) qui sont des sculptures très émouvantes, Balaam sur l'ânesse (mutilé, corbeau provenant du portail du narthex) qu'on peut voir aussi à Saulieu et à La Rochepot, l'Ethiopian (corbeau du portail du narthex), un Nain combattant (chœur), l'Offrande de l’Eglise (nef), deux Vices et deux Vertus (nef) aux visages étonnants, Basilic et Sagittaire (chœur), l'Oiseau tricéphale (chœur), un atlante (provenant du portail ouest) ainsi que 9 feuillages très délicats.

GISLEBERTUS - le sommeil des mages (Cathedrale d'Autun) (E)
Le chapiteau le plus célèbre d’Autun est probablement la Fuite en Egypte, qui provient du chœur, où l'on admire la Vierge Marie et Jésus sur l’âne et Joseph. On retrouve ce sujet à ...

Jean GOUJON (1510-1567) - Diane appuyée sur un cerf, Parc Nobel, Stockholm, Suède

Accompagnée de ses deux chiens, un lévrier et un barbet, Diane, déesse de la chasse, enlace un cerf majestueux. Le groupe surmontait une fontaine monumentale dans le parc du château d'Anet, construit par Philibert Delorme pour Diane de Poitiers, la maîtresse du roi Henri II. La longue silhouette nue et chaste de la déesse, dont la beauté fut toujours admirée, est devenue le symbole de la Renaissance française
Jean Goujon, né vers 1510, probablement en Normandie, est un sculpteur et architecte français.
Surnommé le « Phidias français » ou « le Corrège de la sculpture », Jean Goujon est une des figures majeures de la Renaissance française.

Jean GOUJON (1510-1567) - Diane appuyée sur un cerf, Parc Nobel, Stockholm, Suède (E)
Accompagnée de ses deux chiens, un lévrier et un barbet, Diane, déesse de la chasse, enlace un cerf majestueux. Le groupe surmontait une fontaine monumentale dans le parc du château d'Anet, construit par Philibert ...

HOUDON - Voltaire

Voltaire symbolise par excellence l'esprit des Lumières. Aujourd'hui connu comme philosophe et apôtre de la tolérance, il fut aussi un auteur dramatique célèbre, un poète et un historien. Après un exil de vingt ans à Ferney (en Suisse), malade et âgé de quatre-vingt-trois ans, il revint à Paris en février 1778, où il reçut un accueil triomphal. Alors qu'il assistait à une représentation de sa pièce Irène à la Comédie-Française, son effigie fut couronnée de lauriers et le patriarche longuement applaudi. Houdon, qui ne l'avait jamais rencontré auparavant, obtint de lui quelques séances de pose, avant sa mort le 30 mai 1778. Des multiples bustes réalisés de Voltaire, seul celui "tête nue" de Houdon donna entière satisfaction au grand homme. L'artiste moula aussi son masque funéraire.
À partir de ces éléments, il réalise plusieurs types de bustes, dont deux sont représentés au Louvre, et les reproduit dans toutes les matières (marbre, bronze, terre cuite, plâtre).

HOUDON - Voltaire (E)
Voltaire symbolise par excellence l'esprit des Lumières. Aujourd'hui connu comme philosophe et apôtre de la tolérance, il fut aussi un auteur dramatique célèbre, un poète et un historien. Aprè ...

Iann KERSALE - structure de lumiere sur le pont de Normandie

En 1993, il s'occupe de l'illumination de la verrière de l'Opéra de Lyon conçue par Jean Nouvel. Il renouvèle cette collaboration en 2003 pour la Tour Agbar à Barcelone et le musée du quai Branly de Paris. Il travaille également avec Helmut Jahn sur le Sony Center à Berlin, et les aéroports de Bangkok et de Chicago6.
Il travaille également sur les ponts de Fragnée à Liège, de Normandie, et de Québec, sur l'Opéra Bastille à Paris, le Tunnel sous la Manche à Calais, la Basilique Saint-Denis.
Yann Kersalé, en 2012, s'occupe de la mise en lumière du passage du Prado7. En octobre de la même année, il met en lumière l'observatoire du Pic du Midi pour sensibiliser les femmes à se faire dépister pour le cancer du sein (voyant dans la forme de cette montagne, un sein).

Iann KERSALE - structure de lumiere sur le pont de Normandie (E)
En 1993, il s'occupe de l'illumination de la verrière de l'Opéra de Lyon conçue par Jean Nouvel. Il renouvèle cette collaboration en 2003 pour la Tour Agbar à Barcelone et le musée du quai Branly de ...

Jeff KOONS - structure (Bilbao Musee Guggenheim)

Jeff KOONS - structure (Bilbao Musee Guggenheim) (E)
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René Jules LALIQUE - papillon

René Jules Lalique (né le 6 avril 1860 à Aÿ dans la Marne et mort le 5 mai 1945) est un maître verrier et bijoutier français,
Il s'est rendu célèbre par ses créations étonnantes de bijoux, puis de flacons de parfum, de vases, chandeliers, horloges et, à la fin de sa vie, de cabochons de voitures. L'entreprise qu'il a fondée fonctionne toujours. Son nom est resté attaché à la créativité et la qualité, car il a toujours su dessiner des objets fastueux mais restant discrets.
Tout en gardant les sources d'inspiration de l'Art nouveau, faune et flore, dont le paon, divers insectes et parfois un bestiaire fantastique, il innove en utilisant des matériaux peu usités pour la bijouterie à cette époque : le verre, l'émail, le cuir, la corne, la nacre, et en préférant souvent les pierres semi-précieuses aux pierres précieuses. L'introduction du volume dans la bijouterie est facilitée par ses connaissances en modelage. Il dessine ses modèles, les faisant réaliser par une équipe de ciseleurs, sculpteurs et émailleurs qu'il recrute avec soin.
De nombreuses femmes de la noblesse, de la bourgeoisie et du spectacle se sont mises à porter ses bijoux extraordinaires, telles la marquise Arconati-Visconti, la comtesse de Béarn, la princesse de Guermantes, Mme Waldeck-Rousseau, Sarah Bernhardt pour laquelle il réalise en 1902 son costume de scène pour la reprise de la pièce Théodora au Théâtre Sarah Bernhardt.

René Jules LALIQUE - papillon (E)
René Jules Lalique (né le 6 avril 1860 à Aÿ dans la Marne et mort le 5 mai 1945) est un maître verrier et bijoutier français,
Il s'est rendu célèbre par ses créations é ...

MICHEL ANGE - Pieta

Contrairement à d'autres Pietà, Michel-Ange donne plus d'importance à la beauté de la Vierge qu'à sa douleur. Ce mélange entre la beauté païenne et la religion est une caractéristique que l'on retrouve très fréquemment dans l'œuvre, voire dans la vie, de l'artiste. Le Christ quant à lui est représenté selon son âge et semble donc plus vieux que sa mère. Michel-Ange s'en est expliqué à Ascanio Condivi : « Ne sais-tu pas que les femmes chastes se conservent beaucoup plus fraîches que celles qui ne le sont pas ? Combien plus par conséquent une vierge, dans laquelle jamais n'a pris place le moindre désir immodeste qui ait troublé son corps ... ».

MICHEL ANGE - Pieta (E)
Contrairement à d'autres Pietà, Michel-Ange donne plus d'importance à la beauté de la Vierge qu'à sa douleur. Ce mélange entre la beauté païenne et la religion est une caractérist ...

MUCHA - buste de femme

MUCHA - buste de femme (E)
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PHIDIAS (atelier) - Acropole - Parthenon - attelage

Le style de Phidias, le meilleur représentant du premier classicisme, se caractérise par une représentation réaliste de l'anatomie humaine, mais idéaliste par son idéal de majesté et de sérénité.
Ses bas-reliefs sont remarquables par la rigueur de leur composition, et leur souci de rythme : se détachant du statisme des grandes frises orientales, Phidias introduit dans les scènes des contrepoints (personnages retournés, à contre-courant) et joue sur les lignes courbes, divergentes et convergentes. Il réussit à bien détacher et étager ses personnages, donnant l'impression d'une multitude d'individus et non d'un amas peu discernable. La minutie des représentations (on voit les veines saillantes du cheval de Séléné sur le fronton oriental représentant la naissance d'Athéna) fait de chacun des sujets de véritables sculptures.
Phidias, en grec ancien Φειδίας / Pheidias (Athènes, v. 490 – Olympie, av. 430), est un sculpteur du premier classicisme grec.
On dispose de peu de détails sur la vie de Phidias. Né à Athènes peu après la bataille de Marathon, il est l'élève d'Agéladas et apprend la technique du bronze à l'école d'Argos, en même temps que Myron et Polyclète. Il semble avoir véritablement commencé son activité en -479 et l'avoir terminée en -432.
Sa première grande œuvre est une colossale Athéna Promachos pour l'Acropole, en 460. Il est ensuite choisi par Périclès pour exécuter des statues pour le Parthénon, mais aussi pour superviser l'ensemble des travaux de sculpture.

PHIDIAS (atelier) - Acropole - Parthenon - attelage (E)
Le style de Phidias, le meilleur représentant du premier classicisme, se caractérise par une représentation réaliste de l'anatomie humaine, mais idéaliste par son idéal de majesté et de s&eac ...

Le BERNIN - rapt de Prosperine (detail)

Le BERNIN - rapt de Prosperine (detail) (E)
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Luca della ROBBIA (1400-1481) - choeur enfants

Luca della Robbia (Luca di Simone di Marco della Robbia), est un sculpteur et un céramiste italien, né à Florence en 1400 et mort en 1481, oncle du céramiste Andrea della Robbia et le fondateur de l'atelier des Della Robbia.
Insensible aux tendances de la Renaissance formulées par Brunelleschi, Masaccio, Donatello, Luca Della Robbia est un sculpteur dont la sobriété claire des plans et des rythmes, la sérénité classique des visages, les draperies simples et la sensibilité à la lumière seront toujours présentes dans son œuvre. Il recherchera le moyen de conserver ses œuvres en terre cuite.

Luca della ROBBIA (1400-1481) - choeur enfants (E)
Luca della Robbia (Luca di Simone di Marco della Robbia), est un sculpteur et un céramiste italien, né à Florence en 1400 et mort en 1481, oncle du céramiste Andrea della Robbia et le fondateur de l'atelier des D ...

Auguste RODIN - le baiser

Le Baiser est à l'origine un des très nombreux motifs de son œuvre magistrale La Porte de l'enfer, commandée par l'État Français, inspirée par La Divine Comédie de Dante et des Fleurs du mal de Charles Baudelaire pour le Musée des Arts décoratifs, prévue à l'emplacement des ruines de la Cour des Comptes à Paris.
Le couple fut plus tard séparé de la porte, et remplacé par une paire d'amants dans la colonne inférieure droite. Les nombreuses figures que Rodin créa pour le projet furent un vivier d'idées pour certaines de ses sculptures indépendantes, comme « le Baiser » ou Le Penseur.
La méthode utilisée par Rodin pour faire ses sculptures de grande taille consistait à employer des sculpteurs qui taillaient à l'échelle un modèle plus petit dans un matériau plus facile à tailler que le marbre et une fois terminées, Rodin donnait la dernière touche lui-même.
Avant de créer la version en marbre, Rodin a produit plusieurs sculptures plus petites en plâtre, terre cuite et bronze. L'œuvre fut d'abord appelée Francesca da Rimini, d'après le nom d'un des personnages de l'enfer dans la Divine Comédie de Dante, qui tomba amoureuse de son beau-frère, Paolo Malatesta, lui aussi marié. Les amoureux furent surpris et assassinés par le mari de Francesca pendant qu'ils lisaient ensemble l'histoire de Lancelot et la reine Guenièvre. Dans le Baiser, on peut voir le livre dans la main de Paolo. Quand les critiques d'art virent la sculpture dans 1887, ils suggérèrent un titre moins spécifique que Francesca da Rimini et proposèrent le Baiser.
En 1888, le gouvernement français chargea Rodin de la première version en marbre de grande taille du Baiser, il apparut pour la première fois au Salon de Paris en 1898. Elle fut si populaire, que le fondeur Ferdinand Barbedienne proposa à Rodin un contrat pour en éditer des réductions en bronze.
Le Baiser d'Auguste Rodin est une sculpture en marbre d'un couple enlacé, créée par Auguste Rodin à la demande de l'État français pour l'Exposition universelle de Paris de 1889. Elle est exposée au Musée Rodin de Paris.

Auguste RODIN - le baiser (E)
Le Baiser est à l'origine un des très nombreux motifs de son œuvre magistrale La Porte de l'enfer, commandée par l'État Français, inspirée par La Divine Comédie de Dante et des Fleurs d ...

Niki de SAINT PHALLE - Nanas

Les Nanas rappellent par leur nom une femme moderne et par leur forme la silhouette féminine en mettant l'accent sur les rondeurs tels que la poitrine et les fesses. La plupart des Nanas sont fabriquées en polyester peintes en couleurs luisantes.
Les Nanas représentent l'intervention de Niki de Saint-Phalle dans le mouvement féministe des années 80.

Elles explorent les représentations artistiques du rôle de la femme telles des poupées grandeur nature.

Niki de SAINT PHALLE - Nanas (E)
Les Nanas rappellent par leur nom une femme moderne et par leur forme la silhouette féminine en mettant l'accent sur les rondeurs tels que la poitrine et les fesses. La plupart des Nanas sont fabriquées en polyester peintes en ...

Oussmane SOW - le lanceur

Le lanceur, œuvre majeure de la série Zoulou, a été réalisé par Ousmane SOW entre 1990 et 1991.

La sculpture originale fut présentée à Paris en 1999 sur le Pont des Arts, lors de l’exposition des « séries africaines » et de la bataille de « Little Big Horn ».

Cet événement compta plus de quatre millions de visiteurs.

La série des Zoulou est composée de onze personnages agencés en quatre groupes, constituant ainsi des sculptures narratives.

Cette série rend hommage à la résistance héroïque des Zoulou contre les Européens et leur régime d’Apartheid.

La réalisation de cette série coïncide avec la fin de la période d’Apartheid et la libération de Nelson Mandela, événements qui ouvrirent une nouvelle ère pour l’Afrique du Sud.

Dans ce contexte, l’épopée du peuple Zoulou se révèle comme un symbole de la résistance et de la fierté culturelle africaine.
sculpture, senegal, ,

Oussmane SOW - le lanceur (E)
Le lanceur, œuvre majeure de la série Zoulou, a été réalisé par Ousmane SOW entre 1990 et 1991.

La sculpture originale fut présentée à Paris en 1999 sur le Pont des Art ...

Giovanni STRAZZA - vierge voilée (milieu du XIXe siècle)

la "Vierge voilée" de Giovanni Strazza, taillée dans un bloc de marbre, témoigne de la virtuosité du sculpteur par son saisissant effet de transparence. Pourtant, de ce sculpteur lombard formé à Rome par Pietro Terenari, on ne sait pas grand chose... pas plus que sur cette oeuvre aux effets textiles virtuoses. Cette sculpture en marbre "Vierge voilée" du XIXe siècle est impressionnante par son effet de transparence.

Pour lever le voile, nous avons rencontré Claire Barbillon, directrice de l'Ecole du Louvre, spécialisée dans la sculpture du XIXe siècle et auteur de Comment regarder la sculpture (2017).
Je pense que c’est la Vierge Marie, même si on pourrait aussi penser qu’il s’agit d’une vierge, la virginité étant toujours un gage de pureté et de spiritualité. Qu’il s’agisse de la Vierge Marie ou d’une vierge, comme étaient vierges par exemple les vestales, il y a l’idée d’une pureté, d’un rapport au divin qui n’est pas entaché par la sensualité et la sexualité.
La première chose qui frappe quand on regarde ce visage, c’est l'ambiguïté entre un souci de figurer la spiritualité par les yeux fermés, par ce qu’on devine d’émotion contenue, et le contraire qui est cette perturbation par les degrés divers de l’épaisseur du voile, qui crée comme une sorte de vague, de mouvance qui brouille l’image.

Que sait-on sur cette œuvre, et plus largement sur cet art de tailler des voiles dans le marbre ?
C'est une œuvre très caractéristique d’une tradition italienne qui remonte plutôt au XVIIIe siècle, et plus particulièrement à la tradition napolitaine, qui consiste à travailler, tailler de manière virtuose le marbre, et à jouer sur l'ambiguïté entre ce qui est révélé de la figure humaine et ce qui est dissimulé au regard. Si on veut vraiment en faire l’archéologie, c’est la tradition du "drapé mouillé" qu’on trouve déjà dans la sculpture grecque hellénistique. C’est un défi que se jettent les sculpteurs depuis toujours, car c’est une façon de travailler sur la figure humaine, la précision de son rendu anatomique, et sur son dévoilement au regard, qui est un jeu perpétuel de dissimulation et de révélation.

La virtuosité produit toujours son effet, et c’est bien normal. Il y a un travail de taille, et c’est vrai qu’il est effectué avec une virtuosité fascinante. Là aussi il y a un effet de contraste : le marbre est un matériau dur, qui résiste au ciseau, à la taille, et il semble ici d’une souplesse et d’une légèreté qui créent un paradoxe. À mon avis, la raison de la fascination c’est la combinaison de tous ces paradoxes, toutes ces ambiguïtés, entre force et fragilité, pureté et sensualité…
avec ce type d’œuvre, ce qui est intéressant est de comprendre que ce motif de la draperie mouillée et du voile, sur les visages et les corps, est une façon de jouer de l'ambiguïté. En fait il y a un certain érotisme du voile.

En fait, le baroque, à la toute fin du XVIIe et au XVIIIe siècle, permet aux sculpteurs de rivaliser en virtuosité. Cette tendance s’exerce notamment par ces draperies outrancièrement arrangées qui dissimulent la forme du corps humain. Le fondement du classicisme c’est le corps nu comme microcosme, qui se réfère au macrocosme du monde. Et finalement, la draperie avec toutes ses séductions et subtilités appartient à la tendance baroque, à ce moment-là.

Le drapé est une tradition dans la sculpture, mais il peut être pratiqué de façon très différente sur le plan formel. Il y a d'ailleurs une différence entre le drapé et le voilé.

Au milieu du XIXe siècle, c’est quand même le triomphe de ce genre d’œuvre. Il y a un goût extrêmement fort pour l’érotisme en sculpture. Dans toute l’Europe, il y a un triomphe d’un art virtuose que contre l’émergence du réalisme ; et cette sculpture est faite effectivement pour séduire tout public. Il ne faut pas oublier que c’est l’Italie, et qu’à mon avis, plus encore qu’en France, cette esthétique s’inscrit dans la suite de cette tendance napolitaine dont on parlait avec le Christ de Sanmartino, vers une virtuosité extrême, une prouesse technique.

Strazza est né en 1818, deux ans avant le couperet qui tombe pour que les artistes soient documentés dans l’admirable documentation du musée d’Orsay. C’est donc un artiste qui émarge au Louvre, mais comme le Louvre doit documenter la sculpture depuis le Moyen Âge... Mais c’est un domaine dans lequel on peut continuer à donner des thèses de doctorat, un domaine vivant à l’Université, comme dans les musées, donc rien n’est perdu !

Giovanni STRAZZA - vierge voilée (milieu du XIXe siècle) (E)
la "Vierge voilée" de Giovanni Strazza, taillée dans un bloc de marbre, témoigne de la virtuosité du sculpteur par son saisissant effet de transparence. Pourtant, de ce sculpteur lombard formé &a ...