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Francisco de ZURBARAN - agnus dei


Son art révèle une grande force visuelle et un profond mysticisme — et il devient un artiste emblématique de la Contre-Réforme. D'abord très marqué par le Caravage, son style austère et sombre évolue pour se rapprocher des maîtres maniéristes italiens. Ses représentations s'éloignent du réalisme de Vélasquez et ses compositions s'éclaircissent dans des tons plus acides.
peinture, huile sur bois. 38 x 62 cm, Madrid, Musee du Prado
espagne religieux
Francisco de ZURBARAN - agnus dei (1630)

Jamie WEYTH - mouette


James Browning Wyeth (né en Juillet 6, 1946) est un peintre réaliste américain contemporain. Il a grandi à Chadds Ford Township, en Pennsylvanie, fils d'Andrew Wyeth et petit-fils de NC Wyeth. Il est l'héritier artistique de la tradition de l'école de Brandywine, les peintres qui travaillaient dans la zone rurale Brandywine River of Delaware et en Pennsylvanie, en décrivant ses gens, les animaux et les paysages.
usa fantastique
Jamie WEYTH - mouette ()

Joseph WRIGHT of Derby - experience avec une pompe à air


Roger Boyle est à l'origine de la machine. Il s'agit d'une pompe à air. L'expérience consiste à vérifier les effets de la création du vide avec une pompe pneumatique et une cloche de verre. cette expérience prévoit deux variantes : on pouvait choisir d’insérer un petit animal ou une vessie pleine d'air. La version de Wright of derby est la plus cruelle car c'est un petit oiseau qui se trouve dans la cloche de verre. Comment ne pas voir les visages inquiets des enfants.

Joseph WRIGHT of Derby - experience avec une pompe à air (1768)


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Christopher WOOD (1901-1930) - couple de mormons


Il est un des rares peintres britanniques à avoir obtenu une certaine reconnaissance dans la mouvance artistique parisienne des années 1920.
Christopher ’’Kit’’ Wood (né le 7 avril 1901 à Knowsley, près de Liverpool - mort le 21 août 1930 à Salisbury), était un peintre anglais dont l'oeuvre, malgré la disparition prématurée de son auteur à la vie bohème, mouvementée et marquée par l'addiction aux drogues, a influencé le développement du modernisme anglais.
L’essentiel de la production de Christopher Wood a pris place entre 1928 et 1930, essentiellement en Bretagne et dans les Cornouailles. Ses peintures sont d’une facture très personnelle, dans un style faussement naïf aux couleurs profondes et de plus en plus terreuses, qui, s’il a été influencé par Ben and Winifred Nicholson, est caractéristique de l’artiste. Malgré une vie brève et mouvementée, ce fut pourtant un artiste productif puisqu’on compte environ 500 huiles dans son oeuvre.
usa scenes rurales
Christopher WOOD (1901-1930) - couple de mormons (1920)


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Emmanuel de WITTE - interieur hollandais



pays-bas scenes interieur
Emmanuel de WITTE - interieur hollandais (1650)

James Abbott McNeill WHISTLER - Battersea Reach from Lindsey Houses


Whistler était persuadé que l'art devrait se concentrer sur l'harmonie des couleurs, ce qui lui valut beaucoup de critiques. il a été vu alors comme un précurseur de l'art abstrait. Il aimait l'harmonie des formes et de couleur et souhaitait créer un art basé sur des lois précises de composition où le dessin est maitrisé. il disait: l'Art est la science du Beau.
Il sera considéré comme l'initiateur de l'impressionnisme anglais. Il considérait la peinture comme une pure expérience esthétique au-delà des valeurs de la représentation et se rapprochera de la culture symboliste des années 1880-1890.

peinture, huile sur bois 51.44 cm x 76.52 cm, Hunterian Museum, Univ. of Glasgow
royaume-uni impressionisme
James Abbott McNeill WHISTLER - Battersea Reach from Lindsey Houses (1868)


Warning: getimagesize(../data/peinture/@selection2/whistler - Nocturne- Grey and Gold - Chelsea Snow. 1876. Oil on canvas. 47.31 cm (18.63 in.) x 62.55 cm (24.63 in.). Fogg Art Museum, Harvard University, Cambridge MA.jpg) [function.getimagesize]: failed to open stream: No such file or directory in /public_html/arpoma/e-doc3.php on line 380

James Abbott McNeill WHISTLER - nocturne




James Abbott McNeill WHISTLER - nocturne (1876)

Julian Alden WEIR


Julian Alden Weir (30 août 1852 – 8 décembre 1919) est un peintre impressionniste américain qui fut membre de la Cos Cob Art Colony de Greenwich dans le Connecticut. Il fut aussi l'un des membres du Groupe des Dix, une association d'artistes insatisfaits des prestations des organisations d'artistes professionnels, qui s'unirent, en 1898, afin d'exposer en commun leurs œuvres.
Weir est né et a grandi à West Point dans l'État de New York. Il est le fils de Robert Walter Weir, professeur de dessin à Académie militaire. Son frère aîné, John Ferguson Weir, devint également un peintre célèbre dans le style des écoles de l'Hudson et de Barbizon.
Julian Weir commença ses études artistiques à la National Academy of Design au début des années 1870, avant de rejoindre l'École des Beaux-Arts de Paris en 1873. En France il étudie sous la direction de Jean-Léon Gérôme et se lie d'amitié avec Jules Bastien-Lepage.

Julian Alden WEIR (1900)


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Edwin Lord WEEKS - Sketch - Two Nautch Girls


En 1895, Edwin Lord Weeks a écrit et illustré un livre de voyages, de la mer Noire à travers la Perse et l'Inde, et deux ans plus tard, il publie épisodes de l'alpinisme.
royaume-uni orientalisme
Edwin Lord WEEKS - Sketch - Two Nautch Girls (1900)


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George Frederic WATTS - Hope


Dans les années 1860, les œuvres de Watts révèlent l'influence de Rossetti, soulignant souvent un plaisir sensuel et des couleurs riches. Ses œuvres sont influencées par les idées de Max Müller, le fondateur de la religion comparée. Watts espérait représenter le développement des mythologies des races [du monde] dans une grande synthèse d'idées spirituelles avec la science moderne, particulièrement l'évolution Darwinienne.
C'est la peinture preferée du President Barak Obama
usa symbolisme
George Frederic WATTS - Hope (1885)

Antoine WATTEAU - les deux cousines


Acquises en 1990, Les Deux Cousines représentent la quintessence de l’art d’Antoine Watteau (1684-1721). Le tableau a fait récemment l’objet d’une étude scientifique dans le cadre du projet de recherche sur Watteau et la fête galante mené par le département des Peintures avec la collaboration du Centre de recherche et de restauration des musées de France (C2RMF). Cette étude a permis quelques découvertes.
peinture, france, huile sur toile, Paris, Musee du Louvre
france
Antoine WATTEAU - les deux cousines (1717)


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Andy WARHOL - Marylin Monroe


Le pop art était une forme expérimentale que beaucoup d'artistes s'approprièrent indépendamment les uns des autres. Parmi les pionniers, on peut remarquer Roy Lichtenstein et Jasper Johns. Mais Andy Warhol sera, plus tard, considéré comme « Pope of the Pop » c'est-à-dire « Pape du pop » par ses contemporains.
En 1963, il adopte la technique qu'il utilise pour ses œuvres les plus célèbres : la photographie sérigraphiée est reportée sur toile. Les photographies utilisées sont en noir et blanc, il colore le fond de la toile, et ensuite, imprime le sujet, le visage de Marilyn Monroe par exemple, avec seulement quelques détails, pour le rendre plus neutre, pour les reproduire par sérigraphie. Souvent, c'est un motif qui sera reproduit plusieurs fois sur la toile. C'est le stéréotype du pop art. En effet, selon l'interprétation la plus classique, grâce au procédé sérigraphie, qui laisse la trace de la trame lors de l'impression, Warhol restitue un aspect essentiel des documents qu'il utilise : leur nature d'images déjà imprimées et divulguées par la grande presse, leur nature de cliché, dans tous les sens du mot et en fin de parcours, en les transposant sur la toile, l'artiste accentue encore l'aspect cliché de ces images et la multiplication achève de leur faire perdre leur sens
usa pop-art
Andy WARHOL - Marylin Monroe (1963)


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Edouard VUILLARD - enfants dans une chambre


Dans ses œuvres, Vuillard a représenté nombreuses scènes d'intérieurs où il habitait avec sa mère toute sa vie jusqu'a la mort de cette dernière en 1928. Avec leurs douces atmosphères, ces scènes de la vie quotidienne dont il a fait un sujet de prédilection qualifient cet artiste comme « intimiste ».
france famille
Edouard VUILLARD - enfants dans une chambre (1893)


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Edouard VUILLARD - Paris au lit




Edouard VUILLARD - Paris au lit (1891)


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Edouard VUILLARD - mere de l'artiste ouvrant une porte




Edouard VUILLARD - mere de l'artiste ouvrant une porte (1892)


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Edouard VUILLARD - le chemisier rayé


En 1889, Maurice Denis le convainc de se joindre à un petit groupe dissident de l'Académie Julian, qui réalise des œuvres empreintes de symbolisme et de spiritualité, et qui s'auto-proclame « confrérie des Nabis ». Paul Sérusier développe dans le groupe nabi un amour de la méthode synthétiste, qui repose sur la mémoire et l'imagination plus que sur l'observation directe. Vuillard, d'abord réticent à l'idée que le peintre ne cherche pas à reproduire de façon réaliste ce qu'il voit, finit, vers 1890, par s'essayer à ses premières œuvres synthétistes.
Vuillard a représenté de nombreuses scènes d'intérieurs comme celui qu'il habitait avec sa mère jusqu'à la mort de cette dernière en 1928. La douce atmosphère de ces scènes de la vie quotidienne, dont il fait un sujet de prédilection, le qualifient comme artiste « intimiste ». Il a cependant contesté trouver le plus d'inspiration dans ces « lieux familiers ».

Edouard VUILLARD - le chemisier rayé ()

Leonard de VINCI - l'homme de Vitruve


L’« homme de Vitruve » (ou homme vitruvien) est le nom communément donné au dessin à la plume, encre et lavis sur papier, intitulé Étude de proportions du corps humain selon Vitruve et réalisé par Léonard de Vinci aux alentours de 1492.
Ce dessin a appartenu à la collection d’œuvres 12 d’art graphique de Giuseppe Bossi avant d’être acheté en 1822 par les Gallerie dell’Accademia de Venise.

Quatre doigts font une paume, et quatre paumes font un pied, six paumes font une coude : quatre coudes font la hauteur d’un homme. Et quatre coudes font un double pas, et vingt-quatre paumes font un homme ; et il a utilisé ces mesures dans ses constructions.
Si vous ouvrez les jambes de façon à abaisser votre hauteur d’un quatorzième, et si vous étendez vos bras de façon que le bout de vos doigts soit au niveau du sommet de votre tête, vous devez savoir que le centre de vos membres étendus sera au nombril, et que l’espace entre vos jambes sera un triangle équilatéral.
La longueur des bras étendus d’un homme est égale à sa hauteur.
Depuis la racine des cheveux jusqu’au bas du menton, il y a un dixième de la hauteur d’un homme. Depuis le bas du menton jusqu’au sommet de la tête, un huitième. Depuis le haut de la poitrine jusqu’au sommet de la tête, un sixième ; depuis le haut de la poitrine jusqu’à la racine de cheveux, un septième.
Depuis les tétons jusqu’au sommet de la tête, un quart de la hauteur de l’homme. La plus grande largeur des épaules est contenue dans le quart d’un homme. Depuis le coude jusqu’au bout de la main, un cinquième. Depuis le coude jusqu’à l’angle de l’avant bras, un huitième.
La main complète est un dixième de l’homme. Le début des parties génitales est au milieu. Le pied est un septième de l’homme. Depuis la plante du pied jusqu’en dessous du genou, un quart de l’homme. Depuis sous le genou jusqu’au début des parties génitales, un quart de l’homme.
La distance du bas du menton au nez, et des racines des cheveux aux sourcils est la même, ainsi que l’oreille : un tiers du visage. »
— Vitruve, dans son ouvrage De l’architecture.
peinture, italie, encre et lavis sur papier, Venise, Gallerie dell’Accademia
italie biblique
Leonard de VINCI - l'homme de Vitruve (1492)


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Leonard de VINCI - vierge a l'enfant avec Sainte Anne


Le theme est celui de la « Sainte Anne trinitaire » où voisine Sainte Anne, la Vierge Marie et l'enfant Jésus. D'après la tradition, Sainte Anne meurt avant la naissance de Jésus et le thème est donc plus symbolique, réunion de trois générations. Ce thème pictural apparaît au XIIIe siècle et connaît son apogée au XVe siècle.
L'agneau symbolise le sacrifice. Les premières esquisses de l'œuvre montrent Sainte Anne tentant de retenir le geste de la Vierge vis-à-vis de son fils. Le tableau terminé montre, au contraire, une attitude retenue de Sainte Anne, acceptant symboliquement le destin de son petit-fils
La Vierge, l’Enfant Jésus et sainte Anne (Santa Anna Metterza), aussi appelée La Vierge à l’Enfant avec sainte Anne, est un tableau de Léonard de Vinci, une peinture à l’huile sur panneau de peuplier qui est conservée au musée du Louvre à Paris. Le début de la lente et complexe genèse du tableau remonterait à 1501, date de sa première mention dans la correspondance d’Isabelle d'Este. Léonard de Vinci ne cessa ensuite de perfectionner cette composition ambitieuse, qu’il laissa inachevée à sa mort en 1519.

Leonard de VINCI - vierge a l'enfant avec Sainte Anne (1510)


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Leonard de VINCI - tete de femme (La Scapigliata)


Les lignes sont douces, les yeux ronds et légèrement sortants, le nez prononcé les lèvres charnues ébauchant un léger sourire, le menton arrondi. Le fort contraste du visage avec ses éclaircissements donne un relief sculptural au visage, dont l'aspect angélique est contrecarré par la chevelure ébouriffée et par les boucles turbulentes des cheveux qui rappellent les « mouvements de l'âme », un des principes de base de la poétique de Léonard de Vinci.
La Scapigliata (« L'Ébouriffée ») ou Tête de jeune fille, est une peinture inachevée, réalisée par Léonard de Vinci vers 1508, conservée à la Galerie nationale de Parme en Italie.
italie
Leonard de VINCI - tete de femme (La Scapigliata) (1508)

Vierge de Vladimir


La Théotokos de Vladimir, également connue sous les noms de Notre-Dame de Vladimir, Vierge de Vladimir ou Vladimirskaïa, est une des icônes orthodoxes les plus vénérées de Russie. La Théotokos (Marie) est considérée comme la sainte protectrice de la Russie. L'icône est exposée dans la galerie Tretiakov de Moscou. Sa fête est le 3 juin. Plus encore que les icônes les plus célèbres, l'original a été maintes fois copié au cours des siècles, et de nombreuses copies ont acquis une signification artistique et religieuse considérable. L'icône est une version du type Eleusa, Vierge de « Tendresse », avec l'Enfant-Jésus se blottissant contre la joue de sa Mère. Ce type deviendra par la suite très populaire.
Luc Chrysoberges, patriarche de Constantinople envoya l'icône comme cadeau au grand-duc Iouri Dolgorouki de Kiev vers 1131. La belle image convoitée par le fils de Iouri fut placée dans le monastère Mejihirski jusqu'à ce qu'Andreï Bogolioubski la porte dans sa ville préférée, Vladimir, en 1155. Lorsque les chevaux qui transportaient l'icône s'arrêtèrent près de Vladimir et refusèrent d'aller plus loin, ceci fut interprété comme un signe que la Theotokos voulait que l'icône reste à Vladimir. L'on fit construire la grande cathédrale de l'Assomption pour abriter l'icône et d'autres églises consacrées à la Vierge dans tout le nord-ouest de la Russie.
L'image fut transportée de Vladimir à la nouvelle capitale, Moscou, pour protéger la Russie de l'invasion de Tamerlan en 1395. L'endroit où la population et le prince régnant rencontrèrent l'icône fut commémoré par la construction du monastère Sretensky. Vassili Ier de Moscou passa une nuit à pleurer devant l'icône et les armées de Tamerlan se retirèrent le même jour. Les Moscovites refusèrent alors de restituer l'icône à Vladimir et la placèrent dans la cathédrale de la Dormition du Kremlin de Moscou. Selon la tradition populaire, l'intercession de la Théotokos, à travers l'icône, sauva également Moscou des hordes tatares en 1451 et en 1480.
L'icône de Notre-Dame de Vladimir est parfois décrite comme exprimant le sentiment universel de l'amour maternel et l'anxiété vis-à-vis de son enfant. Au xvie siècle, la Vladimirskaïa — comme l'appellent les Russes — devint objet de légende. La tradition de l'Église affirme que l'icône fut peinte par saint Luc, ce qui a été démenti par l'analyse de l'image. L'icône était vénérée pendant le couronnement des tsars, les élections des patriarches et à l'occasion d'autres cérémonies d'État. En décembre 1941, alors que les Allemands approchaient de Moscou, Staline aurait ordonné que l'icône fût placée dans un avion qui faisait le tour de la capitale assiégée. L'armée allemande commença à se retirer quelques jours après.
L'icône de Notre-Dame de Vladimir est considérée comme l'icône la plus importante de la période comnénienne d'un point de vue artistique. Elle exprime une humanité et une émotion plus profondes que les œuvres typiques de l'art byzantin de la période précédente. David Talbot Rice affirme, dans la dernière édition de l'Encyclopédie Britannica : « elle est d'une importance considérable dans l'histoire de la peinture, car il s'agit non seulement d'un travail de très haute qualité, mais également d'une icône plus humaine d'un style nouveau qui anticipe sur la fin du style byzantin qui connut son apogée entre 1204 et 1453 ».
,Moscou, Gallerie Tretyakov

Vierge de Vladimir (1131)