.jpg) | Richard ADDINSELL - Concerto de Varsovie.jpg) C'est pour le film Dangerous Moonlight (1941) que Richard Addinsell a compose une pièce pour piano et orchestre dans le style de Rachmaninov, appelée Concerto de Varsovie, devenue très célèbre. C'est pour le film Dangerous Moonlight (1941) que Richard Addinsell a compose une pièce pour piano et orchestre dans le style de Rachmaninov, appelée Concerto de Vars ... |
.jpg) | Isaac ALBENIZ - Asturias (guitare: Andres Segovia).jpg) Asturias (Leyenda) utilise des rythmes flamenco d'Andalousie. La Suite española ou Suite espagnole, Op. 47, est une suite pour piano seul composée par Isaac Albéniz. Cette suite est majoritairement constituée d'œuvres composées en 1886 et rassemblées en 1887 en l'honneur de Marie-Christine d'Autriche, reine d'Espagne. Comme beaucoup d'œuvres pour piano d'Albeniz, ces pièces utilisent différents styles musicaux de régions d'Espagne. La suite est initialement constituée de quatre pièces : Granada, Cataluña, Seville et Cuba. L'éditeur Hofmeister republie la Suite espagnole en 1912, après la mort d'Albéniz, en ajoutant Cádiz, Asturias, Aragón et Castile. Ces nouvelles pièces ont auparavant été publiées dans d'autres éditions, parfois sous un autre nom (Asturias est le prélude de Chants d'Espagne). Andrés Torres Segovia, marqués de Salobreña (né le 21 février 1893 à Linares, Espagne – mort le 2 juin 1987 à Madrid) est un guitariste classique espagnol. Segovia déclarait qu'il avait « sauvé la guitare des mains du flamenco bohémien », et mis en place un répertoire classique pour lui donner sa place dans les salles de concert. Il faut préciser qu'il parlait là du mauvais flamenco, car dans le film de Christopher Nupen, Segovia at los olivos (1967), il déclare : « Le vrai flamenco, la vraie tradition du flamenco est magnifique, magnifique ! ». Asturias (Leyenda) utilise des rythmes flamenco d'Andalousie. La Suite española ou Suite espagnole, Op. 47, est une suite pour piano seul composée par Isaac Alb& ... |
 (irlande).jpg) | Greensleeves - air medieval (pour flute) (irlande).jpg) Greensleeves est une chanson anglaise traditionnelle écrite en l'honneur d'une « dame aux manches vertes » (de green : « vert » et sleeve : « manche »). D'après une légende populaire, elle aurait été composée par le roi Henri VIII (1491-1547) en l'honneur d'Anne Boleyn (1501 ou 1507-1536). Elle a probablement circulé sous forme de manuscrit, c'est-à-dire de « copie manuscrite », comme la plupart des musiques populaires de cette époque, bien avant d'être finalement imprimée. La première version reconnue est de 1580, sous le titre de A New Northern Ditty of the Lady Greene Sleeves, sans qu'aucune copie de cette impression n'ait survécu, si bien que l'on ne sait pas qui a composé ce morceau. Greensleeves est une chanson anglaise traditionnelle écrite en l'honneur d'une « dame aux manches vertes » (de green : « vert » et sleeve : « m ... |
@.jpg) | greensleaves - air medieval@.jpg) Greensleeves est une chanson anglaise traditionnelle écrite en l'honneur d'une « dame aux manches vertes » (de green : « vert » et sleeve : « manche »). D'après une légende populaire, elle aurait été composée par le roi Henri VIII (1491-1547) en l'honneur d'Anne Boleyn (1501 ou 1507-1536). Elle a probablement circulé sous forme de manuscrit, c'est-à-dire de « copie manuscrite », comme la plupart des musiques populaires de cette époque, bien avant d'être finalement imprimée. La première version reconnue est de 1580, sous le titre de A New Northern Ditty of the Lady Greene Sleeves, sans qu'aucune copie de cette impression n'ait survécu, si bien que l'on ne sait pas qui a composé ce morceau. illustr.Le CARAVAGE - corbeille de fruits Greensleeves est une chanson anglaise traditionnelle écrite en l'honneur d'une « dame aux manches vertes » (de green : « vert » et sleeve : « m ... |
.jpg) | Jean-Sebastien BACH - badinerie pour flute (Jean-Pierre Rampal).jpg) Ouverture n° 2 en si mineur, BWV 1067 Au début du XVIIIe siècle, le terme « suite » désigne une succession de danses précédées d'une ouverture. La terminologie étant fluctuante à l'époque, le mot « ouverture » désigne aussi, parfois, la suite dans son entier. Bach travailla ce genre à quatre quatre reprises. Dans la célèbre Suite n° 2 en si mineur de 1739 , il instrumente dans le goût du temps, en introduisant la flûte, très en vogue à l'époque, dans l'orchestre à cordes. La Badinerie conclut l'œuvre. Ouverture n° 2 en si mineur, BWV 1067 Au début du XVIIIe siècle, le terme « suite » désigne une succession de danses préc&eacut ... |
 | Jean-Sebastien BACH - Cantate Bwv 29 - Sinfonia (ouverture) (orgue: Marcel Dupre) Wir danken dir, Gott, wir danken dir (Nous te rendons grâces, ô Dieu, nous te rendons grâces), (BWV 29), est une cantate religieuse de Johann Sebastian Bach composée à Leipzig en 1731. Bach composa la cantate pour l'inauguration d'un nouveau conseil municipal qui eut lieu dans un service festif le lundi suivant la saint Barthélémy le 27 août 1731. Cette cantate est une des deux cantates religieuses de Bach ayant une sinfonia orchestrale pour ouverture, l'autre étant Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen, BWV 12. La musique est un arrangement du prélude de la partita pour violon n° 3 BWV 1006. Un solo de l'orgue joue la partie originale pour violon tandis que l'orchestre l'accompagne Wir danken dir, Gott, wir danken dir (Nous te rendons grâces, ô Dieu, nous te rendons grâces), (BWV 29), est une cantate religieuse de Johann Sebastian Bach compo ... |
 | Jean-Sebastien BACH - Cantate Bwv 29 - Sinfonia (ouverture) (Bach Collegium Japon) Wir danken dir, Gott, wir danken dir (Nous te rendons grâces, ô Dieu, nous te rendons grâces), (BWV 29), est une cantate religieuse de Johann Sebastian Bach composée à Leipzig en 1731. Bach composa la cantate pour l'inauguration d'un nouveau conseil municipal qui eut lieu dans un service festif le lundi suivant la saint Barthélémy le 27 août 1731. Cette cantate est une des deux cantates religieuses de Bach ayant une sinfonia orchestrale pour ouverture, l'autre étant Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen, BWV 12. La musique est un arrangement du prélude de la partita pour violon n° 3 BWV 1006. Un solo de l'orgue joue la partie originale pour violon tandis que l'orchestre l'accompagne Wir danken dir, Gott, wir danken dir (Nous te rendons grâces, ô Dieu, nous te rendons grâces), (BWV 29), est une cantate religieuse de Johann Sebastian Bach compo ... |
 | J.S. BACH - concerto brandebourgeois n3 - allegro (Karl Richter) Dans ce concerto, les cordes sont divisées en trois groupes qui dialoguent, un dialogue assez sobre dans le premier mouvement plus majestueux, et plus enlevé dans le troisième. Les concertos brandebourgeois sont un ensemble de six concertos de Johann Sebastian Bach (BWV 1046 à 1051), qui comptent parmi les plus renommés qu'il ait composés. Le qualificatif de brandebourgeois est dû à Philipp Spitta qui, suivant l'usage germanique, fait référence au dédicataire, le margrave Christian Ludwig de Brandebourg. Dans ce concerto, les cordes sont divisées en trois groupes qui dialoguent, un dialogue assez sobre dans le premier mouvement plus majestueux, et plus enlevé dans le ... |
 | bach - concerto brandebourgeois n3 - allegro - karl richter Dans ce concerto, les cordes sont divisées en trois groupes qui dialoguent, un dialogue assez sobre dans le premier mouvement plus majestueux, et plus enlevé dans le troisième. Les concertos brandebourgeois sont un ensemble de six concertos de Johann Sebastian Bach (BWV 1046 à 1051), qui comptent parmi les plus renommés qu'il ait composés. Le qualificatif de brandebourgeois est dû à Philipp Spitta qui, suivant l'usage germanique, fait référence au dédicataire, le margrave Christian Ludwig de Brandebourg. Dans ce concerto, les cordes sont divisées en trois groupes qui dialoguent, un dialogue assez sobre dans le premier mouvement plus majestueux, et plus enlevé dans le ... |
 | J.S. BACH - Concerto pour 4 claviers (soeurs Labeque sur instruments anciens) Bach est l'un des précurseurs dans le genre du concerto pour clavier. Bach a écrit des concertos pour deux, trois et quatre claviers. Ces concertos sont joués de nos jours au clavecin, au piano-forte ou au piano. Bach disposait dès 1730 du second instrument au sein de l'orchestre qu'il dirigeait (le Collegium Musicum de Leipzig) et il n'est donc pas exclu qu'il ait pensé à celui-ci lors de la composition de certains de ces concertos. La plupart de ces concertos sont des adaptations de pièces plus anciennes, parfois égarées. Leur structure est identique : mouvements vif-lent-vif et leur durée comparable (environ une vingtaine de minutes). Bach est l'un des précurseurs dans le genre du concerto pour clavier. Bach a écrit des concertos pour deux, trois et quatre claviers. Ces concertos sont joués ... |
 | J.S. BACH - concerto pour 4 pianos - 1e mt (Argerich, Kissin, Levine, Pletnev) Bach est l'un des précurseurs dans le genre du concerto pour clavier. Douze concertos pour un clavecin devaient être écrits, en deux cahiers de 6. Bach a écrit par ailleurs des concertos pour deux, trois et quatre claviers. Ces concertos sont joués de nos jours au clavecin, au piano-forte ou au piano. Bach disposait dès 1730 du second instrument au sein de l'orchestre qu'il dirigeait (le Collegium Musicum de Leipzig) et il n'est donc pas exclu qu'il ait pensé à celui-ci lors de la composition de certains de ces concertos. La plupart de ces concertos sont des adaptations de pièces plus anciennes, parfois égarées. Leur structure est identique : mouvements vif-lent-vif et leur durée comparable (environ une vingtaine de minutes). Bach est l'un des précurseurs dans le genre du concerto pour clavier. Douze concertos pour un clavecin devaient être écrits, en deux cahiers de 6. Bach a &eacut ... |
 | Jean-Sebastien BACH - motet - Jesu meine freude Jesu, meine Freude est un motet composé par Johann Sebastian Bach. Le titre complet est Motet n° 3 en mi mineur, BWV 227. Il existe six motets funéraires authentifiés (BWV 225–230) composés pour l'Église Saint-Thomas de Leipzig entre 1723 et 1727. Un septième a son authenticité contestée. Ce troisième est le plus ancien, le plus long, musicalement le plus complexe et à juste titre le plus populaire des six. Il a été composé à Leipzig en 1723 pour les funérailles (le 18 juillet 1723) de Johanna Maria Käsin, la femme du maître des postes de la ville. La cinquième voix du chœur est une partie de second soprano d'une grande richesse harmonique, ajoutant énormément à la palette tonale de l’ensemble de l’œuvre. La mélodie chorale sur laquelle le motet se base est de Johann Crüger (1653) et elle apparait pour la première fois dans son Praxis pietatis melica. Le texte en allemand est de Johann Franck (en) et a été écrit vers 1650. Les paroles des mouvements 2, 4, 6, 8 et 10 sont basés de l’Épître aux Romains 8:1–2, 9–11. illustr. bas relief della robbia Jesu, meine Freude est un motet composé par Johann Sebastian Bach. Le titre complet est Motet n° 3 en mi mineur, BWV 227. Il existe six motets funéraires aut ... |
 | Jean-Sebastien BACH - partita pour clavecin bwv831 ... |
 | Jean-Sebastien BACH - partita pour violon seul n3 - prelude Les partitas sont composées de mouvements de danse, empruntant le schéma baroque de la succession allemande-courante-sarabande-gigue mais sans jamais s'y conformer complètement : dans la première partita, une bourrée est substituée à la gigue, la deuxième ajoute un cinquième mouvement, la fameuse chaconne et la troisième suit un schéma inhabituel qui ne conserve que la gigue pour le dernier mouvement. La combinaison de ces deux formes typiques, l'un de la musique italienne et l'autre de la musique française, manifeste que Bach a voulu se situer dans l'héritage de ces deux traditions qui influençaient alors toute la musique européenne (on retrouve d'ailleurs ce souci dans le diptyque constitué du Concerto italien et de l' Ouverture à la française). La troisième partita est probablement la plus connue des six suites. Le prélude et la gavotte sont fréquemment jouées séparément et apparaissent dans de nombreuses compilations de musique classique. Les partitas sont composées de mouvements de danse, empruntant le schéma baroque de la succession allemande-courante-sarabande-gigue mais sans jamais s'y conformer co ... |
 | J.S BACH - Passion selon Saint Mathieu - choeur final La compassion et l'abandon à la douleur constituent l'idée maîtresse de l'œuvre. Qu'elles soient de joie ou de peine, amères ou libératrices, toute l'œuvre paraît baigner dans les larmes. La Passion selon saint Matthieu (BWV 244), est un oratorio de Johann Sebastian Bach, partition monumentale qui compte parmi les grandes œuvres de la musique classique. l’œuvre s’achève par un grand chœur final, précédé par un court adieu de chaque soliste au Christ. La compassion et l'abandon à la douleur constituent l'idée maîtresse de l'œuvre. Qu'elles soient de joie ou de peine, amères ou libératrices ... |
 | Jean-Sebastien BACH - la petite fugue pour orgue La célèbre Petite Fugue en sol s'apparente à ces pages intimes que le compositeur destinait aux concerts familiaux. D'une écriture ferme mais légère, une fugue régulière s'y déploie sans que jamais le discours se perde en complications. La célèbre Petite Fugue en sol s'apparente à ces pages intimes que le compositeur destinait aux concerts familiaux. D'une écriture ferme mais lég ... |
 | Jean-Sebastien BACH - Sonate en trio pour Orgue Bwv 525 Les Sonates en trio pour orgue sont parmi les pièces pour orgue les plus remarquables écrites par Johann Sebastian Bach. Elles sont le sommet de l'art du contrepoint à exécuter par un unique interprète. Elles sont réputées pour leur extrême difficulté technique, redoutées par tous les organistes, programmées dans toutes les épreuves et concours d'orgue. Elles nécessitent en effet une grande maîtrise et une grande concentration du fait de l'indépendance requise pour jouer chacune des trois voix simultanément : une voix pour la main gauche, une voix pour la main droite et une voix au pédalier. Elles ont été enregistrées par les plus grands organistes et représentent la référence en matière de virtuosité organistique. Elles constituent sur le plan purement musical un essai de synthèse entre le style rigoureux contrapuntique et le style galant italien, certains mouvements lents pouvant être considérés comme une préfiguration du style romantique à venir. Les Sonates en trio pour orgue sont parmi les pièces pour orgue les plus remarquables écrites par Johann Sebastian Bach. Elles sont le sommet de l'art du contrepo ... |
 | Jean-Sebastien BACH - suite anglaise - prelude ... |
 | Jean-Sebastien BACH - suite francaise pour clavier Les Suites françaises sont un des trois groupes de six suites pour le clavecin composées par Johann Sebastian Bach (à côté des Suites anglaises et des Partitas pour clavier appelées aussi Suites allemandes). Ce sont les plus simples d'exécution, les moins ambitieuses musicalement, et leur caractère d'air à danser est affirmé, même si le goût du compositeur pour le contrepoint y fait reconnaître sa signature. Leur composition remonte au plus tard aux années 1720-1724 à Köthen. Elles comprennent toutes les quatre danses traditionnelles de la suite : allemande, courante, sarabande et gigue avec, entre la sarabande et la gigue, un nombre variable de pièces supplémentaires : menuet(s), air, anglaise, gavotte, bourrée, loure, polonaise. Elles se distinguent des Suites anglaises et des Partitas pour clavier par l'absence de prélude et une moindre difficulté. Les Suites françaises sont un des trois groupes de six suites pour le clavecin composées par Johann Sebastian Bach (à côté des Suites anglaises et ... |
.jpg) | rostropovitch - bach au pied du mur de berlin.jpg.jpg) C’est l’une des images les plus marquantes de l’époque de la Chute du Mur. L’immense violoncelliste Mstislav Rostropovitch, seul, avec son instrument au pied du Mur ,entame les suites de Bach. Nous sommes alors le 11 novembre 1989. Le Mur est déjà largement en train de s’effriter. Les télévisions du monde entier sont également présentes dans la capitale berlinoise.le violoncelliste entame son concert improvisé à deux pas de Check Point Charlie. Rostropovitch reviendra dix ans plus tard exactement à Berlin et, grâce à cet interview, de France 2 encore une fois, on apprend les circonstances qui l’on conduit à venir à Berlin. Le musicien se trouvait en effet à Paris le jour de la Chute du Mur et a tenté par tous les moyens de rejoindre Berlin quand il a appris la nouvelle. Ce "Mur de la honte" revêt en effet une importance très particulière pour le violoncelliste. En effet, celui-ci a débuté sa carrière à Moscou mais ses idées et sa proximité avec Soljenitsyne lui rendent la vie difficile en URSS. Il doit donc d’exiler à l’Ouest, aux Etats-Unis et en France. Rostropovitch explique qu’en arrivant près du Mur, il a d’abord cherché une chaise pour pouvoir jouer et que, petit à petit, un attroupement s’est crée. Les premières notes se font entendre. Les Suites de Bach, car "Bach, c’est Dieu" déclarera-t-il. D’abord joyeuses pour fêter cet évènement puis plus tristes pour rendre hommage aux victimes du régime est-allemand. Cette sarabande de la deuxième suite de Bach restera pour toujours associée à cette image hautement symbolique du violoncelliste devant ce Mur en ruine. C’est l’une des images les plus marquantes de l’époque de la Chute du Mur. L’immense violoncelliste Mstislav Rostropovitch, seul, avec son instrument ... |
 | J.S. BACH - Suite pour Violoncelle N° 2. BWV 1008. ré mineur (1721) Les six suites pour violoncelle seul de Johann Sebastian Bach (BWV 1007 à 1012) sont considérées comme les classiques incontournables du répertoire de cet instrument. Le violoncelle resta longtemps cantonné au rôle de faire-valoir ; il faut attendre la deuxième moitié du xviiie siècle pour que soit définitivement supplantée la basse de viole de gambe, et le xixe siècle pour que soient acquises au violoncelle ses lettres de noblesse d'instrument soliste et concertant, notamment grâce à Ludwig van Beethoven, Johannes Brahms, Robert Schumann, Édouard Lalo, Jacques Offenbach, Camille Saint-Saëns, Antonín Dvorak, Felix Mendelssohn-Bartholdy. Ces Suites sont un élément incontournable du répertoire pour violoncelle, d'abord en raison de leurs qualités musicales, ensuite pour leur intérêt pédagogique et théorique. Bach met en valeur toutes les possibilités polyphoniques de l'instrument. Les six suites pour violoncelle seul de Johann Sebastian Bach (BWV 1007 à 1012) sont considérées comme les classiques incontournables du répertoire de c ... |
 | Jean-Sebastien BACH - cantate pour orgue bwv 29 Wir danken dir, Gott, wir danken dir (Nous te rendons grâces, ô Dieu, nous te rendons grâces), (BWV 29), est une cantate religieuse de Johann Sebastian Bach composée à Leipzig en 1731. Bach composa la cantate pour l'inauguration d'un nouveau conseil municipal qui eut lieu dans un service festif le lundi suivant la saint Barthélémy le 27 août 1731. Cette cantate est une des deux cantates religieuses de Bach ayant une sinfonia orchestrale pour ouverture, l'autre étant Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen, BWV 12. La musique est un arrangement du prélude de la partita pour violon n° 3 BWV 1006. Un solo de l'orgue joue la partie originale pour violon tandis que l'orchestre l'accompagne illustr. Shinkel Wir danken dir, Gott, wir danken dir (Nous te rendons grâces, ô Dieu, nous te rendons grâces), (BWV 29), est une cantate religieuse de Johann Sebastian Bach compo ... |
 | Ludwig van BEETHOVEN - concerto pour piano n4 Ludwig van Beethoven a incontestablement marqué avec Mozart le sommet de la création en termes de concertos pour piano. Des cinq concertos qu’il a composés, quatre sont des chefs d’œuvre, le très sage n° 2 de 1784 (en réalité le premier, mais publié plus tard) étant l’œuvre de jeunesse d’un Beethoven âgé de 14 ans. Le compositeur a ensuite attendu l’année 1798 pour aborder à nouveau le genre avec le concerto pour piano n° 1 en ut majeur (allegro con brio [1, 2], largo [1, 2], rondo : allegro scherzando) ; encore sous l’influence de Haydn et Mozart, celui-ci laisse néanmoins déjà apparaître des traits purement beethovéniens, et cela dès les toutes premières mesures. Composé en 1800, le concerto n° 3 en ut mineur (allegro con brio [1, 2], largo [1, 2], rondo [1, 2]), est le seul des cinq dans une tonalité mineure ; rompant résolument avec l’inspiration classique, il est caractérisé par un souffle rebelle, et par instants véhément, qui l’emporte vers les sommets de l’art musical. Des sommets où l’ont rejoint en 1806 le magnifique concerto n° 4 en sol majeur (allegro moderato [1, 2], andante con moto, rondo : vivace), superbement lyrique et introspectif, puis en 1809 le grandiose concerto en mi bémol majeur « L’Empereur » (allegro [1, 2], adagio un poco mosso, rondo : allegro). Avec ce dernier, « Beethoven endosse le costume de Titan, sculptant son ouvrage dans un moule héroïque » a écrit le musicologue Neville Cohn, et cela suffit à définir le caractère de cette œuvre. Sans les progrès de sa surdité, nul doute que Beethoven eût composé d’autres concertos pour son instrument de prédilection tant étaient immenses ses qualités d’interprète avant l’apparition de cette terrible informité. Á l’écoute des œuvres symphoniques ultérieures, on mesure l’ampleur de la perte pour le répertoire pianistique. Piano Concerto No. 4 in G major, Op. 58. "The Amnesty International Concert" Conductor: Leonard Bernstein Piano Soloist: Claudio Arrau Orchestra: Bavarian Broadcast Symphony Orchestra Venue: Munich, Germany. Date: 17/10/1976 I. Allegro moderato II. Andante con moto III. Rondo. Vivace Ludwig van Beethoven (1770 - 1827) Claudio Arrau (1903 - 1991) Leonard Bernstein (1919 - 1990) Ludwig van Beethoven a incontestablement marqué avec Mozart le sommet de la création en termes de concertos pour piano. Des cinq concertos qu’il a composé ... |
a.jpg) | L.V. BEETHOVEN - hymne a la joie (concert Osaka 10000 chanteurs 2011)a.jpg) The performance of "Daiku", "The Ninth", Beethoven's 9th Symphony with 10000 (amateur) chorus singers is a Japanese highlight every year in the end of December. Here is the last movement, recorded at the 2011 concert in Osaka, this year dedicated especially to the memory of the victims of the desastrous tsunami in March. Keiko Yokoyama, soprano Masako Teshima, mezzo-soprano Satoshi Nishimura, tenor Eijiro Kai, baritone Choir of the 10000 from Osaka and Sendai Suntory Orchestra of the 10000 Sendai Philharmonic Orchestra Yutaka Sado, conductor Recorded at Osaka-Jo Hall, Osaka / Miyagi Gauin Joshi Daigaku Hall, Sendai, 2011 illustr. Joan MIRO - Ciphers and Constellations, in Love with a Woman The performance of "Daiku", "The Ninth", Beethoven's 9th Symphony with 10000 (amateur) chorus singers is a Japanese highlight every year in the end of December. ... |
 | BEETHOVEN - les ruines d'Athenes - marche turque Die Ruinen von Athen, op. 113 (Les Ruines d'Athènes) est une œuvre de circonstance composée par Ludwig van Beethoven en 1811. Elle comprend une ouverture en sol mineur et huit parties chantées, dont seule une marche avec chœurs en sol majeur fut publiée (sous le numéro d'opus 114). L'empereur François Ier d'Autriche, pour apaiser les sentiments nationalistes naissants en Hongrie, avait fait construire dès 1808 un grand théâtre à Pest, en Hongrie, pour célébrer la fidélité de la Hongrie à la monarchie autrichienne. À l'occasion de l'inauguration de ce théâtre en 1812, Beethoven fut appelé à mettre en musique deux textes de circonstance écrits par August von Kotzebue : Le Roi Étienne et Les Ruines d'Athènes. Ces ouvertures font partie des œuvres orchestrales les moins jouées du compositeur. Die Ruinen von Athen, op. 113 (Les Ruines d'Athènes) est une œuvre de circonstance composée par Ludwig van Beethoven en 1811. Elle comprend une ouverture en sol ... |
 | L.V. BEETHOVEN - Quatuor a cordes n14 op 131 - 06 - adagio Cet oeuvre achevée en octobre 1826 est l'avant dernier quatuor du compositeur. Il est considéré comme l'un des plus beaux. L'œuvre est continue, les mouvements s'enchaînent directement l'un après l'autre. Le troisième comme le sixième mouvement sont de courtes introductions aux mouvements qui suivent. Le grand monument de la musique de chambre de Beethoven est formé par les 16 quatuors à cordes. C’est sans doute pour cette formation que Beethoven a confié ses plus profondes inspirations. Le quatuor à cordes a été popularisé par Boccherini, Haydn puis Mozart, mais c’est Beethoven qui a le premier utilisé au maximum les possibilités de cette formation. Les six derniers quatuors et la « Grande Fugue » en particulier, constituent le sommet insurpassé du genre. Depuis Beethoven, le quatuor à cordes n’a cessé d’être un passage obligé des compositeurs et un des plus hauts sommets fut sans doute atteint par Schubert. C’est néanmoins dans les quatuors de Bartók que l’on trouve l’influence la plus profonde mais aussi la plus assimilée des quatuors de Beethoven ; on peut alors parler d’une lignée « Haydn-Beethoven-Bartók » — trois compositeurs partageant à bien des égards une même conception de la forme, du motif et de son usage, et tout particulièrement dans ce genre précis. Cet oeuvre achevée en octobre 1826 est l'avant dernier quatuor du compositeur. Il est considéré comme l'un des plus beaux. L'œuvre est continue, les mouv ... |
 | BEETHOVEN - les ruines d'Athenes marche des derviches Die Ruinen von Athen, op. 113 (Les Ruines d'Athènes) est une œuvre de circonstance composée par Ludwig van Beethoven en 1811. Elle comprend une ouverture en sol mineur et huit parties chantées, dont seule une marche avec chœurs en sol majeur fut publiée (sous le numéro d'opus 114). L'empereur François Ier d'Autriche, pour apaiser les sentiments nationalistes naissants en Hongrie, avait fait construire dès 1808 un grand théâtre à Pest, en Hongrie, pour célébrer la fidélité de la Hongrie à la monarchie autrichienne. À l'occasion de l'inauguration de ce théâtre en 1812, Beethoven fut appelé à mettre en musique deux textes de circonstance écrits par August von Kotzebue : Le Roi Étienne et Les Ruines d'Athènes. Ces ouvertures font partie des œuvres orchestrales les moins jouées du compositeur. Die Ruinen von Athen, op. 113 (Les Ruines d'Athènes) est une œuvre de circonstance composée par Ludwig van Beethoven en 1811. Elle comprend une ouverture en sol ... |
 | Ludwig van BEETHOVEN - sonate pour piano Appassionata - 3e mt vivace (piano: Claudio Arrau) La Sonate pour piano no 23 en fa mineur, op. 57, dite l'« Appassionata », a été composée par Ludwig van Beethoven entre 1804 et 1805. C'est sa vingt-troisième sonate sur trente-deux. Elle est dédiée au comte Franz von Brunswick, ami et admirateur du musicien. La Sonate pour piano no 23 en fa mineur, op. 57, dite l'« Appassionata », a été composée par Ludwig van Beethoven entre 1804 et 1805. C'est sa ving ... |
 | BENCINI - Ave Maria - Salve Regina Salve, Regina, mater misericordiae. Vita, dulcedo et spes nostra, salve. Ad te clamamus, exsules filii Evae. Ad te suspiramus, gementes et flentes in hac lacrimarum valle. Eia ergo, advocata nostra, illos tuos misericordes oculos ad nos converte. Et Jesum, benedictum fructum ventris tui, nobis post hoc exilium ostende. O clemens, o pia, o dulcis Virgo Maria ! Salve, Regina, mater misericordiae. Vita, dulcedo et spes nostra, salve. Ad te clamamus, exsules filii Evae. Ad te suspiramus, gementes et flentes in hac lacrimarum valle. ... |
 @@@@.jpg) | Leonard BERNSTEIN - West Side Story @@@@.jpg) À New York, dans les années 1950, deux gangs de rue rivaux, les Jets (américains d'origine polonaise) et les Sharks (immigrés d'origine portoricaine), font la loi dans le quartier de West Side. Ils se provoquent et s'affrontent à l'occasion. West Side Story le film musical américain de Jerome Robbins et Robert Wise, sorti le 18 octobre 1961, reprend la comédie musicale de Leonard Bernstein et Arthur Laurents, dont la première eu lieu le 26 septembre 1957 à Broadway, mise en scène par Jerome Robbins, où elle connut un vif succès. À New York, dans les années 1950, deux gangs de rue rivaux, les Jets (américains d'origine polonaise) et les Sharks (immigrés d'origine portoricaine), f ... |
 | Georges BIZET - Carmen - Habanera C'est l'heure de la pause pour les cigarières de la manufacture qui font l'éloge de la fumée du tabac Les jeunes gens assemblés demandent à Carmen quand elle les aimera. En guise de réponse Carmen expose sa philosophie de l'amour, quelque peu pessimiste, dans la célébrissime habanera L'amour est enfant de bohème Il n'a jamais jamais connu de loi Si tu ne m'aimes pas je t'aime si je t'aime prends garde à toi. » Carmen est un opéra tragique en quatre actes de Georges Bizet, sur un livret d'Henri Meilhac et Ludovic Halévy, d'après la nouvelle Carmen, de Prosper Mérimée. La première représentation eut lieu sous la direction d'Adolphe Deloffre. Créé le 3 mars 1875 à l'Opéra-Comique de Paris, c'est l'un des opéras les plus joués au monde. Carmen - Anna Caterina Antonacci; Don José - Jonas Kaufmann; Escamillo - Ildebrando D'Arcangelo; Micaela - Norah Amsellem; The Royal Opera Chorus; Chorus Director: Renato Balsadonna; The Orchestra of the Royal Opera House Covent Garden; Conductor: Antonio Pappano Artiste C'est l'heure de la pause pour les cigarières de la manufacture qui font l'éloge de la fumée du tabac Les jeunes gens assemblés demandent à Carme ... |
 | Beorges BIZET - Carmen C'est l'heure de la pause pour les cigarières de la manufacture qui font l'éloge de la fumée du tabac Les jeunes gens assemblés demandent à Carmen quand elle les aimera. En guise de réponse Carmen expose sa philosophie de l'amour, quelque peu pessimiste, dans la célébrissime habanera L'amour est enfant de bohème Il n'a jamais jamais connu de loi Si tu ne m'aimes pas je t'aime si je t'aime prends garde à toi. » Carmen est un opéra tragique en quatre actes de Georges Bizet, sur un livret d'Henri Meilhac et Ludovic Halévy, d'après la nouvelle Carmen, de Prosper Mérimée. La première représentation eut lieu sous la direction d'Adolphe Deloffre. Créé le 3 mars 1875 à l'Opéra-Comique de Paris, c'est l'un des opéras les plus joués au monde. Carmen - Anna Caterina Antonacci; Don José - Jonas Kaufmann; Escamillo - Ildebrando D'Arcangelo; Micaela - Norah Amsellem; The Royal Opera Chorus; Chorus Director: Renato Balsadonna; The Orchestra of the Royal Opera House Covent Garden; Conductor: Antonio Pappano Artiste illustr. ROSLIN - la Dame au voile C'est l'heure de la pause pour les cigarières de la manufacture qui font l'éloge de la fumée du tabac Les jeunes gens assemblés demandent à Carme ... |
 | Alexandre BORODINE - Le Prince Igor - Danses polovtsiennes Il s’agit de danses d’une tribu nomade du XIIe siècle sur les bords de la Mer noire. Ces danses sont exécutées dans le camp des Polovtsiens, alors que leur chef, le Khan Kontchak, retient prisonnier le prince Igor. Les Danses polovtsiennes sont l'extrait le plus célèbre composé par Alexandre Borodine dans son opéra Le Prince Igor. Elles sont souvent jouées à part dans des concerts. Dans l'opéra, les danses sont accompagnées d'un chœur. Il s’agit de danses d’une tribu nomade du XIIe siècle sur les bords de la Mer noire. Ces danses sont exécutées dans le camp des Polovtsiens, alors ... |
 | Pierre BOULEZ - le marteau sans maitre Le Marteau sans maître pour voix et six instruments est une œuvre de Pierre Boulez datant de 1954, d'après des poèmes tirés du Marteau sans maître de René Char. L'œuvre a été créée le 18 juin 1955 au Festival de la société internationale pour la musique contemporaine, à Baden-Baden. Le Marteau sans maître est un recueil de poèmes de René Char paru en 1934. Il reparaît l'année suivante chez José Corti, puis suivi de Moulin premier à partir de 1945. Bien que paru aux éditions surréalistes, et contenant des poèmes écrits entre 1927 et 1935, il marque la prise de distance de René Char avec le surréalisme. Le Marteau sans maître pour voix et six instruments est une œuvre de Pierre Boulez datant de 1954, d'après des poèmes tirés du Marteau sans ma&icir ... |
 - symphonie n4 1884.jpg) | Johannes BRAHMS - symphonie n4 - 1er mt - symphonie n4 1884.jpg) Carlos Kleiber conducts Brahms Symphony No.4 (1st mov./ first part), with the Bavarian State Orchestra. The best performance. La symphonie no 4 en mi mineur, op. 98, la dernière, a été composée par Johannes Brahms en 1884-1885 à Mürzzuschlag dans les Alpes, soit à peine un an après sa troisième symphonie. Contrairement aux deux précédentes qui avaient été créées à Vienne, Cette symphonie représente un retour aux formes classiques, Avec la Quatrième Symphonie, Brahms est semble-t-il arrivé à une synthèse heureuse : la profusion des rythmes et l'orchestration innovante et, chose rare, l'utilisation des cors naturels Elle se compose de quatre mouvements et dure environ 40 min. Le premier mouvement est une forme sonate (exposition-développement-réexposition-conclusion) avec quatre éléments distincts, dont deux traités en priorité : le premier élément (ou thème principal) est une succession de tierces descendantes, le deuxième élément (mélodique) est énoncé aux violoncelles et au cors, le troisième qui s'apparente au deuxième thème au bois. Le quatrième élément rythmique, sur le ton de la dominante (ici si majeur) est énoncé aussi aux vents. Semblable au tout premier thème de la symphonie, il est basé justement sur les tierces du début, montantes ou descendantes. Le deuxième mouvement repose sur deux éléments principaux : le thème principal, joué aux cors et basé sur le mode de mi (mode phrygien), et le second thème énoncé aux violoncelles. Un troisième élément de transition basé sur des triolets de doubles croches est cité de temps à autre. A noter que le thème principal est cité une première fois sans harmonisation (partant de la note mi), mais n'apparaîtra harmonisé (toujours sur la même note de départ) qu'à la fin. Le troisième mouvement est une extraordinaire démonstration de contrepoint et de traitement thématique : un seul thème domine, construit comme un renversable, c'est-à-dire un thème et une basse énoncés simultanément et pouvant être échangés. Le quatrième mouvement représente l'ultime sommet, une immense passacaille vraisemblablement inspirée de la chaconne finale de la cantate Nach dir, Herr, verlanget mich de Johann Sebastian Bach. Dans les deux cas, l'élément principal est une figure de basse. Bien que la forme passacaille limite les possibilités modulantes, Brahms réussit à intégrer la forme sonate en exploitant dans ce sens des éléments rencontrés au fil du mouvement : on peut considérer la partie centrale (contenant un célèbre solo de flûte3) comme un développement. Une coda, Più allegro, conclut la symphonie de manière véhémente. Carlos Kleiber conducts Brahms Symphony No.4 (1st mov./ first part), with the Bavarian State Orchestra. The best performance. La symphonie no 4 en mi mineur, op. 98, la de ... |
 | Johannes BRAHMS - double concerto pour violon et violoncelle Interprété par Carlotta Persico au violoncelle, Christophe Bianco au violon, en compagnie de l'orchestre universitaire de Clermont-Ferrand, sous la direction de Jean-Louis Jam. 28 mars 2010 Interprété par Carlotta Persico au violoncelle, Christophe Bianco au violon, en compagnie de l'orchestre universitaire de Clermont-Ferrand, sous la direction de Jean- ... |
 | Benjamin BRITTEN - Variations and Fugue on a Theme of Purcell Op 34 The Young Person's Guide to the Orchestra (Op. 34) est une œuvre orchestrale du compositeur anglais Benjamin Britten sous-titrée Variations et Fugue sur un thème de Purcell. Elle fut écrite en 1946 dans le but d'initier les jeunes aux instruments de l'orchestre. Il s'agit d'une commande pour un documentaire éducatif, c'est l'une des œuvres les plus connues du compositeur, et une des trois partitions les plus utilisées pour l'éducation musicale des enfants, avec Le Carnaval des animaux de Saint-Saëns et Pierre et le Loup de Prokofiev. Le thème principal est inspiré d'une danse d'Henry Purcell, en l'occurrence le rondeau tiré d'Abdelazer. Dans un premier temps, le thème de Purcell est exposé par l'orchestre au complet puis par chacune des familles instrumentales à tour de rôle, c'est-à-dire les bois, les cuivres, les cordes puis les percussions. Suivent ensuite des variations pour chaque instrument de l'orchestre parfois préalablement présentés au jeune public par des commentaires du chef d'orchestre. La pièce se termine par une fugue reprenant les bases du thème initial. Orchestre Entier, "Tutti" L'ordre des timbres( couleur du son): Bois : Flûtes, hautbois, clarinettes, bassons Cuivres : Cors, trompettes, trombones, tubas Cordes : Violons, altos, violoncelles, contrebasses Percussions : Timbales, triangle, tambourin, caisse claire, cymbales, grosse caisse , The Young Person's Guide to the Orchestra (Op. 34) est une œuvre orchestrale du compositeur anglais Benjamin Britten sous-titrée Variations et Fugue sur un thèm ... |
 | Marc-Antoine CHARPENTIER - Te Deum (indicatif Eurovision) Sa musique issue d'un mélange des styles français et italien, auxquels elle emprunte de nombreux éléments. Il a composé des œuvres sacrées telles que des oratorios, des messes, des psaumes, des magnificats. Il a également composé plusieurs opéras, des sonates, préludes pour orchestre, des noëls instrumentaux. Marc-Antoine Charpentier fut presque complètement oublié jusqu'à ce qu'en 1953 il soit révélé par son Te Deum, dont l'ouverture orchestrale sert d'indicatif à l'Eurovision. C'est à Carl de Nys que l'on doit la redécouverte de ce Te Deum, qui devint également l'hymne du Tournoi des Six Nations. La firme naissante Erato avait accepté d'en assurer l'enregistrement. Sa musique issue d'un mélange des styles français et italien, auxquels elle emprunte de nombreux éléments. Il a composé des œuvres sac ... |
 | Moines de Chevetogne - liturgie slavone Dès la fondation de la communauté, les chants liturgiques de l'orthodoxie russe ont été en usage pour la célébration de l'office byzantin. Les moines de l'abbaye sont rapidement devenus une référence musicale en la matière et de nombreux enregistrements ont été réalisés depuis les années 1960, tout d'abord sous la direction de Dom Grégoire Bainbridge puis sous celle de Dom Philippe Bär. À partir de 1984 le monastère de Chevetogne a commencé à produire une série de CD sous son propre label en collaboration avec les studios Art et Musique à Angers, spécialisés dans l'édition de musique sacrée14. L'ensemble est alors dirigé par le Père Maxime Gimenez, puis par le Père Thomas Pott Dès la fondation de la communauté, les chants liturgiques de l'orthodoxie russe ont été en usage pour la célébration de l'office byzantin. ... |
.jpg) | Frederic CHOPIN - Concerto pour piano en mi mineur.jpg) Frédéric Chopin avait 20 ans en 1830 quand il a composé le concerto en mi mineur. Il avait fini ses études musicales à Varsovie, ses capacités extraordinaires de pianiste étaient reconnues, et il composait depuis plusieurs années. Il mûrit alors la décision de partir faire un long voyage d'études à l'étranger, ce qui le pousse à composer des concertos pour les interpréter en public en Europe. C'est le 11 octobre 1830 qu'il donne un concert d'adieux au Théâtre National de Varsovie, où il joue ce concerto. Le 2 novembre, il quitte Varsovie et n'y reviendra plus jamais. L'insurrection éclate fin novembre 1830 à Varsovie. Après Vienne et Munich, il arrivera à Paris fin septembre 1831… Frédéric Chopin avait 20 ans en 1830 quand il a composé le concerto en mi mineur. Il avait fini ses études musicales à Varsovie, ses capacit&eacu ... |
 | Frederic CHOPIN - Valse n3 En La Mineur op34 2e mt Chopin composa un total de 17 valses, qui sont parmi ses œuvres les plus connues. Les valses de Chopin ne sont pas traditionnelles ; en effet, trois d'entre elles seulement sont destinées à être dansées : la Grande Valse brillante op. 18, la Valse op. 64 n°2 et la Valse op. 70 n°2. Elles n'ont pas été écrites à la suite et leur composition s'étale entre 1829 et 1848. Seules huit d'entre elles ont été publiées du vivant du musicien. Chopin composa un total de 17 valses, qui sont parmi ses œuvres les plus connues. Les valses de Chopin ne sont pas traditionnelles ; en effet, trois d'entre elles seulement s ... |
 | Frederic CHOPIN - concerto pour piano n2 op21 - 3e mt allegro vivace ... |
 | Frederic CHOPIN - impromptu Op Posth - Allegro Agitato Les quatre Impromptus de Frédéric Chopin furent composés à différentes époques de sa vie, entre 1835 et 1842. Le titre indique une forme A.B.A., un thème initial de caractère improvisé, un passage central plus expressif et visant l'opposition avec le précédent, et un retour à la première idée. La Fantaisie-Impromptu est le nom donné par Julian Fontana au quatrième Impromptu de Chopin, composé en premier mais publié après la mort du compositeur. Les quatre Impromptus de Frédéric Chopin furent composés à différentes époques de sa vie, entre 1835 et 1842. Le titre indique une forme A ... |
 | Frederic CHOPIN - nocturne n1 op9 en si bemol mineur (Arthur Rubinstein) Les Nocturnes de Chopin représentent 21 courtes pièces pour piano seul composées par Frédéric Chopin entre 1827 et 1846. Elles tiennent une place importante dans le répertoire de concert contemporain1. Bien que Chopin n'ait pas inventé le nocturne, il a popularisé le genre et l'a répandu, à partir de la forme développée par le compositeur irlandais John Field. Les Nocturnes de Chopin représentent 21 courtes pièces pour piano seul composées par Frédéric Chopin entre 1827 et 1846. Elles tiennent une place ... |
 | Frederic CHOPIN - nocturne op66 n2 Un nocturne — étymologiquement, une « musique pour la nuit » — est une forme musicale classique, reposant sur un mouvement lent, une expression pathétique, divers ornements mélodiques et une partie centrale accélérée. C'est l'une des expressions du romantisme musical. Le nocturne se présente comme une pièce confidentielle de courte durée, que le compositeur irlandais John Field (1782-1837) fut l'un des premiers à cultiver à partir de 1814. Plongé dans le climat de la nuit — une ambiance privilégiée par les romantiques — il est souvent de structure ABA, avec une mélodie très souple et ornementée, accompagnée par une main gauche aux arpèges ondulants. Le tempo est généralement lent, et la partie centrale (B) souvent plus agitée. Frédéric Chopin a fixé la forme la plus célèbre des nocturnes. Il en a écrit 21, de 1827 à 1846, dont 18 à partir de 1832. D'abord publiés par séries de trois (opus 9 et 15), ils sont par la suite groupés par paires (opus 27, 32, 37, 48, 55, 62). Un nocturne — étymologiquement, une « musique pour la nuit » — est une forme musicale classique, reposant sur un mouvement lent, une expression path& ... |
 | Dmitri CHOSTAKOVITCH - Suite pour orchestre de jazz n° 2 - valse 2 Cette seconde suite pour orchestre de jazz par Chostakovitch est une commande de l'Orchestre d'État. La première fut donnée à Leningrad en 1938. La partition fut perdue durant la seconde guerre mondiale mais une réduction pour piano fut redécouverte par Manashir Yakubov en 1999. Trois mouvements de la suite furent reconstitués et orchestrés par Gerard McBurney. La création eut lieu en 2000 lors du concert promenade de Londres. La valse a servit de musique à des publicités pour les assurances CNP. Elle est utilisée au début du film Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick Cette seconde suite pour orchestre de jazz par Chostakovitch est une commande de l'Orchestre d'État. La première fut donnée à Leningrad en 1938. La part ... |
 | Claude DEBUSSY - clair de lune Clair de lune. Recorded in Paris, 1962, with Frida Bauer in piano. Peut-être la pièce la plus connue de la Suite bergamasque pour piano seul, composée en 1890. Il est probable que son nom s'inspire du poème Clair de lune de Paul Verlaine. La plus grande partie du mouvement est jouée pianissimo, et les allers et retours entre une grande intensité émotionnelle et une grande distance en font un chef d'œuvre de l'époque impressionniste. Elle est jouée en ré bémol majeur, à l'exception de son point de plus grande intensité, en do dièse mineur. En posant dès 1894 avec Prélude à l'après-midi d'un faune, le premier jalon de la musique moderne, Debussy place d'emblée son œuvre sous le sceau de l'avant garde musicale. Il fut brièvement Wagnérien en 1889, puis anticonformiste le reste de sa vie, en rejetant tous les académismes esthétiques. Avec La Mer, il renouvelle la forme symphonique, avec Jeux, il inscrit la musique pour ballet dans un modernisme prophétique, avec Pelléas et Mélisande l'opéra français sort des ornières de la tradition du drame lyrique, tandis qu'il confère à la musique de chambre avec son quatuor à cordes et son trio des accents impressionnistes inspirés. Avec une œuvre modeste en nombre mais si décisive dans l'histoire de la musique, Claude Debussy laisse à jamais l'image du créateur original et profond d'une musique où souffle le vent de la liberté. Plus encore que les romantiques, Debussy marque une rupture avec la forme classique, bien que la perfection formelle et le sens de l'unité qui structurent ses compositions en fassent, d'une certaine manière, un "classique". Sa musique se distingue en effet par une architecture secrète mais souveraine: inspirée parfois des musiques orientales, elle anticipe tantôt le jazz, tantôt la musique contemporaine, mais n'exprime souvent que son propre mystère. Achille-Claude Debussy, compositeur français, né le 22 août 1862 à Saint-Germain-en-Laye et mort le 25 mars 1918 à Paris. Clair de lune. Recorded in Paris, 1962, with Frida Bauer in piano. Peut-être la pièce la plus connue de la Suite bergamasque pour piano seul, composée en ... |
.jpg) | Claude DEBUSSY - Syrinx pour flute (Jean-Pierre Rampal).jpg) Syrinx est une pièce pour solo de flûte en un mouvement composée par Claude Debussy en 1913. Référence à la nymphe Syrinx de la mythologie grecque, cette courte pièce fut composée pour accompagner la mort de Pan dans la pièce Psyché de Gabriel Mourey. Elle illustre la dernière mélodie que le dieu Pan joue avant de mourir. D'une durée d'environ trois minutes, elle fut créée le 1er décembre 1913 par Louis Fleury. Syrinx est une nymphe de la mythologie grecque. Fuyant les attentions du dieu Pan, elle se transforma en roseaux. Pour se consoler, Pan coupa quelques roseaux et les colla ensemble avec de la cire d'abeille, fabriquant ainsi la première flûte de Pan, appelée aussi « syrinx ». Syrinx est une pièce pour solo de flûte en un mouvement composée par Claude Debussy en 1913. Référence à la nymphe Syrinx de la mythol ... |
 | Henry DUMONT - O quam tu pulchra es (motet) O quam tu pulchra es, amica mea, columba mea, formosa mea. Occuli tui columbarum, capilli tui sicut greges caprarum et dentes tui sicut greges tonsarum. Veni de Libano, veni, amica mea, columba mea, formosa mea. Veni, veni coronaberis. Surge, propera, surge, sponsa mea, surge, dilecta mea, surge, immaculate mea, veni, quia amore langueo, amore langueo. Que tu es belle, mon amie, que tu es belle! Tes yeux sont des colombes, Tes cheveux sont comme un troupeau de chèvres, Tes dents sont comme un troupeau de brebis tondues, Viens avec moi du Liban, ma fiancée, Viens avec moi du Liban! Tu me ravis le coeur, ma soeur, ma fiancée, Tu me ravis le coeur. Que de charmes dans ton amour, ma soeur, ma fiancée! Tes lèvres distillent le miel, ma fiancée; Il y a sous ta langue du miel et du lait. Cantique de Salomon, Cantique des Cantiques Ses grands motets annoncent ceux de Versailles. Des effets italiens sont introduits comme les vocalises et les échos. Le genre oratorio est aussi esquissé avec des motets en dialogue. Le style récitatif aussi. Quant à l'usage de la basse continue, s'il n'en est pas l'initiateur en France, il est le premier à publier une partie séparée de basse continue dans des motets, ce qui contribuera à en répandre l'usage. Henry de Thier, dit Henry Du Mont, compositeur de musique baroque est nommé en 1663 maître de la Chapelle Royale et obtient la charge de sous-maître de la musique du Roy en compagnie de Pierre Robert. Il cumule ensuite les titres à la cour : compositeur de la musique de la chapelle en 1672, maître de la musique de la Reine en 1673. musique, france, classique religieux, O quam tu pulchra es, amica mea, columba mea, formosa mea. Occuli tui columbarum, capilli tui sicut greges caprarum et dentes tui sicut greges tonsarum. Veni de Libano, v ... |
 | Henri DUTILLEUX - Ainsi la nuit (Quatuor Rosamonde) le quatuor Ainsi laNuit, écrit en 1976 pour les Juilliard, a connu un succès immédiat et durable car depuis cette date il a été enregistré plus de 25 fois au disque. Tout en s'inscrivant dans une certaine tradition française (l'héritage debussyste étant revendiqué sans ambages par Dutilleux lui-même), c'est une oeuvre très personnelle. Mystère, poésie, profondeur, clarté: on est bien en peine d'arriver à exprimer avec de simples mots les émotions subtiles et profondes que ce quatuor suscite en nous. Henri Dutilleux: Ainsi la nuit (documentaire de Vincent Bataillon) Ce film d'une heure à peine invite a penetrer dans l'univers de Dutilleux, dont il faut écouter la musique bien plus d'une fois pour l'apprécier vraiment. C'est aussi un témoignage très émouvant de la relation du compositeur et des interprètes. le quatuor Ainsi laNuit, écrit en 1976 pour les Juilliard, a connu un succès immédiat et durable car depuis cette date il a été enregistré ... |
 | Edward ELGAR - land of hope and glory Land of Hope and Glory, Mother of the Free, How shall we extol thee, who are born of thee? Wider still and wider shall thy bounds be set; God, who made thee mighty, make thee mightier yet, God, who made thee mighty, make thee mightier yet. Land of Hope and Glory est un chant patriotique britannique sur une musique d'Edward Elgar et des paroles de Arthur Christopher Benson, écrit en 1902. Cette œuvre est originellement extraite de la marche nº 1 de la série de marches militaires Pomp and Circumstance. Ce chant a été proposé pour devenir l'hymne national britannique. Land of Hope and Glory, Mother of the Free, How shall we extol thee, who are born of thee? Wider still and wider shall thy bounds be set; ... |
 | Georges ENESCO - Rapsodie roumaine n1 op11 La Rhapsodie roumaine en la majeur opus 11 n° 1 est une œuvre symphonique de Georges Enesco. Immensément populaire à travers le monde, cette rhapsodie a été composée en 1901. Elle est construite à partir du folklore roumain, procédé qu'Enesco avait déjà employé pour son Poème Roumain, suite symphonique datée de 1897. Utilisant des mélodies habituellement au répertoire de musiciens virtuoses tels que GrigoraÅŸ Dinicu, Enesco emprunte des thèmes de chants et de danses parmi lesquels « Hora lui Dobrica », « Mugur, mugurel », et l'immortelle pièce de virtuosité « Ciocîrlia » (« l'Alouette »). illustr. Matisse chemises roumaine La Rhapsodie roumaine en la majeur opus 11 n° 1 est une œuvre symphonique de Georges Enesco. Immensément populaire à travers le monde, cette rhapsodie ... |
 | Gabriel FAURE - pavane op 50 pour choeurs La Pavane op. 50 en fa dièse mineur est une œuvre symphonique avec chœurs, écrite par Gabriel Fauré en 1887. Elle est contemporaine de son Requiem. La partition initiale est écrite pour un petit orchestre comprenant des cordes, deux hautbois, deux flûtes, deux clarinettes, deux bassons et deux cors. La pavane devait être jouée dans une série de concerts donnés par Jules Danbé. Elle est dédiée à la comtesse Elisabeth Greffuhle. Le musicien ajoute, à la demande de cette dernière, une partie chorale sur un texte de Robert de Montesquiou-Fezensac, cousin de celle-ci. La première a lieu le 25 novembre 1888 par les Concerts Lamoureux sous la direction de Charles Lamoureux. La version chorale est créée trois jours plus tard par l'orchestre de la Société Nationale de Musique. L'œuvre sert de base à un ballet dansé par les Ballets russes en 1917 et Fauré l'incorpore en 1918 pour achever la musique de scène de la pièce Masques et Bergamasques, op. 112. Elle inspira le passepied de la Suite bergamasque de Claude Debussy ainsi que la Pavane pour une infante défunte de Maurice Ravel, écrite alors que ce dernier était encore l'élève de Fauré au Conservatoire de Paris. Son exécution demande environ sept minutes. Une interprétation vocale relativement libre a été chantée et dirigée par Bobby McFerrin sur l'album Paper Music enregistré avec le Saint Paul Chamber Orchestra en 1995. C'est le leitmotiv du film Il Divo de Paolo Sorrentino, sur la vie de Giulio Andreotti. Le thème a également été adapté en version cool jazz par Bill Evans dans les années 1970, par Xzibit dans une version rap en 1996, et en style rock progressif par Jethro Tull sur l'album The Jethro Tull Christmas Album en 2003. La Pavane op. 50 en fa dièse mineur est une œuvre symphonique avec chœurs, écrite par Gabriel Fauré en 1887. Elle est contemporaine de son Req ... |
 | Gabriel FAURE - Pelleas et Melisandre - sicilienne Pelléas et Mélisande, Op.80 est une musique de scène écrite en 1898 par Gabriel Fauré pour une représentation en langue anglaise le 21 juin 1898 à Londres de la pièce Pelléas et Mélisande de Maeterlinck. L'orchestration fut confiée à Charles Koechlin. Une suite de cinq morceaux pour orchestre fut publiée en 1900, et créée en 1901 par l'Orchestre Lamoureux dirigé par Camille Chevillard. Elle a aussi été arrangée pour piano seul ou deux pianos. La suite apparaît souvent en quatre parties, la « Chanson de Mélisande » étant absente de la plupart des publications. La « Sicilienne » est devenue très populaire, avec des arrangements pour flûte et piano ou d'autres instruments. Pelléas et Mélisande, Op.80 est une musique de scène écrite en 1898 par Gabriel Fauré pour une représentation en langue anglaise le 21 jui ... |
 | Felix MENDELSSOHN - songe d'une nuit d'été - scherzo Ein Sommernachtstraum (Le Songe d’une nuit d’été en français) est une ouverture (op. 21) et une musique de scène (op. 61) de Felix Mendelssohn. Figurant parmi ses œuvres les plus célèbres, elles ont été composées pour la comédie de William Shakespeare, A Midsummer Night’s Dream. L'ouverture donne une description musicale géniale de la féerie dramatique de Shakespeare. Des harmonies d'instruments à vent pianissimo introduisent l'œuvre, mais après cinq mesures, cette atmosphère recueillie est interrompue par les tourbillons staccato des cordes aiguës. Des accords diminués des vents sont intercalés afin de conférer un peu à la danse l'obscurité menaçante de la forêt enchantée lors d'une nuit d'été. Mais le soleil intervient dans un mi mineur majeur rayonnant, pour n'être interrompu que par la danse pesante des artisans (Danses bergamasque). Après que le "hi-han" de l'âne s'est fait entendre et que des fanfares de chasse ont résonné, l'enchantement reprend encore une fois à partir du début. L’ouverture, composée durant l’été 1826, alors que le compositeur n’avait que dix-sept ans, sera complétée en 1843 de la musique de scène à la demande du roi de Prusse Frédéric-Guillaume IV. Ein Sommernachtstraum (Le Songe d’une nuit d’été en français) est une ouverture (op. 21) et une musique de scène (op. 61) de Felix Mendelsso ... |
 | Baldassare GALUPPI - Dixit dominus Surnommé Il Buranello d'après son lieu de naissance, Baldassare GALUPPI est l'un des plus célèbres compositeurs de Venise, défendu, entre autres, par Jean-Jacques Rousseau et Giacomo Casanova. De 1740 à 1751, il est maître de musique à l'Ospedale dei Mendicanti, institution vénitienne de bienfaisance réservée aux jeunes filles orphelines et souffrantes. En 1748, il occupe le poste de vice-maître de la chapelle musicale de Saint-Marc, dont il devient le maître en 1762 et dont il agrandit considérablement l'orchestre, faisant passer l'effectif à 35 instrumentistes et 24 choristes. La même année, il prend la direction du chœur de l'Ospedale degli Incurabili. Il compose vers la fin de sa vie de nombreuses oeuvres religieuses dont ce Dixit Dominus Admiré dans toute l'Europe, il fut un modèle pour nombre de ses contemporains, notamment Joseph Haydn et Carl Philipp Emanuel Bach. Surnommé Il Buranello d'après son lieu de naissance, Baldassare GALUPPI est l'un des plus célèbres compositeurs de Venise, défendu, entre autres, ... |
.jpg) | Baldassare GALUPPI - Magnificat - gloria.jpg) Baldassare Galuppi, né le 18 octobre 1706 sur l'île de Burano près de Venise et mort à Venise le 3 janvier 1785, est un compositeur vénitien. Au faîte de sa gloire, Galuppi était plus célèbre que Vivaldi. C'est ainsi qu'un prêtre vénitien, Giuseppe Baldan, envoya à la cour de Saxe quatre œuvres de Vivaldi en les faisant passer pour des compositions du Buranello6. Admiré dans toute l'Europe, il fut un modèle pour nombre de ses contemporains, notamment Joseph Haydn et Carl Philipp Emanuel Bach et fut défendu, entre autres, par Giacomo Casanova et par Jean-Jacques Rousseau. Giovanni BELLINI - Presentation au Temple (detail) peinture, italie, tempera sur bois, 80 x 105 cm, Venise, Fondazione Querini Stampalia Baldassare Galuppi, né le 18 octobre 1706 sur l'île de Burano près de Venise et mort à Venise le 3 janvier 1785, est un compositeur vénitien. ... |
.jpg) | George GERSCHWIN - Porgy and Bess.jpg) Porgy and Bess est un opéra composé par George Gershwin sur un livret de Ira Gershwin et de Edwin DuBose Heyward, basé sur le roman Porgy (1925), écrit par DuBose Heyward. De ce roman, Heyward et sa femme Dorothy ont tiré en 1927 une pièce de théâtre homonyme. Ces trois œuvres traitent de la vie des Afro-Américains dans le quartier fictif de Catfish Row à Charleston, en Caroline du Sud, au début des années 1930. La première représentation de Porgy and Bess a été donnée à Boston le 30 septembre 1935. Mais il a fallu attendre les années 1980 pour qu'il soit reconnu aux États-Unis comme un véritable opéra[réf. nécessaire] : au xxie siècle, c'est un classique du répertoire lyrique américain. Summertime est la chanson la plus connue de cet opéra : elle a été reprise par de nombreux artistes, principalement en jazz vocal et instrumental. Musicalement, Porgy and Bess réussit une synthèse innovante entre les techniques orchestrales européennes, le jazz américain et la musique populaire. L'opéra dure un peu plus de trois heures et quart. Porgy and Bess est un opéra composé par George Gershwin sur un livret de Ira Gershwin et de Edwin DuBose Heyward, basé sur le roman Porgy (1925), écrit ... |
 | George GERSCHWIN - Rapsody in blue Rhapsody in Blue combine des éléments de musique classique et de jazz. L'œuvre a été orchestrée par Ferde Grofé à trois reprises, en 1924, 1926 et finalement en 1942. La première eut lieu lors d'un concert intitulé An Experiment in Modern Music le 12 février 1924 à l'Aeolian Hall de New York, interprétée par l'orchestre de Paul Whiteman, commanditaire de l'œuvre, avec George Gershwin au piano. Le Cambridge Music Handbook estime que « Rhapsody in Blue a établi la réputation de Gershwin comme compositeur de renom et est depuis devenue une des plus populaires oeuvres orchestrales américaines ». Elle a également donné son nom à une rose. C'est une œuvre pour piano et orchestre ou harmonie composée par George Gershwin en 1924 Rhapsody in Blue combine des éléments de musique classique et de jazz. L'œuvre a été orchestrée par Ferde Grofé à trois repri ... |
.jpg) | George GERSCHWIN - Un americain a Paris.jpg) À Paris, une riche héritière s'éprend de Jerry Mulligan, un jeune peintre américain. Mais celui-ci tombe amoureux de Lise qui est elle-même promise à un autre homme. Ce film est universellement célèbre pour sa scène finale : Jerry pense qu'il ne pourra jamais être avec Lise et fait un rêve fantastique : apothéose du film. Il rêve qu'il danse avec Lise partout dans les rues de Paris. Le fiancé de la jeune fille et tout un chœur se joignent à eux tout au long d'un ballet magistral qui dure près de dix-huit minutes. La musique du ballet (qui porte le nom du film) est de George Gershwin. Dans les dernières mesures, Henri accepte de renoncer à Lise qui se précipite dans les bras de Jerry sous la bénédiction d'Henri. Le film s'achève. À Paris, une riche héritière s'éprend de Jerry Mulligan, un jeune peintre américain. Mais celui-ci tombe amoureux de Lise qui est elle-même ... |
 | Charles GOUNOD - marche funebre pour une marionette La Marche funèbre d'une marionnette est une œuvre pour piano de Charles Gounod composée en 1872 et arrangée pour orchestre symphonique par l'auteur en 1879. Elle est dédicacée à Madame Viguier, pianiste et femme d'Alfred Viguier, premier alto dans l'orchestre de la Société des concerts du Conservatoire. Écrite à la manière d'une marche funèbre pleine d'humour contenu, l'œuvre est une parodie légère reposant sur un jeu de décalage entre le sérieux des funérailles d'un être cher et le burlesque des personnages d'une troupe de marionnettes. La partition pour piano comporte des indications de programme : « La marionnette est cassée ! - Murmure de regrets de la troupe - Le cortège - Ici plusieurs des principaux personnages de la troupe s'arrêtent pour se rafraîchir - Retour à la maison. » En 1882, sur un texte de Georges Price et Jean Ker Mary et des gravures en taille-douce de Paul Destez et Japhet, les Éditions Henry Lemoine publient une édition de luxe éponyme avec partition, sous forme de mélodrame reprenant les personnages de la Commedia dell'arte, mais l'histoire, très développée, ne peut être dite avec la musique trop courte (moins de quatre minutes). La Marche funèbre d'une marionnette est célèbre par son utilisation dans le générique des 268 épisodes d'Alfred Hitchcock présente, l'anthologie en sept saisons (de 1955 à 1962) du réalisateur/présentateur qui créa cette série télévisée américaine. La Marche funèbre d'une marionnette est une œuvre pour piano de Charles Gounod composée en 1872 et arrangée pour orchestre symphonique par l'auteur en 18 ... |
 | Edward GRIEG - concerto pour piano - final (piano: Valentina Lisitsa) Le concerto a pour thème l'amour fougueux. Le concerto de Grieg est souvent comparé à celui de Robert Schumann : c'est la même tonalité (la mineur) et les deux introductions commencent par le brio d'une descente en accords du piano. De manière plus générale, le style de Grieg est considéré comme étant proche de celui de Schumann plutôt que de n'importe quel autre compositeur. On sait qu'il a notamment entendu le Concerto pour piano de Schumann interprété par la veuve du compositeur, Clara, à Leipzig en 1858. En outre, c'est avec un ami du compositeur allemand, du nom d'Ernst Ferdinand Wenzel, que Grieg a appris le piano. Valentina Lisitsa, pianiste ukrainienne née à Kiev le 11 décembre 1973 est réputée notamment pour sa grande virtuosité, a donné son premier récital à l'âge de 4 ans. Mais c'est sans doute le fait d'avoir remporté en 1991 avec Alexei Kuznetsoff le prestigieux concours pour deux pianos de la Fondation Murray Dranoff (Miami, États-Unis), qui a marqué le véritable début de sa renommée et de sa carrière de concertiste. Seoul Philharmonic piano: Valentina Lisitsa dir: James Judd 7 dec 2008 Le concerto a pour thème l'amour fougueux. Le concerto de Grieg est souvent comparé à celui de Robert Schumann : c'est la même tonalité (la mineur ... |
 | Edward GRIEG - concerto pour piano - 1er mt Le concerto a pour thème l'amour fougueux. Le concerto de Grieg est souvent comparé à celui de Robert Schumann : c'est la même tonalité (la mineur) et les deux introductions commencent par le brio d'une descente en accords du piano. De manière plus générale, le style de Grieg est considéré comme étant proche de celui de Schumann plutôt que de n'importe quel autre compositeur. On sait qu'il a notamment entendu le Concerto pour piano de Schumann interprété par la veuve du compositeur, Clara, à Leipzig en 1858. En outre, c'est avec un ami du compositeur allemand, du nom d'Ernst Ferdinand Wenzel, que Grieg a appris le piano. Le concerto a pour thème l'amour fougueux. Le concerto de Grieg est souvent comparé à celui de Robert Schumann : c'est la même tonalité (la mineur ... |
@@@.jpg) | G.F. HAENDEL - l'Allegro - Join with thee (opera choeur)@@@.jpg) L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato est une ode pastorale composée durant l'hiver 1740 par Georg Friedrich Haendel. Sa première production eut lieu le 27 février 1740 au Theater in Lincoln's Inn Fields à Londres. Pendant l'hiver 1740, Londres connut le froid le plus terrible de son histoire ; la Tamise fut complètement gelée pendant plusieurs semaines, et les théâtres durent fermer leurs portes quelque temps. Pour Haendel ce fut une période de crise : c'en était fini de ses grandes années de compositeur d'opéras, – rôle qu'il exerça dès son arrivée à Londres en 1710 – alors que ses plus beaux oratorios feraient leur apparition bien plus tard. Malgré tout, en l'espace de 17 jours, il créa son œuvre la plus prodigieusement inventive, la plus diversifiée et la plus typiquement anglaise malgré son titre italien, L'Allegro, il Penseroso* ed il Moderato. On en donna cinq représentations au Theater in Lincoln's Inn Fields, et le public y fut attiré avec la promesse d'y trouver un peu de chaleur … Cette œuvre - unique dans les productions de Haendel - n'est ni un oratorio, ni un opéra, mais plutôt une grande ode pastorale très proche dans sa forme d'Alexander's Feast, de Dryden, ou encore de l'Ode pour la Sainte-Cécile, plus courte. L'œuvre s'appuie sur deux poèmes allégoriques et complémentaires de John Milton, L'Allegro, et Il Penseroso, réarrangés avec finesse par le librettiste de confiance de Haendel, Charles Jennens, avec l'aide du philosophe et ami de Haendel, James Harris, qui suggéra d'entrelacer les poèmes afin de créer un débat imaginaire entre les deux personnages allégoriques. L'Allegro ed il Penseroso, littéralement l'Homme Gai et l'Homme Méditatif, sont les deux pôles de l'esprit humain : l'homme, tel un pendule, oscille d'un côté à l'autre. Bien que les deux caractères soient personnifiés et chantent en aria et en récitatif, ils ne sont pas définis, car ils oscillent entre le soprano, le ténor, et la basse, et ceci afin de clairement marquer les différentes personnifications de l'esprit. Le point essentiel de la troisième partie est de proposer une certaine réconciliation, rationnelle et caractéristique du xviiie siècle anglais, en joignant modérément (Il Moderato) ces deux extrêmes … N. B. Le terme italien correct serait «Pensieroso», comme l'écrivit d'ailleurs Friedrich Chrysander pour son édition de référence «Georg Friedrich Händels Werke», volume 6, Leipzig: Deutsche Händelgesellschaft, 1859. L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato est une ode pastorale composée durant l'hiver 1740 par Georg Friedrich Haendel. Sa première production eut lieu le 27 f&eac ... |
 | G.F. HAENDEL - Concerto pour orgue opus 7 n1 - largo Le concerto pour orgue est un genre musical consistant à associer un orgue en tant qu'instrument soliste avec un orchestre jouant le rôle d'accompagnateur. L'orgue en concerto est traité à la manière d'un clavecin et la partie d'orgue n'est accompagnée que par un orchestre modeste pouvant se réduire au quatuor (orchestre de chambre). Pratiquement oublié durant la période classique, il revient au xixe siècle par la grande porte, pour rivaliser avec le grand orchestre symphonique grâce à Saint-Saëns ou Guilmant. Le Concerto pour orgue, cordes et timbales de Poulenc est l'un des plus célèbres et des plus joués. Le concerto pour orgue est un genre musical consistant à associer un orgue en tant qu'instrument soliste avec un orchestre jouant le rôle d'accompagnateur. L'orgu ... |
.jpg) | G.F. HAENDEL - Allelluia (Le Messie).jpg) Alléluia (« gloire à Dieu ») est, dans la liturgie juive, reprise par les chrétiens, un mot exprimant l'allégresse des fidèles, utilisé lors de prières ou à la fin de psaumes, spécialement pendant les fêtes pascales. Le mot « Alléluia » ou « Hallelujah », signifie littéralement « louer Yah » (du tétragramme: YHWH). Le Messie (Messiah, HWV 56) est un oratorio composé en 1741 par Georg Friedrich Haendel, désormais considéré comme le chef-d'œuvre du genre oratorio. Le texte réfère principalement à la résurrection du Messie et à la rédemption qu'elle opère : l'œuvre fut écrite pour le temps de Pâques et jouée pour la première fois lors de cette fête. Choeurs de Cambridge C3TUWU_yg4s hr-Sinfonieorchester ∙ Chœur du Concert D’Astrée ∙ Emmanuelle Haïm 22fsUQnOWDE Alléluia (« gloire à Dieu ») est, dans la liturgie juive, reprise par les chrétiens, un mot exprimant l'allégresse des fidèles, utili ... |
.jpg) | G.F. HAENDEL - Rinaldo - lascia chio pianga (sop: hayley westenra).jpg) Lascia ch'io pianga mia cruda sorte, E che sospiri la liberta E che sospiri, e che sospiri la liberta Lascia ch'io pianga mia cruda sorte, E che sospiri la liberta Lascia ch'io pianga : l'air d'Almirena à l'acte II est l'un des plus beaux écrits par Haendel. La déploration évite tout sentimentalisme et confère à l'attitude d'Almirena une admirable dignité. Le sujet, qui a pour source la Jérusalem délivrée du Tasse et évoque les amours d'Armide, a été choisi par Aaron Hill, directeur du Queen's Theatre. Haendel compose la musique en deux semaines en utilisant de nombreuses reprises, le compositeur recyclant des airs de ses propres cantates, voire empruntés à ses collègues italiens. l'aria Lascia ch'io pianga est une reprise d'une œuvre antérieure, Lascia la spina tirée de l'oratorio Il Trionfo del Tiempo écrit en 1707. Lascia ch'io pianga mia cruda sorte, E che sospiri la liberta E che sospiri, e che sospiri la liberta Lascia ch'io pianga mia cruda sorte, E che ... |
.jpg) | G.F. HAENDEL - Rinaldo - lascia chio pianga (philippe jaroussky).jpg) l'air d'Almirena à l'acte II est l'un des plus beaux écrits par Haendel. La déploration évite tout sentimentalisme et confère à l'attitude d'Almirena une admirable dignité. Le sujet a pour source la Jérusalem délivrée du Tasse et évoque les amours d'Armide, l'aria Lascia ch'io pianga est une reprise d'une œuvre antérieure, Lascia la spina tirée de l'oratorio Il Trionfo del Tiempo écrit en 1707. L'opéra est conforme au style d'opera seria à grand renfort de machinerie et d'effets visuels spectaculaires associant guerre et magie. l'air d'Almirena à l'acte II est l'un des plus beaux écrits par Haendel. La déploration évite tout sentimentalisme et confère à l'attitude ... |
 - Quatuor Op.76 n3 Empereur - 2mt (hymne allemand) 1797.jpg) | Joseph HAYDN - Quatuor op77 n3 "l'Empereur" - 2e mt (hymne allemand) - Quatuor Op.76 n3 Empereur - 2mt (hymne allemand) 1797.jpg) Inscrit au catalogue Hob.III.77, il est surnommé L'Empereur en raison de l'utilisation du Gott erhelte Franz den Kaiser, hymne allemand composé la même année par Haydn, comme thème du second mouvement. Inscrit au catalogue Hob.III.77, il est surnommé L'Empereur en raison de l'utilisation du Gott erhelte Franz den Kaiser, hymne allemand composé la même ann&eacu ... |
.jpg) | Joseph HAYDN - les 7 dernieres paroles du christ.jpg) Introduction. Maestoso ed adagio en ré mineur à 4/4 Vater, vergib ihnen (Père, pardonne-leur). Largo en si bémol majeur à 3/4 Fürwahr, ich sag' es dir (En vérité, je te le dis). Grave e cantabile en ut mineur à 2/2 Frau, hier siehe deinen Sohn (Femme, voici ton fils). Grave en mi majeur à 2/2 Mein Gott, mein Gott, warum hast du mich verlassen ? (Mon Dieu, mon Dieu, pourquoi m'as-tu abandonné ?). Largo en fa mineur à 3/4 Jesus rufet : Ach, mich dürstet ! (Jésus dit : j'ai soif !). Adagio en la majeur à 2/2 Es ist vollbracht (Tout est accompli). Lento en sol mineur à 2/2 Vater, in deine Hände empfehle ich meinen Geist (Père, entre tes mains je remets mon esprit). Largo en mi bémol majeur à 3/4 Terremoto (Tremblement de terre). Presto e contutta la forza en ut mineur à 3/4 illustr: bellini - Dead Christ Supported by Two Angels. 1480-1485. Tempera on poplar panel. 83 x 68 cm. Staatliche Museen, Berlin, Germany. Introduction. Maestoso ed adagio en ré mineur à 4/4 Vater, vergib ihnen (Père, pardonne-leur). Largo en si bémol majeur à 3/4 Fürwah ... |
 | Johann Nepomuk HUMMEL - concerto pour piano n4 Op 110 ... |
 | Johann Nepomuk HUMMEL - concerto pour piano n5 Op 113 ... |
 | Clement JANEQUIN - le chant des oiseaux Par sa musique, Janequin magnifie le texte. Compositeur de l'amour, des plaisirs et de la joie, et profitant de la liberté formelle de la chanson, il fait de ce genre un véritable théâtre des émotions, de la nature et de l'humain. Parodique, humoristique, érotique, émouvante, enjouée ou grave, sa musique allie la puissance et la justesse du trait à une imagination poétique et réaliste, haute en couleur. Dans ses chansons descriptives, Janequin exalte le rythme avant tout. La mélodie y est conçue en cellules brèves usant de l'imitation, passant de voix en voix. La déclamation y est surtout syllabique, et l'emploi d'onomatopées porté à un point de complexité rythmique et de réalisme rarement atteint après lui. Protégé de Jean de Foix, Janequin fréquente les cercles humanistes, est chanoine et curé dans le Bordelais et gagne l'Anjou en 1533. Son catalogue comporte bien plus de chansons profanes (250 environ) que de musique religieuse (dont beaucoup de pièces se sont perdues). Sa célébrité est due en partie à ses chansons descriptives comme Le Chant des oiseaux. Influencée par la musique franco-flamande, la chanson polyphonique puise également aux sources de la musique populaire. Elle marque en cela une rupture avec l'inspiration de la «lyrique courtoise» du XVe siècle et se constitue en une forme musicale plus libre que la ballade, le virelai ou le rondeau (les trois formes courantes des chansons des XIVe et XVe siècles), qui vont bientôt tomber en désuétude. Ses thèmes sont plus diversifiés ; l'amour s'y fait plus sensuel, plus «gaulois» ; la farce, ses personnages pittoresques et son univers pénètrent alors la chanson. Le quatuor vocal en est le modèle général. Par sa musique, Janequin magnifie le texte. Compositeur de l'amour, des plaisirs et de la joie, et profitant de la liberté formelle de la chanson, il fait de ce genre un v&e ... |
 | Dmitri CHOSTAKOVITCH - Suite pour orchestre de jazz n° 2 - valse 2 Cette seconde suite pour orchestre de jazz par Chostakovitch est une commande de l'Orchestre d'État. La première fut donnée à Leningrad en 1938. La partition fut perdue durant la seconde guerre mondiale mais une réduction pour piano fut redécouverte par Manashir Yakubov en 1999. Trois mouvements de la suite furent reconstitués et orchestrés par Gerard McBurney. La création eut lieu en 2000 lors du concert promenade de Londres. La valse a servit de musique à des publicités pour les assurances CNP. Elle est utilisée au début du film Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick Cette seconde suite pour orchestre de jazz par Chostakovitch est une commande de l'Orchestre d'État. La première fut donnée à Leningrad en 1938. La part ... |
 | Friedrich KALKBRENNER - concerto pour piano n1 in d minor op61 ... |
 | Leo DELIBES - Lakmé - duo des fleurs « Viens Mallika... Sous le dome épais » (Lakmé et Mallika). Dans ce duo Lakmé et sa compagne s'apprêtent à aller cueillir des fleurs dans la forêt pour en orner le temple. Lakmé est un opéra en trois actes de Léo Delibes sur un livret en français d'Edmond Gondinet et Philippe Gille1 d'après la nouvelle de Pierre Loti, Rarahu ou le Mariage de Loti (1880), créé le 14 avril 1883 à l'Opéra-Comique de Paris. L'air le plus connu est le Duo des fleurs. « Viens Mallika... Sous le dome épais » (Lakmé et Mallika). Dans ce duo Lakmé et sa compagne s'apprêtent à aller cueillir des fleurs d ... |
.jpg) | Leroy ANDERSON - the typewriter.jpg) Leroy Anderson (29 juin 1908 - 18 mai 1975) était un compositeur américain de courts et légers morceaux de concert, dont de nombreux ont été créés pour le Boston Pops Orchestra sous la direction d' Arthur Fiedler. John Williams l'a décrit « comme un des plus grands maîtres américains de musique orchestrale légère ». Leroy Anderson n'hésite pas à intégrer dans l'orchestre des instruments incongrus comme du papier de verre (Sandpaper Ballet) ou une machine à écrire (The Typewriter), morceau que Jerry Lewis utilisera dans l'un de ses sketchs repris plus tard par Michel Leeb. Leroy Anderson (29 juin 1908 - 18 mai 1975) était un compositeur américain de courts et légers morceaux de concert, dont de nombreux ont été cr&e ... |
 | Franz LISZT - la campanella La Campanella (La Clochette en italien) est une célèbre pièce pour piano en Sol dièse mineur, la troisième étude de la série des Grandes études de Paganini composée par Liszt. Elle est basée sur le dernier mouvement du Concerto pour violon nº 2 de Paganini en si mineur. Liszt avait déjà repris ce même thème dans son œuvre Grande Fantaisie de bravoure sur La Clochette. Représentative de la technique pianistique de Liszt, son exécution est extrêmement difficile et requiert énormément de rapidité, de dextérité et de souplesse illustr: Boldini - la pianiste La Campanella (La Clochette en italien) est une célèbre pièce pour piano en Sol dièse mineur, la troisième étude de la série des Gr ... |
 | Franz LISZT - Liebestraume nocturne n3 pour piano 'reve d'amour' Liebesträume (français : Rêves d'amour), est un recueil de trois œuvres pour piano (S/G541) composé par Franz Liszt, et publié en 1850. Liebesträume fait souvent référence au No. 3, la plus connue des trois pièces. Elles sont composées pour accompagner des poèmes de Ludwig Uhland et de Ferdinand Freiligrath. Dès leur publication, deux versions apparaissent, une pour voix et piano et une transcription pour piano solo. Les deux poèmes d'Uhland et celui de Freiligrath décrivent trois différentes formes d'amour. L' Hohe Liebe (Amour exalté) de Uhland est un amour saint ou religieux : le martyre renonce à l'amour terrestre et les portes du paradis s'ouvrent pour lui. Le second évoque l' amour érotique, "Gestorben war ich" (littéralement j'étais mort) - Mort est ici une métaphore faisant référence à la petite mort ("J'étais mort de la volupté d'aimer; je gisais enterré dans ses bras; je fus réveillé par ses baisers; je vis le ciel dans ses yeux."). Le poème de Freiligrath, celui du fameux nocturne, parle de l'amour mature ("O lieb, so lang du lieben kannst", "Aime aussi longtemps que tu peux aimer"). , Liebesträume (français : Rêves d'amour), est un recueil de trois œuvres pour piano (S/G541) composé par Franz Liszt, et publié en 1850. L ... |
 | Jean-Baptiste LULLY - marche pour la ceremonie des turcs Le Bourgeois gentilhomme est la dernière comédie-ballet à laquelle Lully ait collaboré avec Molière. Les raisons de sa composition méritent d’être relatées : La cour de Versailles a sorti ses plus grandes richesses en cette année 1669 afin de recevoir pour la première fois l’ambassadeur du Grand Turc. Celui-ci prête peu d’attention à toutes ces dorures ; on découvre de surcroît qu’il n’est pas le moins du monde le haut personnage auquel on s’attendait, mais un émissaire de rang bien plus modeste. Tous ces ors sont par conséquent complètement déplacés. Afin que la cour ne perde pas la face, il est décidé que serait composée une pièce de théâtre « où l’on put faire entrer quelque chose des habillements et des manières des Turcs ». En naît Le Bourgeois gentilhomme, comportant « un ballet turc ridicule », selon le vœu de Louis XIV, qui permet au pouvoir royal de trouver une réplique élégante au manque de savoir-vivre de son invité. La pièce est créée à Chambord en 1670, avec Molière (M. Jourdain) et Lully (le Grand Muphti) dans les rôles principaux. Le Bourgeois gentilhomme est la dernière comédie-ballet à laquelle Lully ait collaboré avec Molière. Les raisons de sa composition mériten ... |
 | Gustav MAHLER - symphonie n1 Titan - 2e mt (Lorin Maazel) C'est le mouvement le plus mystérieux de cette symphonie, une lente marche funèbre en ré mineur, bâti sur la version allemande de la chanson Frère Jacques. Sur un mouvement de balancier lourd et sombre des basses, la chanson, altérée par le mode mineur, se déploie lentement en une sorte de cortège funèbre. La mélodie s’amplifie, se répandant à tout l’orchestre. Soudain, un thème presque vulgaire, issu des danses de bistro, est joué « avec parodie » par un petit orchestre, aux sonorités étranges : c'est la musique d'un mariage juif. Cette alternance d’éléments graves et futiles scandalisa les premiers auditeurs peu habitués à cet amalgame de genres. Mahler aimait qualifier le mouvement de « marche funèbre à la manière de Callot », hommage au célèbre graveur populaire du xviie siècle, Jacques Callot, qui exploitait un style particulièrement ironique. C'est le mouvement le plus mystérieux de cette symphonie, une lente marche funèbre en ré mineur, bâti sur la version allemande de la chanson Frère ... |
 | Jules MASSENET - meditation de Thais L'action se déroule à Alexandrie au ive siècle. Un moine cénobite, Athanaël, cherche à convertir au christianisme Thaïs, courtisane célèbre dévouée à la déesse Vénus. Il y réussit, et Thaïs s'enferme dans un couvent jusqu'à sa mort prochaine. Athanaël découvre trop tard que son obsession pour Thaïs était teintée d'amour charnel, et alors que Thaïs meurt dans la joie de la rédemption, il renie sa foi et désespère. Athanaël, l'ascète rigoriste révèle peu à peu le fond de sa personnalité : c'est un séducteur perdu de sensualité, tandis que Thaïs la courtisane qui "connaît toutes les ivresses" réalise ses aspirations les plus profondes en renonçant au monde. Le croisement entre ces deux parcours personnels est marqué, au milieu de l'opéra, par la très célèbre "Méditation religieuse" de l'acte II, confiée au violon solo, aujourd'hui connue sous le nom de « Méditation de Thaïs », et souvent jouée en concert. Inspiré par ces deux puissants caractères, Massenet a su en faire des êtres de musique et de chair, et chacune de leurs confrontations marque un temps fort de l'ouvrage. illustr Herbert James Draper L'action se déroule à Alexandrie au ive siècle. Un moine cénobite, Athanaël, cherche à convertir au christianisme Thaïs, courtisan ... |
.jpg) | Felix MENDELSSOHN - concerto pour piano in A Minor.jpg) ... |
.jpg) | Olovier MESSIAEN - Quatuor pour la fin du temps (extrai).jpg) Le Quatuor pour la fin du Temps a été inspiré par une citation de l'Apocalypse de St Jean. Il a été écrit en détention au Stalag VIII-A, à Görlitz en 1940, endroit où étaient détenus Messiaen et Étienne Pasquier depuis le 20 juin 1940. Il y fut présenté pour la première fois le 15 janvier 1941 par Étienne Pasquier (co-fondateur par la suite, avec ses deux frères, du célèbre Trio Pasquier) au violoncelle, Jean le Boulaire au violon, Henri Akoka à la clarinette et Olivier Messiaen lui-même au piano. Le Quatuor pour la fin du Temps est une œuvre musicale en huit mouvements d'Olivier Messiaen écrite pour violon, violoncelle, clarinette et piano. Cependant, les quatre instruments ne jouent ensemble tout un mouvement que dans deux mouvements. Le Quatuor pour la fin du Temps a été inspiré par une citation de l'Apocalypse de St Jean. Il a été écrit en détention au Stala ... |
 | Darius MILHAUD - le boeuf sur le toit Le Bœuf sur le toit, op. 58 est une œuvre musicale de Darius Milhaud créée le 21 février 1920 à la Comédie des Champs-Élysées. Le programme du concert, dirigé par Wladimir Golschmann comprenait également les créations de Adieu New York de Georges Auric, de Cocardes de Francis Poulenc (sur des poèmes de Jean Cocteau) et des Trois petites pièces montées d'Erik Satie. Achevée le 21 décembre 1919, il s'agit à l'origine d'une pièce pour violon et piano intitulée Cinéma-fantaisie et destinée à accompagner un film muet de Charlie Chaplin. Membre du tout nouveau groupe des Six (avec notamment Auric et Poulenc) Milhaud la transforme en ballet sur la suggestion de Jean Cocteau qui en écrit l'argument. Les costumes sont conçus par Guy-Pierre Fauconnet et les décors et cartonnages par Raoul Dufy. Le titre comme la musique sont inspirés d'une ancienne chanson brésilienne, pays que fréquenta le compositeur. Le refrain revient près de quatorze fois sur douze tonalités différentes. Son exécution dure environ un quart d'heure (18 minutes d'après la partition). « Farce » surréaliste, dans l'esprit des Mamelles de Tirésias de Guillaume Apollinaire ou du ballet Parade de Satie, il n'y a pas à proprement parler d'histoire. Le décor représente un bar qui voit défiler plusieurs personnages : un bookmaker, un nain, un boxeur, une femme habillée en homme, des hommes habillés en femmes, un policier qui se fait décapiter par les pales d'un ventilateur avant de ressusciter... La chorégraphie était volontairement très lente, en décalage avec le côté vif et joyeux de l'accompagnement musical. Contrairement à un ballet traditionnel, les interprètes ne venaient pas de la danse mais du cirque dont les frères Fratellini, vedettes à Medrano. moderne orch,musique/ Le Bœuf sur le toit, op. 58 est une œuvre musicale de Darius Milhaud créée le 21 février 1920 à la Comédie des Champs-Élys&eac ... |
.jpg) | Claudio MONTEVERDI - Pur ti miro (le couronnement de Poppee) duo Philippe Jaroussky Nuria Rial).jpg) Acte III Scène 8 : Devant les consuls et les tribuns, Néron proclame Poppée son épouse et la couronne impératrice. Dans un extraordinaire duo final, les deux impériaux tourtereaux roucoulent leur tendresse. L'amour, magnifié par une musique sublime (bien que ce final ne serait pas de Monteverdi !), triomphe. Ainsi s'achève l'opéra sur une conclusion passablement immorale. L'auditeur troublé est tenté de se dire que, pour peu qu'on s'abandonne à la double action rédemptrice de l'amour et de la musique, même si l'on est tyran sans scrupule, cynique et criminel, on ne peut pas être absolument méchant ! Nuria Rial (soprano) Philippe Jaroussky (contre-ténor) Ensemble l'Arpegiatta (Arsenal de Metz, 7-10-2009) Acte III Scène 8 : Devant les consuls et les tribuns, Néron proclame Poppée son épouse et la couronne impératrice. Dans un extraordinaire du ... |
 | Ignaz MOSCHELES - concerto pour piano en sol m op58 Ignaz Moscheles est un pianiste et compositeur tchèque, né le 23 mai 1794 à Prague et décédé le 10 mars 1870 à Leipzig. Fils d'un drapier de Bohême, Moscheles étudie la musique auprès de Friedrich Dionys Weber au Conservatoire de Prague jusqu'en 1808. De 1808 à 1816, il poursuit des cours de composition à Vienne avec Johann Georg Albrechtsberger (1736-1809) et Antonio Salieri (1750-1825). En 1814, Ludwig van Beethoven lui confie la transcription pour chant et piano de son opéra Fidelio, parue le 20 août de la même année. De 1816 à 1821, Moscheles se produit à travers toute l'Europe en tant que pianiste virtuose. De 1821 à 1843, il se fixe à Londres où il devient organisateur de concerts. Il donne alors des concerts avec Felix Mendelssohn (qui restera un ami tout au long de sa vie), Hummel, Liszt ou Chopin. En 1840, il publie une Méthode des Méthodes pour le pianoforte, un manuel pour clavier coécrit avec François-Joseph Fétis. La rédaction de cet ouvrage est surtout réalisée par Fétis. Moscheles y suggère les exercices à pratiquer. Un cahier annexe d'études a été publié. Franz Liszt, Frédéric Chopin, Sigismund Thalberg, Félix Mendelssohn, Alexander Dreyschock, Stephen Heller et d'autres pianistes ont écrit des études à la demande de Fétis et Moscheles. En 1843, il se consacre à la direction du conservatoire de Leipzig avec Mendelssohn. Ignaz Moscheles est le père du peintre Felix Moscheles et le beau-père du peintre Margaret Moscheles. Ignaz Moscheles est un pianiste et compositeur tchèque, né le 23 mai 1794 à Prague et décédé le 10 mars 1870 à Leipzig. Fils d ... |
 | W.A. MOZART - concerto pour piano n17 (piano: Leonard Bernstein) Le Concerto pour piano no 17 en sol majeur, K. 453 est devenu par son expressivité musicale un des plus populaires concertos de son auteur. Il est composé au début de 1784 il fut créé le 10 juin par sa dédicataire, Barbara Ployer illustr: Fragonard - la lecon de piano Le Concerto pour piano no 17 en sol majeur, K. 453 est devenu par son expressivité musicale un des plus populaires concertos de son auteur. Il est composé au d&e ... |
 | W.A. MOZART - concerto pour piano n25 - 3e mt (Mitsuko Uchida Riccardo Muti) "Un thème agressif en La mineur a surgi, suivi d'une coda énergique. Trois accords secs virent brusquement au Fa majeur. Alors s'élève une phrase qui est, à notre avis, la plus belle de tout Mozart. Chant d'une pureté et d'une simplicité merveilleuse, animé d'un rythme extrêmement subtil..." Hocquard, Jean-Victor, 'Mozart' Collection Solfèges, Editions du Seuil 1970 p. 112 Le Concerto pour piano no 25 en ut majeur (K. 503), achevé à Vienne en décembre 1786 pour le public praguois de même que la Symphonie no 38, « Prague », il reçut un accueil triomphal des habitants de la Bohême. "Un thème agressif en La mineur a surgi, suivi d'une coda énergique. Trois accords secs virent brusquement au Fa majeur. Alors s'élève une phrase ... |
 | MOZART - k491 cto piano n24 - 02 Larghetto (A.Brendel) Achevé le 24 mars 1786 à Vienne trois semaines après le 23e concerto pour piano K.4881auquel il est associé dans l'esprit de son auteur, sa couleur générale dramatique « exprime les épreuves et les combats que doit affronter l'homme pour maitriser cette vie et lui donner un sens ». Le Concerto pour piano n° 24 en do mineur (K. 491) est un concerto pour piano du compositeur classique Wolfgang Amadeus Mozart. La première représentation fut jouée le 7 avril 1786 au Burgtheater de Vienne. Le manuscrit du concerto est conservé au Royal College of Music. Achevé le 24 mars 1786 à Vienne trois semaines après le 23e concerto pour piano K.4881auquel il est associé dans l'esprit de son auteur, sa couleur g&ea ... |
 | W.A. MOZART - requiem - ouverture (dir: Karajan) Malgré l'histoire complexe entourant son origine et sa publication, le Requiem est la première grande œuvre de musique sacrée de Mozart à être imprimée. Elle jouit d'une popularité constante à peine affectée par la conjoncture de sa réception. Les causes n'en sont pas purement musicales : les mythes et mystères autour de la mort de Mozart ont joué un bien grand rôle. La messe de Requiem en ré mineur (KV 626) de Wolfgang Amadeus Mozart, composée en 1791, est la dernière œuvre du compositeur. Elle n'est de la main de Mozart que pour les deux tiers environ, la mort en ayant interrompu la composition. Elle reste néanmoins une de ses œuvres emblématiques. Sa veuve, Constance, pour pouvoir honorer malgré tout la commande et ne pas avoir à rembourser l'avance octroyée lors de la commande, d'une part, et réhabiliter la mémoire de son mari1 en vue d'obtenir une pension impériale d'autre part, demanda à Joseph Eybler, puis à Franz Xaver Süßmayr de terminer la partition2. Le Requiem a suscité de nombreuses légendes, tant du fait des circonstances insolites de sa commande que de la difficulté à distinguer exactement ce qui était de la main de Mozart et ce qui ne l'était pas. Malgré l'histoire complexe entourant son origine et sa publication, le Requiem est la première grande œuvre de musique sacrée de Mozart à êt ... |
 | W.A. MOZART - lux aeterna (Requiem) La messe de Requiem en ré mineur (KV 626) de Wolfgang Amadeus Mozart, composée en 1791, est une oeuvre de la dernière année de la vie de Mozart, mais pas exactement la dernière œuvre du compositeur. Elle n'est de la main de Mozart que pour les deux tiers environ, la mort en ayant interrompu la composition. Elle reste néanmoins une de ses œuvres emblématiques. Sa veuve, Constance, pour pouvoir honorer malgré tout la commande et ne pas avoir à rembourser l'avance octroyée lors de la commande, d'une part, et réhabiliter la mémoire de son mari1 en vue d'obtenir une pension impériale d'autre part, demanda à Joseph Eybler, puis à Franz Xaver Süßmayr de terminer la partition. Le Requiem a suscité de nombreuses légendes, tant du fait des circonstances insolites de sa commande que de la difficulté à distinguer exactement ce qui était de la main de Mozart et ce qui ne l'était pas. La messe de Requiem en ré mineur (KV 626) de Wolfgang Amadeus Mozart, composée en 1791, est une oeuvre de la dernière année de la vie de Mozart, mais pa ... |
 | W.A. MOZART - requiem (final) (dir Karajan DUCCIO di Buoninsegna (1255-1318) - Deposition DUCCIO di Buoninsegna (1255-1318) - Deposition ... |
 - concerto pour piano.jpg) | Christophe NICHELMANN - Concerto pour clavier concertant:1er mvt - concerto pour piano.jpg) Concerto for Piano, Strings and Basso continuo in c-minor. Christoph Nichelmann (né le 13 août 1717 à Treuenbrietzen et mort le 20 juillet 1762 à Berlin) est un pianiste et compositeur allemand. Akademie für Alte Musik Berlin, on period instruments. Raphael Alpermann, fortepiano. Composed by C. Nichelmann (1717-62). illustr: Fragonard, la lecon de piano Concerto for Piano, Strings and Basso continuo in c-minor. Christoph Nichelmann (né le 13 août 1717 à Treuenbrietzen et mort le 20 juillet 1762 &agrav ... |
 | Johann PACHELBEL - canon (dir Laurence Equilbey) Le Canon en ré majeur sur une basse obstinée de Johann Pachelbel, dit « Canon de Pachelbel », fait partie d'une pièce de musique de chambre baroque, écrite en 1677 pour trois violons et une basse continue. Œuvre au caractère solennel et majestueux, à quatre temps lents et imposants (généralement autour de 68 à la noire), d'une durée d'un peu moins de quatre minutes, le canon était à l'origine suivi d'une courte gigue à 12/8, rarement jouée1. Très populaire, ce morceau a été vulgarisé et arrangé pour les instruments les plus divers et dans les styles les plus variés, oubliant souvent sa forme de canon et son écriture polyphonique. Le Canon en ré majeur sur une basse obstinée de Johann Pachelbel, dit « Canon de Pachelbel », fait partie d'une pièce de musique de chambre baroque ... |
 @@.jpg) | Nicola PORPORA - Polypheme - Alto Giove (contre-alto Philippe Jarrousky) @@.jpg) Dans la mythologie grecque, Galatée habite un rivage de la Sicile. Son nom signifie : « à la peau blanche comme le lait ». Elle aima et fut aimée du berger Acis. Mais ce dernier fut victime de la jalousie du cyclope Polyphème, également amoureux de Galatée mais disqualifié par ses traits monstrueux. Polyphème, ayant surpris les deux amants, arracha un rocher de l'Etna et le précipita sur Acis. Galatée, voyant des filets de sang sourdre sous le rocher, les changea en rivière, afin de pouvoir s'y baigner tous les jours. Cette version fut chantée par Théocrite dans sa onzième Idylle qui évoque le rude cyclope Polyphème, assis sur le rivage, face à la mer, et se consumant d'amour pour « la blanche Galatée plus délicate que l'agneau ». Barbu et hirsute, le géant amoureux apparaît quelque peu ridicule mais encore touchant. Dans la mythologie grecque, Galatée habite un rivage de la Sicile. Son nom signifie : « à la peau blanche comme le lait ». Elle aima et fut aimée d ... |
 | Henry PURCELL - First Music n2 - Hornpipe Le hornpipe est né en Angleterre. Selon plusieurs sources manuscrites, il existait déjà au XVIe siècle, évoluant sur une mesure à 3/2. On retrouve le hornpipe dans les oeuvres de Purcell et Haendel, entre autres. Le hornpipe est à l'origine une danse pour les hommes, ils le dansaient dans des chaussures dures, appelées ghillies ou pumps, ou en hard shoes. Les bras devaient rester immobiles, l’enchaînement de pas étant complexe. Son rythme correspond à un enchaînement de 2/4 ou 4/4 temps, moins rapide que le reel.Le terme hornpipe correspond à un type de musique, au même titre que le reel ou la jig. Il comporte deux phrases de 16 temps, chacune répétée 2 fois. C’est une danse de ceilidh, de la famille des « two hands reels », qui sont des danses qui ont été créées par des maîtres à danser pour des spectacles, tout comme un certain nombre de danses françaises. Le hornpipe est né en Angleterre. Selon plusieurs sources manuscrites, il existait déjà au XVIe siècle, évoluant sur une mesure à 3/2. On ... |
 | Serge RACHMANINOV - Vepres (choeur et tenor) On peut avec quasi-certitude établir la genèse des «Vêpres» aux grands services religieux où Rachmaninov enfant entendit des chœurs majestueux ainsi qu’à l’admiration qu’il porte à la musique de Tchaïkovski. Sa «Liturgie de saint Jean Chrysostome» fut en quelque sorte le moteur qui amena Rachmaninov à composer ses «Vêpres». De la christianisation en 988 jusqu’au 17e siècle, la musique religieuse russe était calquée sur l’idéal byzantin, fondé sur le système de huit tons des musiciens byzantins. La polyphonie fit son entrée dans les églises par la suite grâce à l’arrivée du patriarche Nikon. Ce n’est que vers la fin du 19e siècle, sous l’égide de Stepan Smolenski, qu’on assistera à une renaissance de ces anciens genres monodiques. Rachmaninov étudiera d’ailleurs ces anciens textes liturgiques avec Smolenski et dédiera les «Vêpres» à sa mémoire. Le titre russe Vsenoshchnoye Bdeniye signifie littéralement «la grande louange du soir et du matin». La traduction française par «vêpres» ne concerne en fait qu’un aspect du mot. Les «Vêpres» représentent la principale œuvre de musique religieuse du compositeur. Rachmaninov les aimait beaucoup. Après «Les Cloches», c’est, disait-il, celle de ses œuvres qu’il préférait. Il avait une certaine prédilection pour le cinquième hymne qu’il avait prévu pour son propre enterrement; quant au neuvième chant, il le cita en 1936 dans le finale de sa dernière symphonie. http://evrrachmaninov.blogspot.fr/ On peut avec quasi-certitude établir la genèse des «Vêpres» aux grands services religieux où Rachmaninov enfant entendit des chœurs maj ... |
 | Serge RACHMANINOV - Vepres 3 Les Vêpres, opus 37, ou encore Les Vigiles est une composition a cappella pour chœur mixte, probablement la plus profonde de Rachmaninov et « l'une des plus grandes réalisations musicales pour l'Église orthodoxe russe ». Le titre de l'œuvre est souvent traduit simplement par le mot « Vêpres », ce qui est incorrect aussi bien d'un point de vue littéral que conceptuel quand il s'applique à l'œuvre entière : ce sont seulement les six premiers mouvements qui correspondent aux Vêpres dans l'office des heures, suivis par les Matines. Les Vêpres, opus 37, ou encore Les Vigiles est une composition a cappella pour chœur mixte, probablement la plus profonde de Rachmaninov et « l'une des plus grand ... |
 | Nicolai RIMSKY-KORSAKOV - le vol du bourdon Le Vol du bourdon est un interlude orchestral écrit en 1899-1900 par Nikolaï Rimski-Korsakov pour son opéra Le Conte du tsar Saltan. Cette œuvre clôt le premier tableau de l'acte III, juste après que le cygne magique a donné au fils du tsar, le prince Gvidon Saltanovich, les instructions pour se métamorphoser en insecte afin de rejoindre son père. Bien que dans l'opéra le cygne chante durant la première partie du Vol, sa partie est mélodique et facilement omise lors de l'interprétation hors opéra du Vol du bourdon. , Le Vol du bourdon est un interlude orchestral écrit en 1899-1900 par Nikolaï Rimski-Korsakov pour son opéra Le Conte du tsar Saltan. Cette œuvre ... |
 | Joaquin RODRIGO - concerto pour guitare Ajanjuez Comme beaucoup de partitions du musicien, le concerto s'inspire de musique plus ancienne, ici de Domenico Scarlatti et du Padre Antonio Soler. Il s'agit d'une commande du marquis de Bolarque datant de 1938. Le Concierto de Aranjuez tire son nom des jardins du palais royal d'Aranjuez, initialement construit pour Philippe II d'Espagne, et notablement remanié au milieu du xviiie siècle pour Ferdinand VI d'Espagne. Joaquín Rodrigo a souhaité que son concerto transporte l'auditeur dans un autre espace et un autre temps. Il dit que son œuvre capture « les fragrances des magnolias, le chant des oiseaux, et les ruissellements des fontaines » du jardin d'Aranjuez. Le Concerto d'Aranjuez (Concierto de Aranjuez en espagnol) pour guitare et orchestre est une œuvre célèbre du compositeur espagnol Joaquín Rodrigo composée en 1939, lors de la dernière année du séjour à Paris du compositeur. Pepe Romero playing at the GuitArt festival 2011 in Belgrade, Concierto de Aranjuez by Joaquin Rodrigo and Recuerdos de la Alhambra by Francisco Tarrega, Camerata Serbica, conductor Marcello Rota john williams, Londres, prom's: http://www.youtube.com/watch?v=r2Xdlgii-Rc Comme beaucoup de partitions du musicien, le concerto s'inspire de musique plus ancienne, ici de Domenico Scarlatti et du Padre Antonio Soler. Il s'agit d'une commande du marquis d ... |
 | Joaquim RODRIGO - fantaisie pour un gentilhomme La Fantaisie pour un gentilhomme (Fantasia para un gentilhombre) est une œuvre concertante pour guitare et orchestre écrite par Joaquín Rodrigo en 1954. Elle est dédicacée au guitariste Andrés Segovia qui l'avait commandé, en fait le gentilhomme du titre. Elle est postérieure de près de 15 ans du fameux Concerto d'Aranjuez du compositeur et est sans doute la seconde œuvre la plus connue du compositeur, parmi ses cinq concertos pour guitare. Entre temps, Rodrigo a écrit d'autres concertos pour divers instruments. La rencontre avec Segovia en 1951 est probablement le déclic qui l'incita à réécrire pour la guitare. La création eut lieu le 5 mars 1958 à San Francisco par l'orchestre symphonique de la ville sous la direction d'Enrique Jordá, avec le dédicataire en soliste. La musique est inspirée par des danses écrites par Gaspar Sanz, compositeur du XVIIe siècle. C'est le troisième concerto de Rodrigo (avec son concerto d'Aranjuez et son concerto madrigal) qui se réfère à des musiciens du passé illustr: Le Caravage - le diseur de bonne aventure La Fantaisie pour un gentilhomme (Fantasia para un gentilhombre) est une œuvre concertante pour guitare et orchestre écrite par Joaquín Rodrigo en 1954. El ... |
 | Giacchino ROSSINI - Petite Maesse solenelle - kyrie C'est à la demande du comte Alexis Pillet-Will, pour son épouse Louise, que Gioachino Rossini compose en 1863 dans sa maison de campagne de Passy, la Petite messe solennelle. Rossini a alors 71 ans et a officiellement pris sa retraite depuis 34 ans. Il adresse au « Créateur » une dédicace en forme de boutade : « Bon Dieu. La voilà terminée cette pauvre petite messe. Est-ce bien de la musique sacrée que je viens de faire ou de la sacrée musique ? J'étais né pour l'opera buffa, tu le sais bien ! Peu de science, un peu de cœur, tout est là. Sois donc béni et accorde moi le Paradis. » La Petite messe solennelle1 est une œuvre de musique sacrée (messe), à l'origine écrite pour quatre solistes, chœur mixte, deux pianos et un harmonium de Gioachino Rossini. Elle fut créée le 14 mars 1864 à Paris. C'est à la demande du comte Alexis Pillet-Will, pour son épouse Louise, que Gioachino Rossini compose en 1863 dans sa maison de campagne de Passy, la Petite messe sol ... |
 | Camille SAINT SAENS - Concerto pour piano n2 Le concerto pour piano no 2 en sol mineur (op. 22) de Camille Saint-Saëns fut composé en moins de trois semaines en 1868 pour le pianiste Anton Rubinstein, grand ami du premier. Lors de sa première représentation, le 13 mai 1868 à Paris1, le compositeur se mit au clavier et le pianiste à la direction2. Le concerto est dédicacé à Madame A. de Villers née Haber. Ce concerto a un plan classique en trois mouvements, le premier étant cependant un andante et commençant par un solo du pianiste rappelant les grandes improvisations pour orgue. L'écriture de ce mouvement, notamment la cadence d'introduction, illustre la volonté de Saint-Saëns d'utiliser dans ses œuvres les innovations de la facture instrumentale. Cette première cadence de soliste propose une écriture rappelant celle de l'orgue et destinée à un instrument aujourd'hui disparu : le piano-pédalier (piano à queue disposant d'un pédalier d'orgue permettant de jouer les basses avec les pieds). Le second mouvement est un scherzo malicieux. Le dernier est une tarentelle effrénée et virtuose entre le soliste et l'orchestre. Le concerto pour piano no 2 en sol mineur (op. 22) de Camille Saint-Saëns fut composé en moins de trois semaines en 1868 pour le pianiste Anton Rubinstein, grand ami du ... |
 | Camille SAINT-SAENS - rondo capriccioso pour violon et orchestre Tanja Sonc, violin Slovenian Philharmonics; conductor: Keri-Lynn Wilson Tanja Sonc, violin Slovenian Philharmonics; conductor: Keri-Lynn Wilson ... |
 | Camille SAINT-SAENS - symphonie n3 avec orgue - 4e Mouvement (Myung-Whun Chung) La Symphonie nº 3 en ut mineur op. 78, dite « avec orgue », est l'une des œuvres symphoniques les plus célèbres de Camille Saint-Saëns. Il s'agit, en fait, de la cinquième symphonie du musicien, ce dernier ayant répudié ses œuvres de jeunesse. Son écriture s'étend entre 1885 et 1886 et elle est dédiée à son ami Franz Liszt décédé le 31 juillet 1886. Il s'agit d'une commande de la Royal Philharmonic Society (Grande-Bretagne) et sa création eut lieu le 19 mai 1886 à Londres sous la direction du compositeur. La première en France a été faite à Paris en janvier 1887 par l'Orchestre de la Société des concerts du Conservatoire sous la direction de Jules Garcin avec le compositeur à la console. illustr. Georges Mathieu Alkaest La Symphonie nº 3 en ut mineur op. 78, dite « avec orgue », est l'une des œuvres symphoniques les plus célèbres de Camille Saint-Saëns. Il ... |
 | Alfred SCHNITTKE - Concerto grosso n1 - 5e mt rondo agitato Très influencé par Prokofiev et par l'école sérielle, Schnittke se veut spirituellement engagé. Il excellera dans la musique de chambre, mais également dans ses concertos, d'une très grande qualité. Alfred Garrievitch Schnittke, né le 24 novembre 1934 à Engels (oblast de Saratov) et mort le 3 août 1998 à Hambourg, est un important compositeur soviétique de l'après-guerre d'origine allemande. Described by the Boston Globe as "Thrilling" "Brilliant" and "Intrepid", this concert footage comes from Boston's self-conducted chamber orchestra, A FAR CRY's 2009-10 season opener, "The Lunatic" at the inimitable Jordan Hall inside New England Conservatory. Alfred Schnittke's haunting first Concerto Grosso for 2 violins, harpsichord, prepared piano and 21 strings was performed on the night before Holloween. A Far Cry is joined by the Uh-Mazing violinists, Nelson Lee & Meg Freivogel of the decorated Jupiter Quartet as soloists, along with Andrus Madsen pulling a double guest duty on harpsichord & prepared piano. Filmed live on October 30th, 2009 & edited by Simon C. Yue for A Far Cry. Écrite pour un très grand orchestre, comme le titre double de l'œuvre le suggère, la composition représente une synthèse des idées présentes dans les œuvres antérieures d'Alfred Schnittke. Le premier mouvement de la symphonie est le concerto grosso, avec des solos pour violon, hautbois et clavecin. Toutefois, contrairement à la forme traditionnelle du concerto grosso, le simple poids de la masse orchestrale reste toujours présent, en rappelant à l'auditeur qu'il s'agit d'une œuvre symphonique (romantique) . Le deuxième mouvement est un « thème et variations » utilisant un morceau de jeunesse de Gustave Mahler : un quatuor avec piano inachevé, que l'adolescent Mahler a commencé en 1876. Toutefois, rompant avec le traitement traditionnel d'un « thème et variations », Alfred Schnittke commence par développer les variations que lui inspire l'idée de Mahler, pour conclure le mouvement par l'exposition du matériau d'origine. Le troisième mouvement est violent et représente le sommet de l'œuvre. Après être passé par un fortissimo où l'orchestre déchaîne toute sa puissance, il se transforme ensuite en un allegro qui, bien qu'il traduise un sentiment de progression vers l'avant, est interrompu par de larges pauses soudaines et se termine sans arriver à une conclusion. Le quatrième mouvement est une marche funèbre de style mahlérien qui ne dissipe pas l'atmosphère inquiétante de ce qui s'est passé auparavant. La symphonie no 5 qui porte également le sous-titre de Concerto grosso no 4 est une symphonie du compositeur russe Alfred Schnittke. Elle a été composée en 1988. illustr. Mondrian - pommier en fleurs Très influencé par Prokofiev et par l'école sérielle, Schnittke se veut spirituellement engagé. Il excellera dans la musique de chambre, mais &ea ... |
 | Arnold SCHOENBERG - Piano Concerto op.42 Le Concerto opus 42 est le seul concerto pour piano et orchestre d'Arnold Schönberg. Composé entre août et décembre 1942 aux États-Unis et de style dodécaphonique, il fut créé le 6 février 1944. L'œuvre est d'un seul mouvement divisé en quatre parties enchainées. Arnold Schönberg, compositeur, peintre et théoricien autrichien né le 13 septembre 1874 à Vienne, et mort le 13 juillet 1951 à Los Angeles (États-Unis). Deux siècles après Jean-Sébastien Bach et Jean-Philippe Rameau qui posèrent les fondements de la musique tonale, il émancipa la musique de la tonalité et inventa le dodécaphonisme qui aura une influence marquante sur la musique du xxe siècle. Le Concerto opus 42 est le seul concerto pour piano et orchestre d'Arnold Schönberg. Composé entre août et décembre 1942 aux États-Unis et de style ... |
 | Arnold SCHOENBERG - la nuit transfigurée La Nuit transfigurée op. 4 (Verklärte Nacht) est une œuvre pour sextuor à cordes (deux violons, deux altos, deux violoncelles), composée par Arnold Schönberg en 1899. Durant l'été 1899, le musicien tombe amoureux de Mathilde, la sœur d'Alexander von Zemlinsky, avec qui il se mariera un peu plus tard. Il compose pour elle cette Nuit transfigurée en moins de trois semaines. Il s'agit donc d'une œuvre de jeunesse, écrite bien avant sa période dodécaphonique, avec des accents de romantisme tardif. On y perçoit principalement l'influence de Wagner et de Brahms, certains enchaînements harmoniques évoquant fortement Tristan und Isolde et ses accords de neuvième sans fondamentale. Œuvre de jeunesse sans doute, mais qui va déjà bien au-delà des conventions de l'époque. Le jeune Schönberg, âgé de vingt cinq-ans, a déjà assimilé et dépassé l'art des grands romantiques allemands ; certains passages de Verklärte Nacht sont, encore aujourd'hui, difficiles d'accès par leur caractère dissonant. Ce chef-d'œuvre précoce reste l'une des œuvres les plus jouées et les plus applaudies du novateur viennois. La pièce est basée sur un poème extrait du recueil La Femme et le monde (Weib und Welt) de Richard Dehmel, un ami du musicien. Le texte, plus tard publié séparément sous le titre Zwei Menschen. Roman in Romanzen, décrit une promenade nocturne d'un couple amoureux dont la femme avoue qu'elle attend un enfant d'un autre. Son amant insiste sur l'importance de sa maternité et lui assure qu'il est disposé à faire sien cet enfant. Ils marchent heureux, sous la lune, dans cette nuit transfigurée. La Nuit transfigurée op. 4 (Verklärte Nacht) est une œuvre pour sextuor à cordes (deux violons, deux altos, deux violoncelles), composée par Arnold ... |
 | Franz SCHUBERT - fantaisie pour piano à 4 mains D940 La Fantaisie en fa mineur, D. 940 est une œuvre pour piano à quatre mains composée par Franz Schubert en 1828. Le répertoire pour piano à quatre mains de Schubert reste peu connu, car destiné essentiellement par ce dernier à être joué dans le cadre intime d'un groupe d'amis, les Schubertiades. Tellement bien conçues que les mains ne se gênent jamais, ces œuvres furent d'ailleurs créées plus pour les exécutants que pour les auditeurs et elles font rarement partie des programmes de récitals. Cette fantaisie est la seule pièce de ce genre qu'il ait composée dans sa maturité. C'est, de loin, la pièce la plus connue ; elle est d'ailleurs considérée comme une des œuvres majeures de la littérature pour piano à quatre mains. Écrite au début de 1828, l'année de la mort du musicien (à l'âge de 31 ans), Schubert lui-même, accompagné par Franz Lachner, la jouera pour la première fois à Vienne le 9 mai 1828, au cours de l'une de ses fameuses Schubertiades. Elle est dédicacée à la comtesse Caroline Esterhazy, une élève du compositeur dont ce dernier était probablement amoureux. La fantaisie comprend quatre parties et sa durée d'exécution est d'environ vingt minutes. Sa structure est celle d'une sonate dont les mouvements sont joués d'un seul trait. Le thème initial, particulièrement mélancolique, est repris à plusieurs reprises, notamment dans une forme fuguée tourmentée dans la dernière partie qui s'achève brutalement avec le retour du thème, en coda. Allegro molto moderato Largo Allegro vivace Tempo primo À noter que des transcriptions de cette pièce pour piano à deux mains ont été réalisées par Johann Friedrich Carl Dietrich, Louis Köhler, Michael Zadora et Jérôme Ducros, ainsi qu'une transcription pour orgue par Léonid Karev. Paul Badura-Skoda et Jörg Demus Octobre 2007Soirée anniversaire à la salle Gaveau - Paris, autour de Paul Badura-Skoda et quelques invités de marque : Jörg Demus, Pierre Reach, Jean-Marc Luisada, Michael Kofler, Marie-Catherine Girod, Andrea Bonatta, Akira Imaï, Rudolf Meister , La Fantaisie en fa mineur, D. 940 est une œuvre pour piano à quatre mains composée par Franz Schubert en 1828. Le répertoire pour piano à qua ... |
 | Franz SCHUBERT - Grab und mond ... |
 | Franz SCHUBERT - impromptu pour piano n3 D899 (Vladimir Horowitz) L’univers poétique de cette pièce fait suite à celui du premier impromptu. Une mélancolie calme règne avec sérénité, qui rappelle l'Ave Maria. Quelques rares nuages apparaissent sous les traits de trilles graves, mais sans déclencher aucune tempête. Puis la mélodie de ce nocturne s’adoucit, avant de s’assoupir tendrement. Les Impromptus pour piano regroupent deux séries de quatre courtes pièces composés par Franz Schubert en 1827. Schubert composera 3 nouveaux morceaux dans le même esprit en mai 1828, juste avant sa mort, mais sans leur donner de titre. Ils seront baptisés par Johannes Brahms lors de leur première édition en 1868 après la mort du compositeur : Drei Klavierstücke (« Trois pièces pour piano »). On peut raisonnablement lier la composition des impromptus aux vacances que Schubert a passées avec son ami Jenger, en septembre 1827, à Graz. Les Impromptus, D. 899, (tout comme leurs frères cadets D 935, op. 142), forment un cycle, dans lequel le 3e semble prolonger la méditation du 1er, tandis que les 2e et 4e brillent comme des moments de rêverie. L’univers poétique de cette pièce fait suite à celui du premier impromptu. Une mélancolie calme règne avec sérénité, q ... |
 | Franz SCHUBERT - Moments musicaux pour piano Les Moments musicaux, D. 780, op. 94, de Franz Schubert sont six pièces pour piano de la période créatrice tardive du musicien. Le premier éditeur de ces pièces les avait intitulées, dans un français approximatif, Momens musicals, un titre sous lequel on s'y réfère encore parfois. Leur genèse comporte beaucoup d'inconnues et leur écriture s'étale entre 1823, date de l'édition de l'Air russe (le plus connu du cycle) et 1827, date de l'édition de l'intégralité des pièces. La Plainte du troubadour a été également publiée séparément en 1824. La cohérence d'atmosphère n'est donc probablement que d'apparence. Elles semblent, en tout cas, antérieures à ses impromptus. Les manuscrits autographes en ont été perdus. Les Moments musicaux, D. 780, op. 94, de Franz Schubert sont six pièces pour piano de la période créatrice tardive du musicien. Le premier éditeur de ce ... |
 | Franz SCHUBERT - Quatuor à cordes n13 en la m "Rosamunde" Le Quatuor à cordes n° 13 en la mineur, D. 804 (op. 29) « Rosamunde », a été écrit par Franz Schubert en février-mars 1824 et est le treizième composé pour cette formation de chambre. Il est quasi contemporain de son Quatuor en ré mineur « La Jeune fille et la mort » et postérieur de 3 ans à son précédent essai, son Quartettsatz, laissé inachevé. Il est le seul quatuor édité du vivant du musicien. Il a été dédié à Ignaz Schuppanzigh, premier violon du quatuor attitré de Beethoven. Il a été créé par ce dernier le 14 mars 1824. Il comporte quatre mouvements et son exécution dure environ trente minutes. Dans le premier mouvement, l'important accompagnement du début rappelle celui du lied « Marguerite au rouet » (Gretchen am Spinnrade) et sa mélancolie. Dans l'andante, Schubert se sert du thème de sa musique de scène Rosamunde (qui sera également repris dans son Troisième impromptu en Si bémol écrit trois ans plus tard). Le menuet est inspiré par l'air de son lied « Die Götter Griechenlands ». Allegro ma non troppo Andante Menuetto – Allegretto – Trio Allegro moderato , Le Quatuor à cordes n° 13 en la mineur, D. 804 (op. 29) « Rosamunde », a été écrit par Franz Schubert en février-mars 1824 et est ... |
 | Franz SCHUBERT - Serenade (Standchen) (piano Beatrice Berrut, violoncelle Camille Thomas) Schwanengesang (en français Le Chant du cygne) de Franz Schubert, D 957, est un recueil posthume de quatorze lieder sur des poèmes de Ludwig Rellstab, Heinrich Heine et Johann Gabriel Seidl (1804 - 1875). Le recueil fut ainsi nommé par son premier éditeur, Haslinger, qui souhaitait probablement le présenter comme le testament artistique de Schubert. Il avait mis côte à côte deux recueils, sans liens directs, puis ajouté un quatorzième, sans doute pour éviter le chiffre 13 et terminer le recueil sur une note moins sombre. Il est donc difficile de trouver une unité dans ces lieder. Contrairement à ceux des deux autres cycles – La Belle Meunière possède une unité thématique liée à l'histoire qu'il raconte, qui donne à l'ensemble une cohérence musicale, tandis que les lieder de Voyage d'hiver sont unis par le style, sombre et dépressif, réflexion sur la mort et le néant – les lieder de Schwanengesang sont tour à tour légers et tranquilles (Frühlingssehnsucht, Die Taubenpost), dramatiques (der Atlas), voire hallucinés (Die Stadt, der Doppelgänger). Les thèmes abordés par les poèmes sont nombreux : le monde et la nature, les errances hallucinatoires du personnage, la nostalgie. Le style musical est très varié, passant de la mélancolie (Ihr Bild, Das Fischermädchen) au lyrisme élégiaque de Ständchen, de la noirceur décidée (Aufenthalt, Der Atlas, Die Stadt) au ton joyeux et léger de Abschied et du merveilleux Die Taubenpost, qui clôt le recueil et est souvent considéré comme la dernière composition de Schubert. Schwanengesang (en français Le Chant du cygne) de Franz Schubert, D 957, est un recueil posthume de quatorze lieder sur des poèmes de Ludwig Rellstab, Heinrich Heine ... |
 | Robert SCHUMANN - concerto pour piano en la m op54 piano: Martha Argerich C'est le seul concerto pour piano que le compositeur allemand acheva, trois projets antérieurs étant restés inachevés. Le Concerto pour piano en la mineur op. 54 de Robert Schumann, achevé en 1845, est un concerto pour piano de l'ère romantique. En 1841, Schumann écrit une Phantasie pour piano et orchestre, conçue selon ses propres termes comme « un juste milieu entre symphonie, concerto et grande sonate ». C'est cette Phantasie qui deviendra, quatre ans plus tard, le premier mouvement de son concerto. En 1845 en effet, il y greffe un intermezzo et un finale, ses éditeurs trouvant un concerto plus commercialisable qu'un simple Allegro. L'œuvre fut créée à Dresde le 4 décembre 1845 par Clara, la femme du compositeur, au piano, et Ferdinand Hiller, dédicataire de la pièce; puis reprise à Leipzig, le 1er janvier 1846, sous la direction de Felix Mendelssohn. Le concerto de Schumann, comme ceux de Chopin, pourrait avoir servi de modèle à Grieg pour la composition de son propre concerto (dont la tonalité est similaire). C'est le seul concerto pour piano que le compositeur allemand acheva, trois projets antérieurs étant restés inachevés. Le Concerto pour piano en la ... |
 | Robert SCHUMANN - concerto pour piano en re (piano: Kathia Buniatishvili) Khatia Buniatishvili, née le 21 juin 1987 à Tbilissi en Géorgie est une pianiste géorgienne. Elle est régulièrement invitée à participer à divers festivals de musique dont le Gstaad Festival et le Verbier Festival, en 2003, 2004, 2011 et 2012, où elle joue tant comme soliste que dans l'orchestre du festival, tenant les parties de piano et même d'orgue d'œuvres symphoniques, Khatia Buniatishvili, née le 21 juin 1987 à Tbilissi en Géorgie est une pianiste géorgienne. Elle est régulièrement invitée à ... |
 | Robert SCHUMANN - Quintette pourpiano et cordes Composé par Robert Schumann pendant cette année 1842 qui a lui été si féconde, le quintette pour piano et cordes en mi bémol majeur est l’une des expressions les plus abouties du romantisme musical. On y trouve dans chaque mouvement, mêlés avec un égal bonheur, les emportements conquérants de Florestan et la tendre rêverie d’Eusebius. Réunir un quatuor à cordes et un piano peut sembler évident aujourd’hui, tant cette formation musicale a suscité de chefs d’œuvre, mais cela constituait à l’époque une grande première, et Schumann, qui est le véritable créateur du genre, précède Brahms et Dvorak respectivement de 23 et 30 ans ! L’œuvre est en quatre mouvements, disposés traditionnellement : vif, lent, scherzo, vif. Allegro brillante. Brillant, en effet, ce premier thème volontaire martelé forte par les cinq instrumentistes est immédiatement repris et varié par le piano, puis en imitations libres par les cordes, dans la nuance piano. Les deux faces psychologiques de Schumann évoquées plus haut s’opposent donc d’entrée de jeu. Pendant toute l’exposition, le discours musical se poursuit dans le même esprit, avec une grande richesse d’inspiration et une vitalité débordante. Soudain tout s’arrête : le développement débute abruptement par une quasi-citation de la plainte ouvrant l’aria « Es ist vollbracht » de la passion selon Saint Jean de J.S. Bach : une gamme descendante, présentée trois fois par le piano, à peine soutenue à l’unisson par un instrument du quatuor. Mais cette ombre passagère est vite dissipée : le thème « brillant » surgit et introduit un merveilleux développement en deux parties où les cordes, en valeurs longues, sont soutenues par les croches volubiles du piano. Après une réexposition régulière, le mouvement se conclut par une brillante coda. In modo d’una marcia. Un poco largamente. Ce mouvement est de forme ABACA’BA. Le début (A) reste gravé dans la mémoire. Après un bref arpège descendant du piano, nous entendons une mélodie désolée, hachée de silences expressifs, « à la manière d’une marche ». Est-elle « funèbre » ? Cette appréciation, bien qu’elle vienne spontanément à l’esprit, n’est pas marquée sur la partition. Une section (B), d’un contraste absolu, fait entendre une admirable mélodie en valeurs longues, à la fois tendre et implorante, confiée au premier violon. La reprise à l’identique de (A) débouche cette fois sur un rappel de l’aria de Bach, au piano, qui lance l’épisode central agitato (C), furieux et dramatique. Une reprise variée (A’) de la marche s’enchaîne sans transition, dans le même mouvement et avec la même charge émotionnelle. Car cette fois le thème, confié à l’alto seul, est soutenu par un accompagnement passionné des autres instruments. Après une reprise de l’épisode (B), le mouvement se conclut par la marche sous sa forme originelle. Scherzo. Molto vivace, de forme scherzo – trio 1 – scherzo – trio 2 – scherzo. Après le climat oppressant de la marche funèbre, ce scherzo vient à propos nous libérer de ces angoisses. Son matériel thématique est rudimentaire : de simples gammes ! Mais une subtile articulation rythmique, faite de syncopes et d’accents sur les temps faibles, crée un dynamisme irrésistible. Cette musique, tendue comme une flèche, contraste avec les deux trios : le premier, un canon sur une tendre mélodie qui tourne sur elle-même, inlassablement répétée, et le second, fébrile, avec ses doubles croches qui piétinent rageusement. Allegro ma non troppo. Ce magnifique finale, d’une débordante invention, est l’aboutissement de ce chef d’œuvre et le couronne avec brio. La forme de rondo (refrain + couplets) est d’une simplicité apparente. Schumann donne libre cours à son imagination mélodique et à sa science du contrepoint, comme l’attestent de nombreux passages en style fugué. Le plus spectaculaire vient après un grand point d’orgue, très théâtral, qui donne le coup d’envoi d’une fugue magistrale où se mêlent le « refrain » et le thème brillant du premier mouvement. Le compositeur montre ainsi son souci de donner une cohésion thématique à son œuvre. Le Quintette pour piano en mi bémol majeur, op. 44 de Robert Schumann a été composé en septembre et octobre 1842. Comme la plupart des quintettes pour piano, il est écrit pour piano et quatuor à cordes (deux violons, alto et violoncelle). Il fut créé le 8 janvier 1843 par des musiciens du Gewandhaus et Clara Schumann au piano. Wagner s'en montra fort enthousiaste : « Votre quintette, très cher Schumann m′a beaucoup plu […] je vois quel chemin vous voulez suivre, c′est aussi le mien, là est l′unique chance de salut ». Berlioz et Liszt furent plus réservés à son égard. Chef-d'œuvre romantique du genre, ce modèle sera adopté par la suite par Brahms, DvoÅ™ák, Tchaïkovski et César Franck. Composé par Robert Schumann pendant cette année 1842 qui a lui été si féconde, le quintette pour piano et cordes en mi bémol majeur est l& ... |
 | Robert SCHUMANN - scenes d'enfants ... |
 | Franz SCHUBERT - la truite Le Quintette en la majeur, D. 667 « La Truite » est le seul quintette avec piano composé par Franz Schubert. L'œuvre a été composée en 1819, alors que Schubert n'avait que 22 ans ; cependant, elle ne fut pas publiée avant 1829, soit un an après sa mort. L'effectif instrumental est original : il comporte un piano, un violon, un alto, un violoncelle et une contrebasse (et non pas un piano et un quatuor à cordes comprenant deux violons). Cependant, Schubert ne fut pas le premier à composer pour une telle formation, puisque Johann Nepomuk Hummel l'avait déjà retenue en 1802 pour son unique quintette avec piano. La pièce est connue sous le nom « La Truite » car le quatrième mouvement est un thème varié sur un lied de Schubert, die Forelle (la truite), lui-même inspiré d'un texte de Schubart. Le quintette aurait été écrit pour Sylvester Paumgartner, un violoncelliste amateur, qui aurait suggéré à Schubert d'introduire des variations dans ce Lied1. On peut retrouver des variations sur des Lieder dans deux autres pièces de Schubert, La jeune fille et la mort, ou la fantaisie Wanderer. Le sextuplet ascendant faisant partie de l'accompagnement est utilisé comme motif tout au long du quintette, et des variantes apparaissent dans chaque mouvement, à l'exception du Scherzo ; il est généralement introduit par le piano Les cinq mouvements du quintette: Allegro vivace en forme de sonate. Comme dans beaucoup d'œuvres classiques, le thème alterne entre tonique et dominante. Cependant, le langage harmonique de Schubert est plus coloré, et innovant : usage de médiante et sus-dominante. Ceci se confirme dès le début : au bout d'une dizaine de mesures, un changement de tonalité brusque a lieu du la majeur au fa majeur (soit au niveau de la sus-dominante). Le développement de la mélodie commence de la même manière avec modulation de mi majeur vers do majeur. Andante en fa majeur. Le mouvement comporte deux parties symétriques, l'une étant transposée de l'autre, à l'exception de quelques détails, notamment pour permettre au mouvement de finir tel qu'il a commencé. Chacune de ces parties est l'enchaînement de trois thèmes, dont le second peut être considéré pour poignant. On remarque surtout, dans ce mouvement, l'harmonie tonale : La tonalité est modulée de demi-ton en demi-ton, de manière ascendante, de la manière (simplifiée) suivante : fa majeur, fa dièse mineur, sol majeur, la bémol majeur, la mineur, fa majeur. Une telle structure est très originale au regard de l'harmonique classique (Mozart, Beethoven). Scherzo. Presto en la majeur. Thema. Andantino - Variazioni I-V - Allegretto en ré majeur (sous-dominante). C'est un thème et variations. Les variations ne déforment pas le thème original, mais font varier la manière de le décorer, et se concentrent sur le changement de mode également. Dans les premières variations, le thème passe d'un instrument à un autre (le violoncelle et la contrebasse ont le thème ensemble, avec un ornement riche au piano, et en tierces à l'alto et au violon). Dans la 5e variation, qui suit la traditionnelle variation en mode mineur, Schubert innove, en modulant, non pas en tonique, mais en sus-dominante, pour revenir au thème principal, au début de la sixième variation. On peut retrouver cette structure dans l'impromptu en si bémol majeur, D935 nr. 3. La dernière variation est très ressemblante au Lied original, avec le même accompagnement au piano, sur un motif musical qui représente une truite faisant des apparitions à la surface de l'eau (notes montantes et descendantes). Finale. Allegro giusto. Ce final est en deux parties symétriques, comme dans le second mouvement (mais le chromatisme original est absent cette fois-ci). Cette fois, la deuxième partie est l'exacte transposée de la première, à des changements d'octave près. Comme la première partie est répétée, on entendra le même motif trois fois au long du mouvement ; beaucoup d'auditeurs pourraient trouver ceci lassant. De ce fait, beaucoup d'interprètes choisissent de ne pas faire la répétition. L'harmonie est également très innovatrice : la première partie se termine en ré majeur (la sous-dominante), ce qui est contraire aux canons du classicisme, où l'on doit jouer sur l'alternance tonique - dominante (ou plus rarement, médiante et sus-dominante) Le Quintette en la majeur, D. 667 « La Truite » est le seul quintette avec piano composé par Franz Schubert. L'œuvre a été compos&e ... |
 | Jean SIBELIUS - valse triste ... |
 | Wilhelm STENHAMMAR - concerto pour piano n2 Op. 23 Carl Wilhelm Eugen Stenhammar (February 7, 1871 -- November 20, 1927) was a Swedish composer, conductor and pianist. Piano Concerto No.2, Op.23 (1904-07) 1. Moderato, recitando 2. Molto vivace (9:25) 3. Tempo allegretto un poco sostenuto (16:27) 4. Tempo moderato (23:10) Janos Solyom, piano and the Münchener Philharmonic conducted by Stig Westerberg Stenhammar was born in Stockholm, where he received his first musical education. He then went to Berlin to further his studies in music. He became a glowing admirer of German music, particularly that of Richard Wagner and Anton Bruckner. Stenhammar himself described the style of his First Symphony in F major as "idyllic Bruckner". He subsequently sought to emancipate himself and write in a more "Nordic" style, looking to Carl Nielsen and Jean Sibelius for guidance. The latter's Symphony No. 2, especially, had a great effect on him, leading him to change his style and refuse to refer to his First Symphony as anything but a trivial piece. From 1906 to 1922 he was Artistic Director and chief conductor of the Gothenburg Symphony, the first full-time professional orchestra in Sweden. In this capacity, he organised many performances of music by contemporary Scandinavian composers. In 1909, he briefly held the position of director of music at Uppsala University, where he was succeeded the following year by Hugo Alfvén. Wilhelm Stenhammar died of a stroke at 56 years of age in Jonsered in the historic province of Västergötland. He is buried in Gothenburg. Carl Wilhelm Eugen Stenhammar (February 7, 1871 -- November 20, 1927) was a Swedish composer, conductor and pianist. Piano Concerto No.2, Op.23 (1904-07) 1. Mod ... |
 | Johann STRAUSS fils - le beau danube bleu Lors de l'Exposition universelle de 1867, Johann Strauss se rend à Paris. On lui demande d'ajouter une valse dans le programme de son premier concert en public. Se souvenant du Beau Danube bleu, Johann Strauss fait venir la partition de Vienne. L'accueil de l'œuvre sans la partie chantée est triomphal et Johann Strauss doit la rejouer vingt fois de suite. À Vienne, le succès est tel que les imprimeurs ont beaucoup de mal à répondre à la demande en partitions. Ce succès permet à cette œuvre de ne pas finir oubliée dans les centaines de partitions de son auteur ou brûlée par Edouard Strauss, son frère. Le Beau Danube bleu est programmé la même année dans plusieurs concerts à Londres, en présence de la reine Victoria. Le Beau Danube bleu reste la plus célèbre de toutes les valses écrites par Johann Strauss II. Le Beau Danube bleu (An der schönen blauen Donau), op. 314, est une célèbre suite de valses viennoises de Johann Strauss II, composée en 1866. Lors de l'Exposition universelle de 1867, Johann Strauss se rend à Paris. On lui demande d'ajouter une valse dans le programme de son premier concert en public. Se souvenant ... |
 | Johann STRAUSS pere - marche de radetzky Particulièrement apprécié des Viennois, une version de concert est traditionnellement interprétée à la clôture du Concert du nouvel an donné par l'Orchestre philharmonique de Vienne. La Marche de Radetzky (AM (en) II, 145, opus 228) est une célèbre marche militaire viennoise de Johann Strauss père dédiée au maréchal autrichien Joseph Radetzky, vainqueur de la bataille de Custoza contre les Piémontais en 1848. Particulièrement apprécié des Viennois, une version de concert est traditionnellement interprétée à la clôture du Concert du nouvel ... |
 | Igor STRAVINSKY - l'oiseau de feu L’Oiseau de feu est un ballet en deux tableaux d’après un conte national russe. La musique a été composée par Igor Stravinsky en 1909-1910 sur la commande de Serge de Diaghilev. Il a été créé à l’Opéra de Paris le 25 juin 1910 par les Ballets russes sur une chorégraphie de Michel Fokine et sous la direction de Gabriel Pierné. Il s’agit du premier grand ballet du musicien, qui le rendit aussitôt célèbre. Diaghilev renouvela par la suite régulièrement ses commandes pour Stravinsky jusqu’en 1928. Les premiers ballets à suivre L’Oiseau de feu ont été Petrouchka en 1911 et Le Sacre du printemps en 1913. Destiné au ballet, L’Oiseau de feu a fait l'objet d'arrangements pour piano, et ensemble de chambre. Et de trois suite pour orchestre datées de 1910, 1919 et 1945 . L’Oiseau de feu est un ballet en deux tableaux d’après un conte national russe. La musique a été composée par Igor Stravinsky en 1909-1910 s ... |
 | Igor STRAVINSKY - l'oiseau de feu (ouverture) Pour Stravinsky, la musique est destinée à « instituer un ordre dans les choses, y compris et surtout un ordre entre l'homme et le temps [...]. La construction faite, l'ordre atteint, tout est dit. » On a l'habitude de diviser l'évolution de Stravinsky en trois périodes : russe, néoclassique et sérielle. Mais, en ses débuts, il recrée plus qu'il n'emprunte le matériau folklorique, et les éléments de son langage ne sont pas de provenance russe, mais marquent l'aboutissement de certaines traditions occidentales. Son néoclassicisme est quant à lui non pas un pastiche, mais le point de départ d'une recherche, celle de l'objectivité stylistique dans le cadre de l'universalité de la forme et de l'esprit, ce qui explique la persistance de son intérêt pour les sujets hors temps, quasi rituels. Pour Stravinsky, la musique est destinée à « instituer un ordre dans les choses, y compris et surtout un ordre entre l'homme et le temps [...]. La construction ... |
 | Georg Philip TELEMANN - sonate pour flute Telemann aurait composé plus de 6000 œuvres, mais un peu plus de 3600 semblent avoir été répertoriées. Il est un des compositeurs les plus productifs de l'histoire de la musique. Telemann était à l'affût de toutes les nouveautés, et sa musique est beaucoup plus séduisante que savante - au contraire de JS Bach qui était de ses amis - mais on est obligé d'imaginer qu'il pensait notamment à lui lorsqu'il parlait de ses collègues « qui contrepointent à tire-larigot »... plus de 600 suites pour orchestre, sinfonias, concertos, sonates, duos, trios, quatuors, sérénades, de la musique pour clavecin et orgue ; plus de 40 opéras et de nombreux intermezzi ; au moins 1700 cantates d'églises, 15 messes, 22 psaumes, plus de 40 passions, 6 oratorios, et des motets à 8 voix ; des cantates profanes, des odes, des canons, des chants, etc. Ayant accompli parfaitement la fusion des styles italien, français et allemand avec le style galant, Telemann est le principal représentant du pré-classicisme en musique, et ses dernières œuvres, alors qu'il était octogénaire, sont tournées vers l'avenir. Georg Philipp Telemann (14 mars 1681 à Magdebourg - 25 juin 1767 à Hambourg) fut pendant sa longue période créatrice le plus célèbre compositeur allemand de l'âge baroque. Par les impulsions novatrices qu'il a données tant à l'art de la composition qu'à la sensibilité musicale, il a puissamment marqué la musique de la première moitié du xviiie siècle. Telemann aurait composé plus de 6000 œuvres, mais un peu plus de 3600 semblent avoir été répertoriées. Il est un des compositeurs les plus ... |
 - concerto pour piano - final.jpg) | Sigismond THALBERT - concerto pour piano en fa m Op5 - concerto pour piano - final.jpg) illustr: Felix VALLOTTON - loge au theatre illustr: Felix VALLOTTON - loge au theatre ... |
 | Edgar VARESE - Ameriques Le début est calme, avec une mélodie proche de Debussy, puis prend rapidement une grande force sismique, ponctuée par un crescendo massif qui rappelle Le Sacre du printemps de Stravinski. L'œuvre est marquée par les féroces dissonances des cordes, les polyphonies complexes pour percussions et vents. La sirène a une fonction structurale, elle représente un accord continu au-delà du système dodécaphonique. Amériques est une œuvre du compositeur français Edgard Varèse. Écrite entre 1918 et 1921, révisée en 1927, elle est destinée à un orchestre romantique de très grande taille, avec des percussions additionnelles (pour onze solistes) comprenant des sirènes. C'est la première œuvre composée par Varèse après son arrivée aux États-Unis, et bien que ce ne soit pas sa première œuvre, elle est la première qu'il ait conservée1.. Il semble qu'il en a écrit des esquisses dès 1915 puisque sa future femme, Louise Norton, se souvient avoir vu des brouillons de partition pour une œuvre conçue pour un orchestre à large effectif2. Amériques est composée en un seul mouvement qui dure à peu près trente-trois minutes, lors desquelles l'orchestre dans son ensemble joue virtuellement tout le temps. La première version (de 1921) demandait un effectif de près de 155 musiciens. Sur la demande du chef d'orchestre Leopold Stokowski, il simplifie sa partition, aboutissant à la version définitive, dite de 1927. Sinfonieorchester Baden-Baden conducted by Michael Gielen and directed by Barrie Gavin. 1989 Le début est calme, avec une mélodie proche de Debussy, puis prend rapidement une grande force sismique, ponctuée par un crescendo massif qui rappelle Le Sacre ... |
 | Giuseppe VERDI - la Traviata Œuvre majeure du répertoire lyrique dotée d'un célèbre prélude romantique, elle fait partie, avec Rigoletto (1851) et Il trovatore (1853), de cette fameuse « trilogie » qui a donné une gloire internationale à Verdi. La traviata est un opéra en trois actes de Giuseppe Verdi créé le 6 mars 1853 à La Fenice de Venise sur un livret en italien de Francesco Maria Piave d'après le roman d'Alexandre Dumas fils, La Dame aux camélias (1848) et son adaptation théâtrale (1852). Victime d'une distribution défaillante, l'œuvre s'est heurtée, lors de sa création, à l'incompréhension du public face à un drame romantique, une étude de mœurs au caractère intimiste, privé de la conventionnelle distanciation héroïque et souligné par un réalisme musical inaccoutumé. Réhabilitée dès les représentations suivantes elle est devenue au xxe siècle l'une des œuvres les plus jouées dans les opéras du monde entier, grâce à des interprètes alliant qualités vocales et dramatiques telles Maria Callas, Renata Tebaldi et Joan Sutherland. Œuvre majeure du répertoire lyrique dotée d'un célèbre prélude romantique, elle fait partie, avec Rigoletto (1851) et Il trovatore (1853), ... |
 | VERDI - Nabucco - le choeur des esclaves Va, pensiero (Va, pensiero, sull'ali dorate) est l'un des chœurs de musique lyrique les plus connus. Dernier numéro (no 11) de la troisième partie du Nabucco de Giuseppe Verdi (1842), il est chanté par les Hébreux prisonniers à Babylone. Le poète Temistocle Solera a écrit ces vers en s'inspirant du psaume 137 Super flumina Babylonis. le choeur des esclaves évoque l'épisode biblique de l'esclavage des juifs à Babylone symbolisé par le chœur de la troisième partie, le Va, pensiero des hébreux auxquels s'identifiait la population milanaise alors sous occupation autrichienne. Le 12 mars 2011 Riccardo Muti dirige Nabucco au Teatro dell'Opera di Roma à l'occasion du 150e anniversaire de l'Unité italienne (17 mars 1861). La représentation est retransmise par la chaîne de télévision franco-allemande de service public Arte,. Cette représentation du Va, pensiero donne lieu à réactions de la salle, sur lesquelles réagit Riccardo Muti, qui exceptionnellement accorde un bis du chant, en demandant à l'assistance de se joindre au chœur. À la 7e minute: Encouragé à bisser le célèbre chœur Va pensiero, Riccardo Muti prend la défense du budget de la Culture italien menacé de coupes sombres... Il invite les spectateurs du Teatro dell'Opera di Roma à entonner l'air patriotique avec les choristes présents sur scène. — Viva Italia! — Sí, io sono d'accordo sul «Viva l'Italia», solamente... Io non ho trent'anni e quindi la mia vita l'ho fatta. Ma sono molto, come italiano, che gira il mondo, molto addolorato per quello che sta avvenendo. Quindi se io rifaccio, per vostra richiesta, il bis del «Va pensiero» non lo faccio tanto, o solo per ragioni patriotiche... Ma in questa sera, mentre il coro cantava «Oh mia patria, sí bella e perduta», ho pensato che se noi uccidiamo la cultura su cui è fondata la soglia dell'Italia, veramente sarà la nostra Patria bella e perduta. Tanto, siccome siamo in un clima molto italico, e molto spesso Muti ha parlato ai sordi, per tanti anni... Vorrei, facciamo l'eccezione: siamo in casa nostra, nel teatro della capitale... Siccome il coro l'ha cantato magnificamente, l'orchestra accompagnato benissimo: se volete unirvi anche voi, lo facciamo tutti insieme. A tempo però! — Vive l'Italie! — Oui, je suis d'accord sur le «Vive l'Italie», seulement... Je n'ai plus trente ans et donc ma vie est faite. Mais, en tant qu'Italien, qui parcourt le monde, je suis très peiné par ce qui est en train de se passer. C'est pourquoi si, à votre demande, je bisse le «Va pensiero», je ne le fais pas tellement, ou uniquement pour des raisons patriotiques... Mais ce soir, tandis que le chœur chantait «Oh ma patrie, si belle et perdue» j'ai pensé que si nous tuons la culture sur laquelle reposent les fondements de l'Italie, notre Patrie, véritablement, sera belle et bien perdue. À la rigueur, vu que nous sommes dans un climat très italique, et que très souvent Muti* s'est adressé à des sourds, durant de longues années... Je voudrais, faisons une exception: nous sommes ici chez nous, dans le théâtre de la capitale... Comme le chœur l'a chanté magnifiquement et que l'orchestre l'a très bien accompagné: si vous voulez vous aussi vous joindre à nous, faisons-le tous ensemble. Mais en mesure! * muto signifie «muet». Va, pensiero (Va, pensiero, sull'ali dorate) est l'un des chœurs de musique lyrique les plus connus. Dernier numéro (no 11) de la troisième partie du Nabucco de ... |
 | Giuseppe VERDI - Requiem - Dies Ire Pour le compositeur, cette oeuvre devait à l'origine signifier la fin et le couronnement de sa carrière. Après avoir connu le succès avec l'opéra Aida en 1871, Verdi composa la Messa da requiem en mémoire de son compatriote le poète Alessandro Manzoni, mort en 1873 et qui s'était engagé comme lui pour l'unité italienne au sein du Risorgimento, dans un idéal de justice et d'humanité. Verdi fut si ébranlé par la mort de Manzoni qu'il ne put se joindre au cortège funèbre. La Messa da requiem de Giuseppe Verdi (plus communément appelée Requiem de Verdi) est une messe de requiem pour solistes (soprano, mezzo-soprano, ténor et basse), double chœur et orchestre, créée le 22 mai 1874. Dies Irae (Claudio Abbado, Berlin Philharmonic (2002)) Pour le compositeur, cette oeuvre devait à l'origine signifier la fin et le couronnement de sa carrière. Après avoir connu le succès avec l'opéra ... |
 - messe solenelle kyrie.jpg) | Louis VIERNE - grande messe solenelle - kyrie - messe solenelle kyrie.jpg) « La Messe de Vierne est, dans l’ordre du triomphal, la digne réplique du Requiem de Fauré. » (Gavoty) Cette messe, la seule œuvre religieuse de grande ampleur de Vierne, est celle d’un musicien encore jeune qui vient tout juste d’écrire sa première œuvre marquante (sa première symphonie pour orgue) et que l’on va bientôt nommer titulaire des Grandes-Orgues de Notre-Dame de Paris. Cette messe est un véritable chef-d’œuvre du genre. Vierne a en effet réussi à éviter tous les pièges classiques comme le style pompier et vulgaire de la Messe Solennelle de Franck, le style théâtrale d’un Rossini et les extases faciles et sirupeuses qui abondaient à cette époque. C’est vraiment l’un des grands talents de Vierne que de toujours trouver le ton juste ; dans cette œuvre, Vierne se met au service du religieux et non le contraire. De surcroît, la ligne mélodique est très belle et les développements d’une grande qualité musicale. Cette messe est une véritable réussite très intéressante, et le succès qu’elle connaît depuis peu de temps grâce aux disques et aux concerts n’est que justice. Kyrie. La messe débute de manière très solennelle par une introduction imposante sur des accords fortissimos majestueux accompagnés par le rythme implacable des timbales. L’atmosphère devient ensuite plus douce et les chœurs font leur entrée. Un thème plaintif, d’une grande noblesse caractérise le Kyrie qui est repris en force avec les cuivres et les accords de l’introduction. Avec le Christe, on revient à un paysage plus doux, un style fugué s’amorce alors. Les chœurs dialoguent calmement avec l’orgue, le ton devient ensuite presque interrogatif. Une grande progression crée un climat d’attente qui débouche sur le retour puissant et spectaculaire du Kyrie initial. C’est l’un des plus beaux moments de la messe. Une conclusion solennelle et impressionnante achève ce Kyrie d’une manière grandiose. Assurément, l’une de mes pages préférées de Vierne. (6’30) « La Messe de Vierne est, dans l’ordre du triomphal, la digne réplique du Requiem de Fauré. » (Gavoty) Cette messe, la seule œuvre re ... |
 | Heitor VILLA LOBOS - Bachianas Brasileiras 5 - Aria Les Bachianas brasileiras n° 5, écrites en 1938, constituent l'œuvre musicale sans doute la plus célèbre du compositeur brésilien Heitor Villa-Lobos. Chacune représente une fusion entre des airs du folklore brésilien ou des musiques populaires brésiliennes et le style de Jean-Sébastien Bach. La plupart des mouvements de chaque suite ont deux titres, l'un emprunté à Bach (Prelúdio, Fuga, etc.), l'autre brésilien (Embolada, O Canto da Nossa Terra, etc.). Composées pour une formation de 8 violoncelles et une voix de soprano, elles s'articulent en deux mouvements, une aria et une danse. Le premier mouvement a d'ailleurs été transcrit pour guitare et voix de soprano par Villa-Lobos lui-même. Ce premier mouvement, en la mineur, est le plus connu ; il est structuré selon le schéma A-A'-B-A. Après par une introduction aux violoncelles, jouée deux fois, le chant commence. La partie A est une vocalise (sans parole) d'une grande difficulté d'exécution, car ayant un ambitus assez élevé. Cette partie est ensuite jouée en variante avec un violoncelle soliste, et les autres violoncelles en accompagnement. La partie B est un poème décrivant la beauté du ciel le soir (paroles de Ruth V. Corrêa). Tarde, uma nuvem rosea lenta e transparente, Sobre o espaço sonhadora e bela! Chaque vers est psalmodié, en allant de l'aigu vers le grave. L'accompagnement aux violoncelles suit de près le chant, avec des dissonances absentes de la partie A. Le thème initial A est alors repris, mais à bouche fermée. Les Bachianas brasileiras n° 5, écrites en 1938, constituent l'œuvre musicale sans doute la plus célèbre du compositeur brésilien Heitor Villa ... |
 | Antonio VIVALDI - les 4 saisons -automne (I Musici) ... |
 | vivaldi - 4 saisons - ete ... |
 | Antonio VIVALDI - les 4 saisons - hiver (I Musici) ... |
 | Antonio VIVALDI - les 4 saisons - printemps (I Musici) ... |
 | Antonio VIVALDI - Concerto alla rustica in G-Major RV 151 Sans soliste, cette page, très brève de Vivaldi, est écrite pour cordes et basse continue, et recrée, comme son nom l'indique, les caractéristiques de la musique paysanne, un peu dans le style des passages plus «rustiques » du concerto dédié à «L'Automne». le 1er mt a servi de generique a une emission de France Inter a votre ecoute, coute que coute Sans soliste, cette page, très brève de Vivaldi, est écrite pour cordes et basse continue, et recrée, comme son nom l'indique, les caractéristiqu ... |
 | Antonio VIVALDI - concerto pour mandoline rv 425 - 1er mt The Mandolin Concerto in C major, RV 425, which may also be written Mandoline Concerto, is a concerto written by the Italian composer Antonio Vivaldi in 1725 and is often accompanied by The Four Seasons (1725). The music consists of virtuosic treatment of the solo instrument (i.e. the mandolin), and the interplay between the soloist and accompaniment of the orchestra. The demands are considered higher than other concerti by Vivaldi, and the work is one of the most famous mandolin pieces. vivaldi Mandolin Concerto 1st Movement Ettlingen Detlef Tewes Boris Bagger RV 425.mp4 The Mandolin Concerto in C major, RV 425, which may also be written Mandoline Concerto, is a concerto written by the Italian composer Antonio Vivaldi in 1725 and is often accompani ... |
 | Antonio VIVALDI - Concerto pour 2 violons rv523 - allegro Vivaldi était, selon tous les témoignages contemporains, un virtuose incontesté du violon. Il a promu une technique de jeu originale (bariolage, grand staccato, doubles cordes…), parfois décriée pour son aspect spectaculaire et excessif, mais qui a été suivie par ses disciples et émules directs et indirects; on peut le reconnaître comme le lointain précurseur de Paganini. Principal initiateur et promoteur du concerto soliste, ce créateur de formes tient une place essentielle dans le développement de la musique classique : le concerto et la symphonie lui doivent l’impulsion initiale qui en a fait les formes orchestrales majeures pendant la période classique, le xixe siècle et au-delà. Vivaldi était, selon tous les témoignages contemporains, un virtuose incontesté du violon. Il a promu une technique de jeu originale (bariolage, grand staccato ... |
 | Antonio VIVALDI - Et in terra pax (Gloria rv589) Et in terra pax hominibus, bonae voluntatis Le Gloria, ou Gloire à Dieu, également appelée « grande Doxologie ». C'est un chant de louange, est utilisé pendant la Messe catholique. Après avoir demandé pardon, les chrétiens exultent de joie dans le Seigneur, car sa miséricorde est infinie. C'est un chant de louange à la Sainte Trinité. illustr: paysage de styrie photo francois poulet-mathis Et in terra pax hominibus, bonae voluntatis Le Gloria, ou Gloire à Dieu, également appelée « grande Doxologie ». C'est un chant de louange ... |
 | Antonio VIVALDI - Juditha triumphans - pars prior (choeur) Juditha triumphans devicta Holofernis barbarie, numéro RV 644 dans le catalogue de Vivaldi, est un oratorio d'Antonio Vivaldi, le seul à nous être parvenu des quatre qui ont été composés par le musicien vénitien. Le livret, œuvre de Iacopo Cassetti, se fonde sur le récit biblique de Judith. Le roi assyrien Nabuchodonosor envoie une armée contre Israël pour exiger qu'on lui paie les tributs en retard. Judith une jeune veuve juive, va implorer la pitié du conquérant assyrien Holopherne. Il tombe amoureux d'elle, qui feint de l'aimer elle aussi. Après avoir festoyé et bu tant et plus de vin, Holopherne s'assoupit. Judith alors lui coupe la tête, s'enfuit du camp ennemi et retourne victorieuse à Béthulie. L'œuvre a été composée et représentée à Venise en 1716 à l'Ospedale della Pietà. Le travail avait été commandé pour célébrer la victoire de la République de Venise sur les Turcs et la reconquête de l'île de Corfou. En juillet 1716, les Turcs y avaient débarqué et avaient assiégé l'île. La population résista à l'occupation, et en août, Venise signa une alliance avec le Saint-Empire romain germanique. Le 18 août, sous le commandement du comte Johann Matthias von der Schulenburg, la bataille décisive fut gagnée, forçant les Turcs à quitter l'île. Juditha triumphans fut mise en scène à la Pietà en novembre et connut un grand succès. L'histoire de Judith et sa victoire contre l'envahisseur Holopherne était une allégorie de Venise vaincue et envahie par les Turcs. Le général vainqueur, von der Schulenburg, était présent à la représentation. vivaldi - rv644 Juditha Triumphans - 29 - Pars Prior(choeur) illustr: Veronese: Judith with the Head of Holofernes (1575-1580) (detail) Juditha triumphans devicta Holofernis barbarie, numéro RV 644 dans le catalogue de Vivaldi, est un oratorio d'Antonio Vivaldi, le seul à nous être parvenu des q ... |
 | Antonio VIVALDI - Lauda Jerusalem Lauda Jerusalem, Dominum ; Lauda Deum tuum, Sion. Hosanna, Hosanna, Hosanna Filio David ! hymne pour le dimanche des rameaux Rv609 Lauda Jerusalem, Dominum ; Lauda Deum tuum, Sion. Hosanna, Hosanna, Hosanna Filio David ! hymne pour le dimanche des rameaux Rv609 ... |
 | Richard WAGNER - la chevauchee des Walkyries C'est un des airs wagnériens les plus populaires ; il est fréquemment repris dans le cinéma et la publicité et a été utilisé par le parti nazi à des fins de propagande. Il n'est pas rare aujourd'hui que cet air soit joué en concert, indépendamment de l'opéra dont il est issu. La chevauchée des Walkyries, (en allemand, Walkürenritt ou Ritt der Walküren) est le terme populaire pour désigner le prélude de l'acte III de l'opéra Die Walküre composé par Richard Wagner. C'est un des airs wagnériens les plus populaires ; il est fréquemment repris dans le cinéma et la publicité et a été utilisé par le ... |
 | Charles Marie WIDOR - Symphonie pour orgue n6 - 1er mt allegro Widor est résolument le premier symphoniste de la littérature pour orgue. Il connaissait la musique allemande, mais son goût est bien plus dans une tradition française de la suite, et pour l'art qui ne s'annonce pas. Il appelait ses grandes œuvres Symphonies, mot qui les lie à la tradition symphonique allemande, mais les symphonies de Widor sont bien autres que des symphonies classiques en quatre mouvements. Les huit premières symphonies pour orgue de Widor ressemblent plus aux suites françaises qu'aux symphonies de Beethoven. Elles sont composées de cinq ou six mouvements caractéristiques, tels que Prélude, Marche, Menuet, Pastorale, Toccata. Les deux dernières symphonies, Gothique (pour Noël) et Romane (pour Pâques), sont remarquables pour leur usage du grégorien dans un contexte qui résume tout l'art de leur compositeur. On continue toujours à jouer ses compositions, dont sa célèbre Toccata, mouvement final de sa 5e Symphonie pour orgue. Sa musique a été à l'honneur lors du mariage d'Élisabeth II, reine d'Angleterre en 1947. Widor est résolument le premier symphoniste de la littérature pour orgue. Il connaissait la musique allemande, mais son goût est bien plus dans une tradition fr ... |
 | Charles Marie WIDOR - toccata La musique d'orgue de Widor est conçue pour les grandes orgues symphoniques Aristide Cavaillé-Coll que l'on trouve dans les principales églises de Paris. Certains mouvements de ses symphonies, notamment cette fameuse Toccata qui termine la Symphonie n° 5 opus 42, la Marche pontificale de la Symphonie n° 1, ou encore l'Allegro ouvrant la Symphonie n° 6, sont d'une grande virtuosité. Widor est résolument le premier symphoniste de la littérature pour orgue. Il connaissait la musique allemande, mais son goût est bien plus dans une tradition française de la suite, et pour l'art qui ne s'annonce pas. Il appelait ses grandes œuvres Symphonies, mot qui les lie à la tradition symphonique allemande, mais les symphonies de Widor sont bien autres que des symphonies classiques en quatre mouvements. Les huit premières symphonies pour orgue de Widor ressemblent plus aux suites françaises qu'aux symphonies de Beethoven. Elles sont composées de cinq ou six mouvements caractéristiques, tels que Prélude, Marche, Menuet, Pastorale, Toccata. Les deux dernières symphonies, Gothique (pour Noël) et Romane (pour Pâques), sont remarquables pour leur usage du grégorien dans un contexte qui résume tout l'art de leur compositeur. On continue toujours à jouer ses compositions, dont sa célèbre Toccata, mouvement final de sa 5e Symphonie pour orgue. Sa musique a été à l'honneur lors du mariage d'Élisabeth II, reine d'Angleterre en 1947. illustr. Pieter Jansz SAENREDAM - interieur de l'eglise St Bavon à Haarlem La musique d'orgue de Widor est conçue pour les grandes orgues symphoniques Aristide Cavaillé-Coll que l'on trouve dans les principales églises de Paris. Certa ... |
 | Charles-Marie WIDOR - Symphonie n° 5 opus 42 - toccata La musique d'orgue de Widor est conçue pour les grandes orgues symphoniques Aristide Cavaillé-Coll que l'on trouve dans les principales églises de Paris. Certains mouvements de ses symphonies, notamment cette fameuse Toccata qui termine la Symphonie n° 5 opus 42, la Marche pontificale de la Symphonie n° 1, ou encore l'Allegro ouvrant la Symphonie n° 6, sont d'une grande virtuosité. Widor est résolument le premier symphoniste de la littérature pour orgue. Il connaissait la musique allemande, mais son goût est bien plus dans une tradition française de la suite, et pour l'art qui ne s'annonce pas. Il appelait ses grandes œuvres Symphonies, mot qui les lie à la tradition symphonique allemande, mais les symphonies de Widor sont bien autres que des symphonies classiques en quatre mouvements. Les huit premières symphonies pour orgue de Widor ressemblent plus aux suites françaises qu'aux symphonies de Beethoven. Elles sont composées de cinq ou six mouvements caractéristiques, tels que Prélude, Marche, Menuet, Pastorale, Toccata. Les deux dernières symphonies, Gothique (pour Noël) et Romane (pour Pâques), sont remarquables pour leur usage du grégorien dans un contexte qui résume tout l'art de leur compositeur. On continue toujours à jouer ses compositions, dont sa célèbre Toccata, mouvement final de sa 5e Symphonie pour orgue. Sa musique a été à l'honneur lors du mariage d'Élisabeth II, reine d'Angleterre en 1947. La musique d'orgue de Widor est conçue pour les grandes orgues symphoniques Aristide Cavaillé-Coll que l'on trouve dans les principales églises de Paris. Certa ... |
 | Iannis XENAKIS - Metastasis Au début des années 1950, Iannis Xenakis s’oppose à la musique sérielle, inventée par la nouvelle génération en généralisant le principe de la musique dodécaphonique inventé par Arnold Schönberg. Pour lui, même si c’est un principe fondamentalement polyphonique, le résultat sonore, soumis à des règles de plus en plus strictes et complexes, est une «masse de notes dans divers registres», dont la rencontre n’a plus aucune cohérence acoustique, et donc qui nie la polyphonie dans son principe. Il s’oppose particulièrement au sérialisme pur, incarné à l’époque par des œuvres telles que Polyphonie X (1951) ou Le marteau sans maître (1954) de Pierre Boulez, qu’il juge très académique et par conséquent le considère comme une négation de lui-même dans son principe de liberté. En réaction, il réfléchit à une musique qui lui permettrait de poser avec sincérité les sons qu’il imagine, dont l’exigence dépasse l’utilisation de la tonalité, la modalité ou l’atonalité libre. Il se fait donc le pionnier de la musique massique dont le principe est de développer des agglomérats de sons constituant des masses sonores évolutives et non un développement par parties qui s'enchevêtrent de manière imprévisible comme le proposait la musique sérielle. Metastasis signifie d’ailleurs «je change de place» en grec et ce mot est à l’origine étymologique de métastase, ce qui implique une notion d'évolution continue. Yannis Xenakis, ou Iannis Xenakis, né le 29 mai 1922 à Braïla en Roumanie et mort le 4 février 2001 à Paris, est un compositeur, architecte et ingénieur d'origine grecque, naturalisé français, marié à l'écrivaine Françoise Xenakis, avec qui il a eu une fille, la peintre et sculptrice Mâkhi Xenakis. Au début des années 1950, Iannis Xenakis s’oppose à la musique sérielle, inventée par la nouvelle génération en gén&ea ... |
 | Jan Dismas ZELENKA - Missa Omnium Sanctorum, ZWV 21 Festival Oude Muziek 25 augustus 2012, Domkerk Utrecht Jan Dismas Zelenka (1679--1745) Missa Omnium Sanctorum ZWV 21 Kyrie Gloria Credo Sanctus Agnus Dei COLLEGIUM 1704 Václav Luks Solisten: Alena Hellerová , sopraan Kamila Mazalová, alt Václav Cížek, tenor Tomáš Král, bas Collegium Vocale 1704: Barbora Sojková, Alena Hellerová, Dora Pavlíková, Kamila Zborilová, Joanna Klisowska, sopraan Kamila Mazalová, Marta Fadljevicová, Jan Mikušek, Daniela Cermákovám, alt Václav Cížek, Hasan El-Dunia, Cenek Svoboda, Tomáš Lajtkep, tenor Tomáš Král, Jaromír Nosek, Martin Vacula, Aleš Procházka, bas Collegium 1704: Helena Zemanová, Petra Šcevková, Martin Kalista, Peter Barczi, Eva Borhi, viool 1 Jana Chytilová, Simona Tydlitátová, Markéta Knittlová, Jan Hádek, viool 2 Lýdie Cillerová, Eleonora Machová, František Kuncl, altviool Libor Mašek, Hana Fleková, violoncello Ondrej Štajnochr, contrabas Pablo Kornfeld, orgel Eva Harmuthová, Petra Ambrosi, hobo Kryštof Lada, fagot Festival Oude Muziek 25 augustus 2012, Domkerk Utrecht Jan Dismas Zelenka (1679--1745) Missa Omnium Sanctorum ZWV 21 Kyrie Gloria Credo Sanctus A ... |
 | Jan Dismas ZELENKA - Missa dei Filii / Missa Dei Patris ... |
